Brainticket fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África. Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como Can, Amon Duul II y Tangerine Dream, y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría Brainticket. Su primer álbum fue ‘’Cottonwood Hill’’, lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que “solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse.” Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos. Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Amanecer Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión, Werni Prahlach en bajo y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz. En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodelico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acides que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgico extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgasmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados.
Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda. Desde entonces la reputación de Brainticket como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, Psychonaut. También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de Brainticket basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, Celestial Ocean, contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a Brainticket a la fama mundial. Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de Brainticket, incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000. En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: “No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a Brainticket un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.”
‘’East of Eden’’ fue un grupo británico de rock progresivo formado en Bristol, Inglaterra, en 1968, que alcanzo un top 10 Top en el Reino Unido con el sencillo , " Jig-A-Jig ", en 1971, pista incluida en su tercer álbum. Originalmente se llamaron “Pictures of Dorian Gray”, hasta que en 1968 trasladan a Londres, donde firman un contrato de grabación con Deram. Es ahí cuando cambian su nombre tan lírico por el mas cinematográfico “East of Eden”.
‘’Mercator Projected’’ fue su primer álbum y en realidad el mejor que han lanzado, dentro de los varios discos que han lanzado. La banda no tenía una formación constante, pero en este álbum, el grupo estaba formado por el violinista y flautista Dave Arbus, el saxofonista Ron Caines, el guitarrista y vocalista Geoff Richardson, el bajista Steve York y el baterísta Dave LaFont. Todo el álbum nace de una combinación exótica de psicodelia, sonidos orientales, country, rock progresivo temprano y jazz-rock, aunque es el rock más duro el que ensambla las bases de las composiciones y de hecho el que los caracteriza en sus siguientes albums. A partir de esa base, los temas surgen es una explosión mágica y muy versátil, una combinación exótica que fluye, mediante una performance magistral, hacia altos climax exploratorios… en estados post psicodélicos, progresivos tempranos y un art rock único. Una obra fascinante no apta para oidos obtusos y de mentes estrechas, aquí hay que escuchar atentos, posiblemente por momentos su propuesta suene algo desfasada, pero es la mezcla de colores y los sonidos particulares que alcanzan, lo que hacen de este un disco de culto.
El álbum contiene un sin fin de temas altamente originales, el pesado "Northern Hemisphere", los mas atmosféricos y expansivos "Bathers", "Waterways" y "Moth", y el alucinante ‘’ In The Stable Of The Sphinx’’, una pieza genial que combina todas las características nombradas del disco, una grabación relativamente extensa, que contiene en medio, para un delirio total de los oídos, un atasco psicodelico ruidoso alucinante. En esta reedición en cd se puede escuchar una versión temprana del mismo tema, en la cual se aprecia la inclusión de melodías tomadas de un tema de Jimi Hendrix, ‘’Third Stone From The Sun’’. Algunos atascos a los que llegan en combinación de flautas y saxos, hacen acordar mucho a momentos de Soft Machine, y la participación oscura y perdida del violín recuerdan mucho al disco ‘’Precious Cargo’’ de ‘’High Tide’’.
En 1970 lanzarian 'Snafu', que fue el último disco que lanzaron con Decca. A partir de ahí editaron varios discos con Harvest de EMI, que parecían más destinados a vender que a producir buena música, el grupo pasó de ser una banda de culto a un grupo del montón. La banda se separó en 1978 despues de haber sufrido muchos cambios en su formación. Los tres miembros principales (Arbus, Caines y Nicholson), se reunieron en 1996 y lanzaron Kalipse al año siguiente.
Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop,fusión, jazz modal, jazz funk, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a lamúsica de baile. Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido. Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.
Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento presente, no el pasado. ‘’Takin 'Off’’ es el álbum debut del pianista de jazz Herbie Hancock como líder, lanzado originalmente en 1962 para el sello Blue Note. La sesión de grabación incluyó a Billy Higgins a los tambores, Butch Warren en bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, y Dexter Gordon en saxofón tenor. El debut de Herbie Hancock reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad que desplego un jazz, hard bop claisco, con muy elegante, impregnado por un toque de soul y blues, y con un feeling muy personal, lo que le dio al sonido un rumbo muy especial e hizo alzarlo al standares en el mismo jazz, con por ejemplo con su primer tema de todo su repertorio, el pegadizo ‘’Watermelon Man’’, que se convirtió en un clásico del pianista y en un estándar dentro del jazz. El resto de los temas de disco quedan irremediablemente eclipsados por un tema inicial tan brillante, pero es que los otros cinco también se han convertido en clásicos y en estándares recurrentes dentro del hard bop, por su estilo refinado y particular. Por eso este estupendo debut en Blue Note se considera un álbum clave en la discografía de Hancock, porque ya permite apreciar sus primeras innovaciones, de cómo en su cabeza quizá ya empezaba a gestarse la revolución del jazz fusión y, por supuesto, todas las novedades que introdujo en el hard bop. El álbum fue re lanzado en CD en 1996 con tres tomas alternativas y remasterizada en 2007 por Van Gelder. La edición 2007 cuenta con nuevas notas por Bob Blumenthal.
He aquí, el segundo disco de Almendra, banda de la cual ya hemos subido su primer trabajo. Por si alguien no lo sabe y ni lo ha leído en el primer post que hemos hecho sobre esta alucinante banda, Almendra fue una banda creada, en su comienzo, por cuatro adolescentes, los cuales se conocían por ser compañeros del Instituto San Román: Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz),Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería). Almendra vio la luz en 1967, en el barrio porteño de Belgrano, y ya desde sus comienzos comenzaros con una andanada creativa ultra precoz para sus edades, en especial por el mismísimo Spinetta, que a los 18 ya estaba componiendo temas muy profundos y maduros como ‘’Tema de Pototo’’, ‘’El mundo entre las manos’’, ‘’Hoy todo el hielo en la ciudad’’, entre tantos otros. Tal fue su despegue que lograron alcanzar un lugar de elite entre las bandas de su época y entre las mismas bandas fundadoras del denominado rock argentino. Su debut no se dejó esperar más, hasta que en 1969 lanzan su primer álbum, repleto de temas fundacionales y emblemáticos, cuasi adolescentes pero con templanza y firmeza, así como también dulzura e inocencia, incomparables. Pero en este caso nos vamos a centrar en su segundo disco, el que lanzaron para 1970, un disco doble que nació de las cenizas de una ópera rock fallida, incluso el mismo disco comienza con su ‘’Obertura’’, el cual hubiese abierto la potencial opera fallida. Este segundo álbum, llamado igual que el primer disco, ‘’Almendra’’, se presenta no tan fácilmente como los primeros sonidos a los cuales tenían acostumbrados a su público, esta vez denotan tal vez cierta madurez, melodías más desestructuradas que comienzan a marcar el camino a seguir de los músicos, especialmente el de Luis. En este trabajo pareciera que la banda girara el timón en medio del océano, casi a la deriva, sin un destino prefijado, ni melodías fáciles de asimilar. Este disco doble es introspectivo, lejos ya de aquellos primeros años adolescentes. Una propuesta más compleja pero menos rigurosa.
Este disco doble marca el final de la banda, la cual no llega a estrenar la anunciada "Opera", en la cual venían trabajando y donde participarían artistas invitados de otros conjuntos, lamentablemente la obra quedaría inconclusa ante la separación de la banda en el mes de diciembre. Este segundo álbum se construye con temas de esa opera inconclusa y es lanzado en momentos de ruptura de la formación. ‘’Almendra II’’, lanzado 1971, es un álbum de folk rock, es más ecléctico, experimental, disperso y hasta con un tinte muchísimo más rockero e intenso que el primer álbum. El sonido se construye desde el sonido que la banda ya venía trabajando, un folk introspectivo y altamente personal y complejo, sumado esta vez a un rock con toques garageros, que deja un buen sabor. Si bien no es un disco simple de abordar, por otro lado nos muestra otro lado de la banda, más expansivo, que se contrapone perfectamente con lo que venían haciendo y deja de entrever más aun la profundidad creativa, musical y poética de los músicos. Desde el inicio, ‘’Obertura’’, tema instrumental, o ‘’Florecen los nardos’’, anticipan una ardua tarea que pretende explorar nuevos ritmos con un concepto muy rockero en el que prepondera la guitarra eléctrica, a veces algo desalineada. Canciones que trazan con fuerza un eje central no tan visible, ‘’No tengo idea’’, ‘’Aire de amor’’, ‘’Cometa Azul’’, ‘’un pájaro te sostiene’’, ‘’En las cúpulas’’, ‘’Mestizo’’, ‘’Amor de aire’’ y el clásico ‘’Rutas Argentina’’. Por su lado: ‘’Camino difícil’’, ‘’jingle’’, ‘’vete de mí’’, ‘’cuervo negro’’, ‘’verde llano’’ (estas dos últimas lindantes con el jazz) conservan en parte el espíritu del álbum anterior pero con textos no formulados sobre la base de un discurso claro. En ‘’Para ir’’ y ‘’los elefantes’’ Spinetta muestra la punta de un iceberg de lo que será su definida identidad musical, composiciones muy representativas de ese particular estilo propio. Excepto en raras ocasiones se eliminan los arreglos corales que alivianaban el resultado final: ‘’Parvas’’ o ‘’leves instrucciones’’. En el caso de la infinita ‘’Agnus Dei’’, las melodías se suceden entre acordes semiarábigos, guitaras acústicas planas y eléctricas para los solos. El sendero de experimentación reflejado en ‘’Carmen’’ o ‘’Toma el tren hacia el sur’’, alcanzara su forma final con el futuro trabajo solista de Luis, ‘’Spinettalandia y sus amigos’’, "Almendra no se divide, se multiplica", la frase corresponde a Edelmiro Molinari, en una de sus respuestas a la prensa sorprendida por la separación de una banda que en poco menos de un año se había convertido en la más exitosa del país. Tras la separación, los miembros de Almendra emprendieron diversos proyectos: Spinetta intentó armar un trío con Edelmiro Molinari llamado Tórax (Banda) que no dejó grabaciones. Luego viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista (Spinettalandia y sus amigos), para más tarde formar Pescado Rabioso; Edelmiro Molinari formó Color Humano (nombre de una canción de Almendra compuesta por él); y Emilio del Guercio y Rodolfo García fundaron Aquelarre. La reunión de 1979-1981: La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado. ‘’Hubo veces que nos juntábamos a cenar para hablar del tema y al rato lo descartábamos. Decíamos: "no tiene sentido, lo vamos a hacer culposamente y va a salir una cagada", Rodolfo García.
Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar solo dos presentaciones. Pero la convocatoria los llevó a hacer seis recitales en Obras, reuniendo 31.000 personas, una convocatoria inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos. Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de la dictadura frente a la convocatoria juvenil del Almendra y el intentó evitar que esos recitales se realizaran: ‘’(Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida tradicional.’’, Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores, 4 de diciembre de 1979. Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un recital de "despedida" en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7.000 personas, pero el éxito masivo los llevó a mantener la formación. El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en 1982. En marzo de 1980 lanzan el album doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina, que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari. La reunión de 2009: la siguiente reunión se produjo el 4 de diciembre de 2009, en un recital donde Luis Alberto Spinetta reunió a todas sus bandas en un espectáculo que duró más de cinco horas denominado Spinetta y Las Bandas Eternas.
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