Otra interesante perla dentro de lo que es la psicodelia rock cristiana es el material que en su época publicó la agrupación de The Holy Ghost Reception Committee #9. Este quinteto psicodélico cristiano fue una creación de Anthony Myers, un maestro de la Escuela Secundaria Regis de la ciudad de Nueva York, asignado alrededor de 1967 para trabajar con estudiantes para escribir e interpretar canciones de mentalidad contemporánea que pudieran tocarse en Misa. Estudiantes de entre 15 y 16 años fueron alentados y reunidos por Meyer para realizar este proyecto quien reunió a un grupo de músicos provenientes de la escuela: Dennis Blair en bajo, Bob Kearney en guitarra, Mark Puleo en guitarra solista y Larry Johnsen en bajo y órgano. Todas las canciones son originales, pero muchas fueron escritas por estudiantes que no estaban en la banda real. El hecho de que los compositores e intérpretes tengan sólo 15 y 16 años aumenta la maravilla de lo que han logrado.
El proyecto tuvo éxito y Myers consiguió un contrato de grabación con la editorial ecuménica Paulist Press, y en 1968 el grupo pudo publicar su primer LP. Este primer del grupo se llama ‘’Songs for Liturgical Worship’’, y es exactamente de eso de lo que se trata, música religiosa creada para evangelizar y llevar un mensaje religioso. Este fenómeno litúrgico se suma al ya sentido místico de la psicodelia, por lo que es resultado termina siendo una música con un aura mística propia y prístina, a lo cual hay que sumar el regular resultado de grabación devenido de condiciones en las que fue grabado el material originalmente, dando ese toque de bajo sonido garagero, con algunas canciones pegadizas, y un acercamiento sutil a la psicodelia con el agregado de algunos elementos particulares como algunos sonidos de instrumentos como los órganos, algún que otro efecto agregado, o la calidad general del sonido.
La calidad de las canciones es acertada, no necesariamente una joya perdida o una obra maestra, pero es una pieza interesante para tener en la colección de la ‘’Xian Psych’’ con letras que aunque sean en ingles denotan inmediatamente sus intenciones religiosas, hablando sobre la fe, la verdad y la salvación, y que a la vez, sorprendentemente, hacen referencias inesperadas a Vietnam, el racismo, los derechos civiles y otros temas de protesta popular de la década de 1960. Se mencionan el LSD, el napalm y el KKK.
Musicalmente se trata de una música rock suave pero oscura, con trazas de folk rock, pop, y rock garagero sesentero. Algunas de las canciones son rockeras y otras tienen un sonido más introspectivo. Las guitarras eléctricas y el bajo lideran el camino, con un toque de teclados y percusión.
Se dice que supuestamente estos jóvenes probaron alucinógenos y gustaban de la música de los Beatles, lo cual tiene cierto sentido, algunos títulos de canciones y letras son bastante delirantes, y ni hablar de la portada que es un ponche acido que invita al delirio. Si la misión religiosa es captar la atención de la gente, especialmente de los jóvenes, y tratar de que se sumen a su causa, una buena manera de llevarlo a cabo en aquella era época producir una música ‘’contemporánea’’, y la música moderna del momento era el rock y la psicodelia.
Así nacieron todos los experimentos de estos grupos y sus respectivos lanzamientos discográficos, como un intento de evangelizar, tratando de captar la atención de los jóvenes con un sonido seductor para el gusto del momento. Podría criticarse esta acción de obsecuente pero lo cierto es que de todos estos discos generalmente han quedado artefactos interesantes, experimentos oscuros, y búsquedas cancioneras con interesantes creaciones melódicas.
En 1969, tras el lanzamiento del segundo disco, "The Torchbearers", el grupo se disolvió. En general, tenemos dos álbumes creados en las mejores tradiciones psicodélicas de finales de los años 60, con un sonido único y letras profundas, que no pueden dejar de sorprender, considerando la edad de los músicos entre 16 y 18 años. Quizás no se trate de obras maestras pero las circunstancias envueltas en las creación de los mismos y la peculiaridad entre la fusión entre psicodelia y cristianismo hace que estos discos sea curiosidades muy interesantes.
Entre los orígenes prototípicos de la psicodelia aparecen algunos personajes y bandas que hicieron de las suyas en épocas germinales, entre el comienzo del uso de alucinógenos de forma masiva, el contagio entre los jóvenes por la adopción de la actitud contracultural, o el acercamiento a estilos vanguardistas y rupturistas, siendo The Fugs otro de esos conductores entre las generaciones anteriores hacia el trocar rumbo a la psicodelia ya bien formada de 1966 y 1967. Además, The Fugs reflejó algunas actitudes adoptadas en los próximos años por los hijos de la flor, con esa dosis de aquelarre descontracturado, contestatario, político, en una música con poca identidad hacia algo ya existente y que nace de ese espíritu creativo de esa época en la que se crearon varios géneros musicales.
Los miembros fundadores del grupo fueron dos jóvenes intelectuales llamados Ed Sanders y Tuli Kupferberg, dos bohemios estudiosos de literatura, músicos, artistas y emprendedores que se conocieron en Nueva York y se codearon con la crema intelectual hippie de la época y la zona. Ed Sanders había fundado su tienda llamada ‘’Librería Peace Eye’’, en la cual celebraban hapennings con los círculos intelectuales de la ciudad. Muy cerca del local de Sanders vivía Tuli Kupferberg, un héroe beat que apareció en antologías como The Beat Scene y que publicó varias revistas. A los hapennings organizados en la ‘’Librería Peace Eye’’ solían concurrir personajes tales como Andy Warhol, y literatos tan diversos como William Burroughs, George Plimpton y James Michener. Fue en ese ambiente que Sanders y Tuli Kupferberg se hicieron fervientes amigos y fundaron a The Fugs, lugar donde también hicieron la primera presentación en publico de la banda, junto a Steve Weber y Peter Stampfel de Holy Modal Rounders, que eran amigos y acordaron actuar en la gran inauguración de la librería, en 1965.
El primer álbum del grupo, lanzado originalmente bajo el título ‘’The Village Fugs Sing Ballads of Contemporary Protest, Point of Views and General Insatisfaction’’ por ‘’Broadside Records’’, una subsidiaria de ‘’Folkways Records’’, a finales de 1965, se grabó en dos sesiones de grabación diferentes utilizando instrumentación acústica y eléctrica, respectivamente, interpretadas por dos formaciones diferentes de músicos. La primera sesión de grabación de Fugs, en abril de 1965, contó con Sanders, Kupferberg, Weaver, además de Steve Weber y Peter Stampfel. Algunas de las melodías del primer álbum de Fugs provienen de las 23 melodías grabadas en esta sesión. La segunda sesión de grabación de Fugs tuvo lugar en junio de 1965. Su propósito era crear una cinta de demostración para Verve/Folkways, un nuevo sello. En esta segunda sesión estuvieron Sanders, Kupferberg y Weaver, con John Anderson al bajo, Vinny Leary a la guitarra y Steve Weber. El mismo álbum fue lanzado nuevamente en 1966 por ESP Disk, bajo el nuevo título, ‘’The Fugs First Album’’.
Si la música de The Fugs tiene algún rigor técnico, eso de difícil de decir, eran intelectuales muy formados pero su estilo era conocido por la comicidad y la sátira, por lo que la propuesta musical carece de formalidad para pasar a ser un delirio en sí mismo. El canto es informal, los arreglos se entrecruzan y parece ser un caos generalizado, un aquelarre. Muchas veces se los tilda como una de las primeras bandas de rock underground. Seguramente sobre estos fenómenos morales surja el interrogante del interés artístico y las paradojas creativas que surgían de estos, paradojas artísticas de interés para los buscadores de estilos poco idealizados bajo estándares populares.
Algunos tracks que aparecen en el disco tiene alguna formalidad en cuanto a fusión con estilos tipo country, blues, folk, incluso también de hecho hay algunas melodías interesantes dando vueltas en las pistas, que si hubiesen contado con una formalidad mayor podrían haberse vendido y no ser de un bajo de freaks creativos. Aunque a la vez, hay un fenómeno de intransigencia en todo esto, de no querer pertenecer ni a la contracultura, incluso habiendo nacido en el seno de la misma. Hay un fenómeno instalado en la psique del inconsciente colectivo humano y es el de que en su mayoría la manada se autoidentifica con lo más fácil de escuchar que haya dando vueltas en el momento, y de ahí hacia abajo se comienza a reducir la cantidad de oyentes en la medida que la propuesta musical comience a contener mayor dosis de poesía, o fusiones, o experimentos, o sofisticación, o una mezcla de todo eso, u otros elementos que hagan profundizar el concepto de la propuesta.
Aunque es cierto que aquella fue una época muy especial, con acercamientos a los aquelarres, las vanguardias, las experimentaciones, las extensas jams sesions en vivo, aun así, hay un punto de inflexión del que no pudieron escapar, el de la autoidentificación de la manada con las canciones románticas (o de otra índole popular) de los iconos pop, y el del correspondiente alejamiento de las músicas de vanguardia por dichas manadas. Aunque el caso de The Fugs sea muy probablemente un fenómeno adrede, sin buscar necesariamente el éxito comercial sino el quehacer artístico sin las pormenorizaciones e inquietudes de la formalidad popular.
En el otoño de 1965, los Fugs emprendieron su primera gira por todo el país, como parte de una protesta contra la guerra de Vietnam, y actuaron aquí y allá en universidades, y mientras estaban en San Francisco dieron conciertos con el gran bardo Allen Ginsberg, los Mothers of Invention, Country Joe and the Fish y otras bandas. Los Fugs entonces estaban formados por Sanders, Kupferberg, Weber y Weaver.
Estas son algunas palabras de Ed Sanders sobre los orígenes del grupo:‘’Los Fugs regresaron a Nueva York con muy poca posición en el mundo de la música, pero decididos a dejar su huella. Nos sentimos un poco como Rastignac al final de Pere Goriot de Balzac , parados en la cima del cementerio Pere-Lachaise, contemplando París y expresando una determinación de prosperar y sobrevivir. Prometimos vivir de nuestro arte, divertirnos y festejar continuamente y grabar nuestros cerebros.
No iba a ser fácil. Estábamos desafiando al sistema en varios niveles y, sin embargo, estábamos decididos a sobrevivir de alguna manera en el aparato económico del sistema. Sabíamos que habría problemas; de hecho ya hubo problemas. La policía allanó la librería Peace Eye unas horas después de un concierto de medianoche de Nochevieja (1965-66) en el Bridge Theatre. Se apoderaron de ejemplares de mi revista y me arrestaron. La ACLU, para mi eterna gratitud, tomó mi caso, que finalmente gané después de un juicio en el verano de 1967. Comenzamos a actuar en el Café Au Go Go en Bleecker Street en Greenwich Village, donde compartimos cartel con Danny Kalb, Al Kooper and the Blues Project, con la Jim Kweskin Jug Band y con un joven llamado Richie Havens, que estaba sentado inclinado cerca de su guitarra cantando melodías de Bob Dylan, a veces mejor que Bob Dylan.''
Ellos (The Fugs) burlaban de ellos mismo, satirizaban sobre ellos mismos, y celebraban ya desde sus años los credos de los hippies: el sexo libre, las políticas de izquierda, la poesía, la posición en contra de guerra, etc., envueltos en un paquete musical que puede chocar hasta a los despabilados, por su extravagancia propia y porque el uso musical como oyente de estas propuestas tal vez sea raro de abordar y peor aún para los oyentes de hoy en día, salvo por la juventud de la época que se acercaba ellos con el entendimiento del concepto como fenómeno local, juvenil, y supuestamente innovador, o por lo menos, llamativo.
Esta música se encuentra entre los orígenes del rock, no del rock and roll surgido hacia la década de los 50s, sino del rock sesentero que era una manifestación del encuentro con el blues, elaboraciones más experimentales, fusiones con variedad de estilos y subgéneros locales, y presentaciones de trabajos de conceptos sofisticados. Desde el origen de la década de los 60s hasta promediar la mitad de dicha década, especialmente hasta 1965, el rock surgido hasta entonces y especialmente en relación con lo ‘’contracultural’’ y ‘’freak’’, fue de origen prototípico, germinal, siempre ligándose fuertemente hacia expresiones bizarras como manera de buscar la ruptura de algunas de las formalidades del rock hasta entonces, además de buscar la ruptura del estatus quo moral, político, militar, social, etc. Sin aun la aparición de los iconos del rock sesentero y su influencia psicodélica, lo propuesto por esa generación en esos primeros años roza lo bizarro casi como forma de vida, como una manera de ser no contenida por el embace que luego le ofreció el formato rock cancionero. El rock psicodélico le dotó de una identidad más definida a la música de la contracultura, pero antes de ello, los primeros atrevidos en delirar, lo hicieron en estados expresivos no contenidos, o sea, que carecían de la forma posterior de la psicodelia pero que por ende parecían a la vez manifestarse desde una fuente mucho más pura y directa de la psicodelia.
Hay varias agrupaciones que rondaron ese estilo de dudosa trascendencia artística pero que eran colectivos vivientes que encarnaban de manera viva todos los yeites de su generación y que eran personajes queribles, aunque solo por los integrantes de su generación. Entre ellos, gente como The Godz, Dr. West's Medicine Show and Junk Band, o incluso The Holy Modal Rounders quienes tuvieron relación artística con The Fugs. Un par de años más tarde también David Peel & The Lower East Side hizo lo suyo con música que era casi como un manifiesto viviente de una generación.
Una de las razones de ser del hippismo es la tendencia hacia la espiritualidad y la introspección, tendencia estimulada por el uso de alucinógenos y originada en la puesta en boga de filosofías espirituales orientales en occidente. Este fenómeno fue tomado e impulsado por los jóvenes de la época que adoptaron una posición de pacifismo, introspección, inquietud por la amplitud de la percepción, y búsqueda de Dios o lo sagrado.
Esta tendencia se vio reflejada en la irrupción de algunos personajes de la India en los Estados Unidos, como la aparición de Pandit Pran Nath en Nueva York, la lectura de apertura del Festival de Wodstock por el gurú Sri Swami Satchidananda, o en todo caso también el partir de personas, entre ellos algunos iconos de la cultura como George Harrison, hacia la India en búsqueda de instrucciones espirituales por más maestros gurúes.
El hipismo se apoyó también en las lecturas de algunos autores que aportaron las bases para el pensamiento espiritual del movimiento. Desde poetas de la generación Beat como Allen Ginsberg, Jack Keruac y William Burroughs, el escritor y psicólogo Timothy Leary precursor en el uso de alucinógenos, otro escritor y precursor como Ken Kesey, etc. Y entre las figuras que llamaban la atención a los jóvenes de la época apareció el nombre de Alan Watts.
Alan Wilson Watts (1915-1973) fue un filósofo, escritor, orador, poeta y estudiante británico de religiones. Su mayor insignia fue la de ser intérprete y divulgador de las filosofías asiáticas para el público occidental. Watts fue un orador con fama internacional, pero lejos de eso también tuvo intentos de hacer música, que en realidad no era más que seguir promulgando la cultura oriental, en trabajos de estilo ‘’spoken word’’ con recitaciones filosóficas y relajante música hindú de fondo tipo tampuras o percusiones.
La mayor parte de sus trabajos consistieron en eso y aunque en ‘’This Is It’’ de 1962 también haría lo mismo, sería en este trabajo en el que presentaría algunos aspectos que se reunirían como precursores importantes en la cadena evolutiva prototípica que se conduciría hacia el arte hippie y/o psicodelia alguno año posteriores.
Aquí Watts se reúne con algunos amigos para este trabajo autoproducido en el que se encargan de propiciar el delirio aún más, aquí hay resabios de lo que habían sido y serían los lanzamientos espirituales de Watts, con alguna recitaciones e instrumentaciones, aunque más allá de eso consiste especialmente en el delirio en si mismo y nada mas como medio de expresión. Como todo intelectual bohemio que no hacía música, Watts se dedicó a la libre ejecución y la libre interpretación de la aleatoriedad sonora en sí misma, por lo que aquí no hay canciones ni melodías, solo caos, gritos, instrumentaciones aleatoria, elementos orientales sintetizados en el delirio, y tal vez algo de vanguardia intelectual.
Sin duda ‘’lo oriental’’ de su estilo e influencia están volcados en este emprendimiento, por lo que todo el desempeño y presentación de los tracks tienen un aire de ritual místico, con nombres extraños y ascendencias hacia el entendimiento de alguna cuestión filosófica particular, tipo poesía o predica filosófica hablada.
Este disco tiene un vínculo evolutivo, en cuanto a lo prototípico respecta, con discos psicodélicos tempranos como ‘’Eden's Island’’ de Eden Ahbez de 1960, ''Rebirth'' de 1961 por Gerald Heard, o ‘’The Seal Of The Blue Lotus’’ de 1965 por Robbie Basho, todo de corte temprano, prototípico, filoofico peudo new age, probablemente creados bajo efectos de alucinógenos, y que se cuentan entre la historia temprana del género.
Por otro lado ‘’This Is It’’ tiene un parecido con discos creados por intelectuales o artistas que no eran necesariamente músicos pero que de pronto se toparon con el delirio creacionista de la época y decidieron aportar su cuota de delirio al caos caomun, entre otro discos como ‘’Hapshash And The Coloured Coat’’ de 1967 por los artistas dieñadores Nigel Waymouth y Michael English, o ''Dedicato a...'' de 1967 liderado por el pintor Mario Schifano.
‘’This Is It’’ presenta algunos delirios tempranos bastante adelantados para lo que implicó la experimentación de por aquellos años y especialmente la experimentación delirante de estilo hippie, y es que lo que presenta en este disco, más allá de que guste o no, coincide en mucho en lo que serían los aquelarres sesenteros más delirantes. Alan Watts tenia, por lo menos, opiniones que no coincidían del todo con lo que era el hipismo y su cultura, habiéndose manifestado algunas veces siendo crítico con el movimiento, aunque irónicamente, con este trabajo, hizo aportes tempranos al género.
Las siguientes son las palabras que venían en la contraportada del álbum original en forma de explicación del mismo:
''ESTE disco no pretende ser arte, música o incluso terapia. Simplemente estamos escuchando a un grupo de amigos, que en ese momento no tenían pensado actuar para un público. Simplemente lo estaban disfrutando, pero no tanto en la medida en que les parecía una lástima no darles a los demás la oportunidad de disfrutar del júbilo que ellos experimentaron. Si se plantea alguna explicación, podríamos citar el último libro de Alan Watts, "The Joyous Cosmology" (Pantheon):
“Nadie está más peligrosamente loco que alguien que está cuerdo todo el tiempo; es como un acero sin flexibilidad, y el orden de su vida es rígido y quebradizo. Las modas y costumbres de la civilización occidental nos imponen esta perpetua cordura hasta un grado extremo, porque no hay ningún rincón aceptado en nuestras vidas para el arte del puro disparate. Nuestro juego nunca es un juego real porque casi invariablemente está racionalizado: lo hacemos con el pretexto de que es bueno para nosotros y nos permite volver a trabajar renovados. No existe ninguna situación protegida en la que realmente podamos dejarnos llevar. Día tras día, debemos funcionar obedientemente como relojes, y los pensamientos "extraños" nos asustan tanto que debemos correr al médico más cercano.
"Para que nuestra cordura sea fuerte y flexible, debe haber períodos para la expresión de movimientos completamente espontáneos, para bailar, cantar, aullar, balbucear, saltar, gemir, en resumen, para seguir cualquier noción a la que el organismo en su conjunto parece estar inclinado. Esta es la razón por la que la asociación libre es una técnica tan valiosa en la terapia de pago; su limitación es que es puramente verbal. La función de los intervalos para las tonterías no es simplemente una salida para las emociones reprimidas o la energía psíquica no utilizada, sino poner en movimiento un modo de acción espontánea que, aunque al principio parezca una tontería, eventualmente puede expresarse en formas inteligibles".
Extraoficialmente, pero en este registro, Alas Watts admite que incluso estos comentarios son todavía demasiado cuidadosos en cuanto a la racionalización, y que nunca puede suceder mientras se convierta en una rutina o se justifique directamente en el mismo ámbito de la salud mental. , integración social, liberación de tensiones, o lo que sea. Sólo se puede hacer para la propia seguridad de uno mismo; cualquier cosa útil para la curación que surja como resultado es siempre un subproducto, no buscado ni intencionado.
Hace más de trescientos años, el gran vidente y místico alemán Jacob Bohme lamentó que "ya ningún pueblo entiende el lenguaje sensual, los pájaros en el aire y las bestias en el bosque sí lo entienden según su especie. Por lo tanto, él debe recuperarse". en el segundo nacimiento. Porque en el lenguaje sensual todos los espíritus hablan entre sí; necesitan otro lenguaje, porque es el lenguaje de la naturaleza.'' ''
Hay algunos aspectos que generalmente unifican a los discos de vanguardia o ‘’outsiders’’ en ciertas características comunes: las vanguardias tienen sus propias reglas, reglas inexistentes, o por lo menos planes artísticos tomados de conceptos filosóficos y tratados de vanguardia. Las vanguardias generalmente se publican en discos privados, tiradas limitadas y de forma independiente o bajo sellos muy especializados. Los discos en su tirada original se vuelven santos griales totalmente inconseguibles o con ejemplares raros a muy alto costo. Es música que desafía el convencionalismo y plantea nuevas formas. Muchas veces estos artistas logran generar el culto de un público reducido que ha podido apreciar su arte y/o encontrar en este una belleza alterna pero no por eso menor. Etc.
Jerry Solomon es uno de esos personajes del vanguardismo y la música fuera de corriente. Nació en San Diego, California y vivió en Boyle Heights entre los 1 y los 4 años. Más tarde se mudó a West LA donde fuea la escuela primaria y asistió a Hamilton High. Después de la secundaria, tuvo un trabajo como repartidor de abrigos de piel. Luego se metió en el mundo del espectáculo, cantando, bailando y haciendo rutinas de comedia. Él recuerda: ‘’Cuando tenía 30 años, me dieron maliciosamente una droga peligrosa como una "broma" y sufrí disfunción cerebral y cardíaca. Durante un período de recuperación de diez años, en los últimos años, he recuperado hasta cierto punto mi función anterior y estoy escribiendo un libro sobre mi experiencia.’’
En su disco solista ‘’Past The 20th Century’’ de 1971 hay una decadencia interesante, la música de Jerry Solomon parece música hecha con pocas posibilidades y recursos que había a mano para la ocasión, y el resultado no es muy lejano a eso, una búsqueda musical plasmada en canciones acústicas, con Jerry Solomon como compositor cantante y guitarra, una segunda voz que desconozco de quien será, además de aparecer el sonido de rasgueos de un piano de juguete que se escucha de fondo acompañando al interprete, entre otras percusiones rusticas.
Lejos habían quedado los ritmos tambaleantes de rock & roll de las contribuciones anteriores de Jerry, ahora se trata más de producciones auto gestionadas, tanto desde lo compositivo hasta desde lo orgánico y bizarro de la producción personal de esa música con formas bizarras. La música es irregular, con una producción bizarra ya que tanto el canto, la ejecución, los arreglos, acompañamientos e incluso las composiciones, son muy particulares, una búsqueda desde un lugar alterno para llegar a no se sabe dónde, un ‘’wierdo’’ musical que bien sabe de lo suyo y se amplía en su propio espectro bizarro.
El trabajo comienza con un par de canciones, y a medida que la lista de temas avanza las piezas comienzan a tomar un tenor cada vez más bizarro, apareciendo algunos acompañamientos con juguetes como pequeños pianos de juguete o maracas, las letras impenetrables, además de aparecer cada vez más su voz autosobregrabada y cargada de eco, lo que hace de este wierdo un evento más delirante aun y con eso la belleza de lo peculiar de la presentación se realza aún más.
Al parecer Jerry Solomon financió, escribió, grabó y auto distribuyó su música singularmente fascinante sin más razón que simplemente publicarla. El disco originalmente fue publicado en 1972 bajo el sello propio de Jerry ‘’Fountain Records’’, creado por él mismo para auto gestionar su propia música. En 2018 el disco conoció una primera reedición, por el sello ‘’Modern Harmonic’’, que contiene además material de archivo del propio Jerry. Este disco es un grial interesante entre la música bizarra y under, y por su extraño atractivo y simpleza no deja de generar simpatía, Jerry pareció ser un personaje desinteresado de alguna escena local y sin mayores pretensiones que hacer lo que él bien sabía hacer, una belleza.
Como todas las vanguardias experimentales, esta tampoco sería la excepción de ser una creación que proviene de un background retorcido, es más, esto fue creado por un grupo de amigos y colaboradores de diversos orígenes, incluidos músicos, artistas visuales y científicos. Emprendidos hacia la tarea de la experimentación y la libre ejecución, este grupo diverso pretendieron que el álbum fuera una exploración de los efectos de la saturación tecnológica en la sociedad, particularmente en los niños.
El grupo debuta discográficamente con un trabajo homónimo que sería ejecutado por una bandada de trece delirantes, entre lo que había trompeta, trombón, saxo alto, guitarra, piano, bajo, voz, percusión, etc., grupo fundado y liderado por compañeros científicos e ingenieros de radio comunitarios Mark Derbyshire y William Sharp, aunque también había en el grupo artistas, músicos y bohemios universitarios.
El álbum fue grabado en marzo de 1979 en Fort Collins, Colorado, EE.UU., y publicado el mismo año bajo el sello ‘’Dys Records’’. El registro contiene un inserto de 8 páginas con varias impresiones artísticas realizadas por el proyecto. LP en tapa gruesa pegada a mano. Limitado a alrededor de 100 copias. Mark Derbyshire es el manipulador de cintas que reúne cientos de fragmentos libres; Bill Sharp es el ideólogo y el portavoz.
En esencia esto es un delirio hermoso creado por la música de libre ejecución y los vanguardismos causantes ramificados en varias direcciones dentro de lo que fue la experimentación para aquella década: musique concrète, free jazz, libre improvisación y noise, además de industrial, dark ambient, y elementos de música de cine ya que había expertos visuales metidos en el tema, lo que puede explicar esa capacidad extra sonora que tiene el disco y que hace que no solo sea una experiencia musical.
En suerte para el oyente y más aún para los amantes de la experimentación, este trabajo está dividido en cuatro piezas de alrededor de doce minutos cada una, una suerte de sinfónica caótica dividida en cuatro partes en la que el caos cacofónico, las lecturas existencialistas y la alteración de cintas de grabación son los elementos de se confabulan para que funciones y finalmente se edite este sonido.
La música rara vez se vuelve hacia cierta superficie ‘’entendible’’ para el oído convencional, esto es más bien un caos colectivo cuasi interdisciplinario en el que varias ramas de la locura se unen para potenciar la misma locura, con algunas reminiscencias de lo que fueron las vanguardias hippies de hacía una década anterior a la que fue grabado esto, incluso con mucha similitudes como las lecturas de textos y los ruidos y alteraciones de cintas, aunque ya con nuevas miras para la época como lo industrial, y la cierta sofisticación en ejecución, aunque es caótica, demuestra estar en vanguardias bien instruidas académicamente.
Dicho esto, dos cosas vale aclarar, no hace falta estar instruido académicamente en musica para crear o ejecutar este tipo de caos (aunque cualquier instrucción pueda nutrir y dar posibilidades), además de que, se trata de una propuesta en realidad también bastante oscura, lo que sería otra diferencia con la vanguardia hippie de finales de los 60.
Los cuatro movimientos del disco se desarrollan de forma independiente, caóticamente libre y con la aleatoriedad del caso, con monólogos, improvisaciones de jazz (o free jazz), ruido, distorsiones de fondo, ruidos de juguetes, fanfarrias electrónicas, guitarras electicas, golpes, objetos rotos, tictacs de reloj, chapas golpeadas, percusiones libres, cacofónicas, además de las alteraciones del caso y la unión de un sinfín de piezas pequeñas en una sola cosa bastarda, lo que hace más inentendible y caótico el asunto. Aunque lo esencial aquí no es sentarse a entender nada sino dejarse llevar por el delirio colectivo y la música que, creada por el caos en conjunto, llega a recrearse en una sola cosa que no parece tener naturaleza terrena.
Esta música, aunque caótica, causa un efecto interesante, tiene cierta dosis acogedora que hace de la escucha un reposo en un lugar que no está saturado necesariamente como un sonido netamente noise, o cacofónico como lo sería un free jazz más clásico, y aunque sí hay caos, este caos reconforta y da la sensación de estar siendo acompañado.
Es un ritual paranoico que e desarrolla bajo una moción emocional muy concreta, una desfiguración convulsiva que conduce al colpso psíquico por mediante el enrarecimiento progresivo de la materia y el espíritu. Es música ‘’absurda’’ que no responde a casi nada en el área, y aunque este tipo de vanguardias ya habían existido para entonces y más en los Estados Unidos, siempre el en esta área, por tratarse de algo creado bajo la premisa de la libertad total, tiene mucho que ofrecer y hasta parece ser una fuente inagotable de delirio y goce.
Las músicas creadas desde una concepción escénica o teatral, y no desde una visión más popular que podría tener un músico desde su fuero íntimo, siempre son músicas muy particulares, concebidas de maneras extrañas y plasmadas de maneras más particulares aun, ya que fueron representadas para figurar en un campo de dramaturgia musical que fomente una experiencia cuasi holística que integre escena, música, arte visual, expresión corporal, danza, y/o cualquiera de las concernencias que puedan sumarle los creadores de dicha propuesta.
Hay varios ejemplos de este fenómeno particular de música para compañías teatrales, como la música de la compañía japonesa de arte Geinoh Yamashirogumi y sus visiones integrales que convergen hasta en la filosofía, o la música oscura del teatro vivo del grupo teatral francés Théâtre Du Chêne Noir y sus espasmos expresivos, o por ejemplo la obra conceptual para teatro ‘’Open Music’’ y sus formas proto sinfónicas, creada por el flautista inglés Bob Downes, etc.
Hay en todos estos discos una noción que sale de lo convencional y parece unificar a estas propuestas en características que los identifican. Desde la espacialidad y tipo de extensión de las composiciones que ubica a las propuestas en rigores de extensión que muchas veces se plasman en piezas extensas para musicalizar momentos escénicos, aunque esta duración puede variar según la propuesta. Además del encuentro general con las vanguardias que hace de estas músicas no solo una creación musical sino una búsqueda de encontrar nuevas expresiones artísticas desde la innovación expresiva y compositiva, la ejecución de nuevos materiales e instrumentos, el alejamiento de la forma de canción, etc. También la búsqueda de innovación y el acercamiento con nuevas tecnologías forma parte de este fenómeno, muchas veces con acercamiento a la electrónica y la fusión de estilos.
Alwin Nikolais es el auténtico creador del teatro de la danza. Es a la vez un compositor, un pintor, un escultor, un poeta, un filósofo y, por último, un coreógrafo que anima y dirige una compañía de bailarines iniciados en sus propias teorías. ‘’Choreosonic Music Of The New Dance Theatre Of Alwin Nikolais’’ de 1959, publicado por el sello Hanover, fue la primera tirada de la obra, una suerte de compilatorio de unificaba varias de las producciones musicales.
Este disco se encuentra entre las principales producciones electrónicas de la década de los 50, porque obviamente le factor electrónico estaba dando vueltas aquí, desde los distintos efectos, y manipulaciones de cintas, grabaciones y otras técnicas. Es música además improvisada y grabada en vivo por una compañía que no solo sabía de danza, sino que también fue entrenada para la ejecución musical aleatoria. Para la ejecución de estos sonidos fueron elegidos varios objetos de todo tipo para ser usados en forma de instrumento, ejecutados desde la percusión en su mayoría por miembros de The Henry Street Playhouse Dance Company.
La aleatoriedad de lo sonido presentados corresponde a una combinación de varias obras y no a la plasmación de una única pieza. De todas formas, es una manera directa de experimentar la música de este creador de incluyó en su producción musical una visión interdisciplinaria junto a otras nociones de teatro y danza. La ejecución parece ser aleatoria y sin un patrón fijo de representación, aunque a su vez sirvieron para musicalizar diferentes momentos escénicos que funcionaban dentro de la vanguardia y por ende esa visión que se puede apreciar en esta música también se puede llevar al entendimiento de lo que fueran sus producciones escénicas, teatrales y de danza.
Las siguientes palabras venían originalmente en la contraportada de la edición en vinilo del disco de época y sirven para crear una imagen más integral de lo que fue el arte de este creador multidisciplinario:
'' ‘’Choreosonics’’ fue el nombre de la música para la coreografía de Alwin Nikolais, una exposición teatral única que se describió a finales de los años 50 como "el nuevo teatro de forma, movimiento, luz y sonido".
En 1953, Nikolais atrajo a personas interesadas en el arte nuevo a sus conciertos de danza en el Henry Street Playhouse en la ciudad de Nueva York. En estos conciertos, los bailarines se convirtieron en coloridas fuentes motivadoras de formas escultóricas; moviéndose en atmósferas cambiantes de luz y sonido, su relación cuidadosamente integrada en un nuevo tipo de arte teatral abstracto audiovisual. Los sonidos creados para esto no fueron concebidos desde el punto de vista de la música tradicional, sino que fueron diseñados para compartir y apoyar la dinámica visual total.
Tal creación fue posible gracias a la experiencia de Nikolais como músico y coreógrafo. A los dieciséis años tocaba el piano y el órgano para las películas mudas que estaban desapareciendo, improvisando y coordinando música de cuatro a seis horas diarias con el contenido dramático de la película. Con esta profesión obsoleta, convirtió su habilidad en acompañamiento para la danza. A través de esto, sus intereses lo llevaron a estudiar el acompañamiento de percusión y la exploración de nuevos sonidos. Estas ideas fueron estimuladas por el tipo de acompañamiento de baile introducido por la famosa bailarina alemana Mary Wigman. Esto a su vez, indujo a Nikolais a estudiar danza y, en última instancia, a cambiar su carrera de músico a bailarín y coreógrafo. Nikolais pronto fue anunciado como una de las principales figuras de la danza de concierto moderna. Se le atribuye haber aportado ideas revolucionarias que abrieron nuevas perspectivas para la danza y el teatro.
Las actividades de Nikolais se centraron en Henry Street Playhouse en Nueva York. Su trabajo fue creado allí con su asistente Murray Louis; el ingeniero de sonido David S. Berlín; el artista George Constant y miembros de su Playhouse Dance Company. Todos los cuales participaron en las producciones finales. Performances con nombres como Prism, Cantos y Totem fueron recibidas con una crítica positiva por sus logros multidisciplinarios. Mientras que su colaboración con Harry Partch en The Bewitched estableció su nombre junto con otro verdadero inconformista del diseño de sonido estadounidense y la composición con visión de futuro.
Algunos de los bailarines de Nikolais también fueron entrenados como percusionistas que improvisaron con una curiosa variedad de instrumentos y objetos que producían sonido mientras otros bailarines trabajaban en la coreografía. David Berlín, quien ensambló y construyó el equipo de grabación de sonido, operaría desde la cabina de sonido desde una ventana con vista al escenario.
Nikolais dirigiría los experimentos y la improvisación. Dentro de cualquier actuación habría numerosas pruebas del sonido original y su posible condicionamiento electrónico, incluidas muchas reproducciones de frases cortas probadas con el movimiento de los bailarines. Cuando la frase sonora resultó satisfactoria, se inició el siguiente corte. Los sonidos se cortaron, ampliaron, reemplazaron y luego toda la pieza se unió y se le dio una edición final muy parecida a un proceso de filmación. Nikolais generalmente trató de evitar cualquier identificación de las fuentes de sonido, invitando así al oído a percibir el sonido en sí mismo divorciado de su derivación inicial. Esto, sin embargo, no era de ninguna manera un criterio final, el último es el valor del sonido para la idea teatral en cuestión, cualquiera que sea su fuente o forma de condicionamiento.
Los objetos utilizados para producir estos sonidos no tenían límite, excepto por el tamaño práctico del material. Dentro de la colección se utilizaron numerosos instrumentos de percusión: tambores de todo tipo, sonajeros, campanas, gongs, címbalos, tacos de madera, etc. También se utilizaron silbatos, tubos, caños, piezas de madera, recipientes de aluminio, acero y hojalata junto a vasos, elásticos bandas, bobinas de alambre, etc. La parte posterior de un piano vertical, además de un piano de cola, también estaban a menudo a mano. La voz humana se usaría libremente, aplaudiendo, pisando fuerte y cualquier dispositivo de producción de sonido que pudiera tener un propósito.
Estos sonidos seleccionados luego se alimentan a través de varios micrófonos a las máquinas de grabación de cinta. Por necesidad económica, el equipo de grabación es relativamente simple. Los instrumentos utilizados son 2 micrófonos RCA, 77B, 44, magnetófono Berlant BRX pista completa, magnetófono Concertone 20/20 media pista, modificado para que su velocidad sea variable. Por tanto, los dispositivos de acondicionamiento electrónico de los sonidos son necesariamente limitados. Los sonidos se aceleran o se ralentizan, se interrumpen, se “pulsan”, se reverberan, se invierten o se superponen. A veces se superponen bucles de cinta y sonidos de archivos de sonido. Estos, más la edición de los propios sonidos mediante corte de cinta, suman los medios de acondicionamiento sonoro utilizados.
El trabajo de Nikolai no se caracteriza tanto por proezas de ingeniería de sonido como por la libre selección de sonido para una función. Los medios y las técnicas están al servicio de un fin del arte expresivo.
Su teatro revela figuras de baile al estilo de Picasso y formas abstractas que recuerdan un poco a Moore, Brancusi y Miro, en un ritual de movimiento que traduce la dinámica primaria de la naturaleza en un lenguaje representativo de sonido, forma, movimiento, color, espacio, tiempo y luz.
Es un teatro de la esencia: de la metáfora y los comienzos, satírico, aterrador. humorístico. heroico, delicado y misterioso. Un nuevo teatro abstracto de percepción audiovisual con el cuerpo humano del bailarín como antena e instrumento de los cantos y movimientos de la naturaleza.
Las selecciones de este disco son extractos de las siguientes obras de teatro: Máscaras, accesorios y móviles (1955) - (Parafrenalia), Prisma—(1956) ~ (Lítico, Friso ilusorio, Glymistry), Espejos (1958) —(Shivarce, Bosque Prismático), Alegoría (1959) - (Erupciones y evoluciones, Lira, Fijación, Fetiche), Steve Allen TV ~ (1959) - (Eolo) i
Estas obras seleccionadas han sido recortadas considerablemente en longitud. algunos a casi el % de su tiempo original. Este corte fue necesario porque originalmente los elementos visuales compartían una gran parte de la dinámica compositiva total. Las reiteraciones y variaciones que normalmente se dan a la música a menudo se transfirieron a los elementos visuales. Los sonidos continuaron en movimiento y, a menudo, se convirtieron en un catalizador para la acción en lugar de más sonido.
En la primavera de 1959, el trabajo de Nikolais se presentó en un gran televisor. Sus imágenes se filmaron y también se muestran en programas educativos relacionados con la historia de la danza y Layman's Guide to Modern Art. La música de Nikolais se ha escuchado en WNYC y fue presentada por el destacado comentarista musical Oliver Daniels. Es a través de Mr. surgió y es la primera documentación del sonido utilizado por Nikolas.''
‘’Osorezan / Dou no Kenbai’’ es el primer álbum de Geinoh Yamashirogumi, que más que una banda de rock, o una banda en sí, fue toda una compañía artística con coro y músicos de rock, entre otro músicos. Sus desempeños no era solo musicales sino también escénicos, realizando performances escénicas en vivo con una gran compañía de personas, mientras ejecutaban su música en vivo también. Este primer lanzamiento y representa un pináculo artístico creativo que marcó precedentes en Japón y fue muy aclamado en el país al momento de su lanzamiento en 1976. El estilo de este disco es difícil de definir en algún género y difícil de imaginar de antemano, sumándose a la ínfima lista de grandes obras que son imposibles de encasillar en algún lugar particular.
Geinoh Yamashirogumi grabó este disco con coro y músicos del grupo, aunque para las partes de rock recibió el apoyo de miembros de la banda Inoue Takayuki Band, que aportaron las partes de rock experimental. El trabajo está dividido en dos partes que ocupaban originalmente cada lado del vinilo original de época, alcanzando una duración de veinte minutos aproximadamente cada pieza, siendo a su vez un trabajo conceptual cuyos lados representan imágenes diferentes, siempre dentro del mismo lema artístico y motivo creativo.
El primer lado del disco es el denominado como ‘’Osorezan’’. Osorezan está ubicado en la ciudad de Mutsu, de la península de Shimokita en Aomori. Osorezan se traduce como ‘’Mountain of Fear’’ y es conocido como el monte del terror y las almas perdidas. Es uno de los tres montes más sagrados de Japón y está considerado como la puerta al mundo de los muertos. Allí los médiums evocan el espíritu del otro mundo y hablan con el cliente por la voz de la familia, amigos y familiares fallecidos. Esta pieza del disco representa este lugar a través de la música.
El lado uno comienza con un grito escalofriante, que avisa, y no traiciona, declarando simbólicamente el horror del lugar representado y el terror de lo que va a representar la pieza, llena de tensión, quejidos de voces en pena, caos, oscuridad, vanguardismo escénico, y una complejidad musical pocas veces vista pero plasmada desde una concepción particular, más bien escénica y grupal, casi teatral, con un rol fundamental de la compañía coral, de hecho las voces son el elemento principal de esta pieza, aunque hacia la mitad de la misma aparece la música más ‘’reconocible’’ y la banda de rock toma su lugar, aportando una incursión rock con sintetizadores de fondo y buenos solos, muy agradable de escuchar. Pasando por muchos estamos, el primer lado del vinilo es una aventura sin precedentes, igualable solo a creaciones colectivas también de compañías corales u orquestas de vanguardia.
Ya para el lado segundo del disco, el llamado ‘’Dou no Kenbai’’, traducido como ‘’Danza de la espada de cobre’’, tenemos una intervención vocal coral pura y duradera a lo largo de la pieza, de hecho la misma está compuesta en su totalidad por cantos corales. Comenzando algunos minutos voces masculinas con un estilo similar a algún canto religioso milenario oriental, para luego pasar a una parte de cantos y diálogos con voces femeninas y voces masculinas funcionando como un fondo armónico. La pista prosigue con algunas partes internas más, entre cantos, juego en intensidades y cambios de roles.
Esta segunda parte ya no cuenta con el rock y aparece de hecho muy poca instrumentación, por lo que el desafío se vuelve mucho más grande en la escucha de una intervención coral vanguardista experimental y sin aire de canción alguno, con una concepción artística creada en base a una progresión de sucesos corales en base también a noción muy particulares que poco tienen que ver con la canción o el rock progresivo, mucho menos con el rock, por lo menos para este segundo lado del disco.
El disco se grabó igual que su interpretación habitual en el escenario, con los artistas moviéndose aquí y allá, por lo que el sonido y la voz varían de acuerdo al movimiento de los artistas que no permanecen en una posición estable. Este efecto tiene el propósito de dar una sensación de asistencia y está inspirado en el canto tradicional indonesio kecak.
‘’Osorezan/Dou no Kenbai’’ es un artefacto de creación de punta del vanguardismo japonés, con la típica alusión a elementos tradicionales e históricos japoneses, típico de muchos discos de vanguardia de dicho país, y con concepciones que sacan al oyente de su lugar habitual incluso para mucho de lo que consideramos como ‘’experimental’’, siendo una creación que invita a buscar apropiarse de nuevas formas de arte con implicancias no solo artísticas, sino también morales, filosóficas y hasta científicas, nacionalistas y tradicionalistas.
El estilo de esta música recuerda a otros creadores vanguardistas japoneses de la época, como la orquesta New Herd de Toshiyuko Miyama, la compañía J. A. Seazer, o a creaciones orquestales o con tintes de vanguardia tradicionalista de otros genios japoneses como Minoru Muraoka, Yamash'ta o Masahiko Satoh.
Estas son algunas palabras que aparecen en la página oficial de la agrupación y que demuestran la profundidad de su quehacer artístico:
‘’Geino Yamashirogumi es más que un grupo de artes escénicas, es un grupo experimental que busca y verifica el estilo de vida original de los seres humanos prometido por el ADN genético, buscando una base para la "acción crítica de la civilización".
Su historia comenzó en 1968 con la aparición del coro de mujeres búlgaras por su predecesor, el Hato no Kai Chorus. Después de eso, el grupo logró interpretar el coro masculino de Georgia y el Kecak en Bali, realizando la primera ‘’multimusicalidad’’ del mundo. El grupo ha presentado actuaciones de 80 estilos diferentes a lo largo de todo el mundo, y sus actividades creativas que combinan tradición y modernidad basadas en estas actuaciones no tienen paralelo en el mundo.
Sin embargo, estas actividades son solo un aspecto de la crítica civilizatoria activa de la Europa occidental moderna. Aprender de la sabiduría de la comunidad tradicional, la constante y sincera "creación grupal" y la "creación humana" que elimina la especialización y la monofuncionalización es el verdadero valor de la comunidad de desempeño múltiple ‘’Geino Yamashiro-gumi’’.
Una característica importante de la crítica de la civilización de Geino Yamashiro-gumi es que toman con avidez la ciencia y la tecnología, el arma más grande de la civilización occidental, a la que apuntan, y la usan para atacar a la propia Europa occidental moderna como una medicina de fabricación propia. Entre los diversos miembros de educadores, periodistas, ingenieros y estudiantes, más de 10 tienen doctorados en campos como ciencias de la vida, ciencias del cerebro, ciencias matemáticas, psicología e ingeniería de la información. El jefe de esta poderosa investigación científica de la civilización es el científico Tsutomu Ohashi, también conocido como Shoji Yamashiro, el jefe del grupo.
Una serie de actividades creativas que se adelantan a los tiempos puede decirse que es una de las manifestaciones concretas de tan inigualable vitalidad, y son nada menos que un impactante mensaje de crítica a la civilización dirigido a la Europa occidental moderna por parte de Geino Yamashiro-gumi.’’
Los Boredoms, siempre dentro de su línea de incorrección musical, no se pueden evitar el desastre y el caos como forma de expresión, presentando escenas musicales grotescas que horrorizarían a cualquier buen peregrino, estilo que comenzó tan fuerte al principio de su carrera y que caracterizó fielmente sus primeras producciones, característica que con el paso de los años y a través de sus tantas publicaciones se fue puliendo y sublimándose en formas más sutiles. Esta es su primera publicación y es la incorreción artística en carne viva, con un vanguardismo que funciona entre el ruido, la experimentación y el post punk, para crear con ello, a través del mismo delirio, un sonido descocido de su lógica, traído desde portales de insolencia, de una bruta expresión sin medida que buscaba siempre chocar y desconcertar.
A lo largo de más de 20 años, el fundador y líder de la banda Yamatsuka Eye, junto con su colaborador frecuente Yoshimi, ha llevado a la banda a un viaje por una carretera cósmica, desde los primeros pantanos del caos hasta tiempos de frenesí tribal, tranquilidad oceánica y construcciones sónicas masivas. Quizás lo más notable es el compromiso incesante con la visión y búsqueda artística por encima de todo, y los efectos de ese compromiso han quedado plasmados en su discografía. No se puede exagerar la influencia de Boredoms en la música underground, experimental, de ruido y basada en la interpretación.
El espectáculo en vivo frenético y maníaco cimentó su reputación. El increíble poder rítmico, los inteligentes golpes melódicos y la pura intensidad caótica de la banda para enfrentarse entre sí de maneras que quizás nunca antes se habían escuchado o visto. El resultado fue tanto una popularidad creciente bien ganada como algo inaudito: un importante acuerdo de sello, en Japón, para una banda incorregiblemente independiente que exigía el control total. Fuera de Japón, los Boredoms también han dejado su huella. Desde sus asociaciones con bandas como Sonic Youth hasta sus explosivas giras por Estados Unidos y Europa, los Boredoms fueron parcialmente responsables de abrir los ojos de los oyentes de este país a las posibilidades de la escena musical japonesa.
Los primeros Boredoms aparentemente aprovecharon esa energía caótica y comenzaron a fusionarla en un formato de rock influenciado por No Wave. Una de las primeras publicaciones del grupo en su era temprana fue ‘’Boretronix 1’’, presentada en formato cassette en 1981, lanzamiento que no fue reeditado oficialmente desde entonces. En este extraño artefacto nos encontramos con un delirio que se desata desde el primer instante y que no baja de su limbo descosido hasta el último segundo del trabajo, presentando con una fuerza inusitada una serie de atascos punk/rock con alocadas guitarras y frenéticas baterías con las que alcanzan un caos que fue característico de los primeros años del grupo. A esto hay que sumarle todo el repertorio de agregados que condimentan el frenesí instrumental: el ruido, el caos y desconcierto general, el delirio entre gritos y ejecuciones rabiosas, los saltos de cintas con los que parecen haber retocado la grabación original.
El elemento primordial del cual se compone este sonido es la discontinuidad, es esa tendencia a romper con lo lineal de la canción, ramificándose en estructuras disonantes, atemporales, que se hacen y deshacen en un continuo que avanza en el tiempo y que demuestra la lucidez que poseían a la hora de manejar los espacios y los tiempos y, entre el caos, usarlos a su favor para la construcción del sonido desde una mirada totalmente atípica y característicamente propia; sin esa lucidez no podrían haber hecho nada ya que esto no es solo ruido y caos agolpado al azar, en este delirio hay una visión que aglutina las distintas ocurrencias sonoras en una sola masa unificada y cohesionada desde el vanguardismo y la búsqueda artística.
Este lanzamiento está compuesto tanto de grabaciones en estudio como de grabaciones en vivo, lo que nos da una noción aun mayor de su quehacer musical, entre los delirios de estudio y las extasiantes presentación en vivo donde se aprecia la fortaleza y el delirio manifestándose en el corazón mismo de la banda en su puesta pública. No es un sonido cómodo ni pop para poner de fondo en una fiesta animada, es más bien un desorden musical al que seguramente muy pocos querrán acercarse y con razón, ya que esto es el delirio en si mismo.
Hay un elemento rockero presente en sus bases, cuando estas se hacen presentes en medio del caos, hay una característica rockera, una vena poderosa, ahogada por el delirio pero allí está, tomada del post rock cuando no existía tal cosa, tomada del punk, con arremetidas portentosas pero simples a la vez, repletas de distorsión y ruido, acompañadas por unas voces/gritos que vienen del corazón del under japonés para erigirse como un canto indeleble que exalta el elixir de una flor de un exotismo ruidoso, una expresión tan grotesca como parpadeante y fulgurante en su propio desconcierto. En la página web de la banda ellos declaran: ‘’Después de casi dos décadas de ruido, caos, post-rock antes de que existiera tal cosa, experimentación tribal, remezclas, hazañas de intensidad rítmica que inducen al trance, cambios de alineación, colaboraciones continuas y hacer lo que quieran independientemente de las tendencias y la moda, El aburrimiento continúa y sigue siendo tan vital como siempre.’’
Después del lanzamiento de Chocolate Synthesizer, los Boredoms comenzaron a evolucionar lejos del caos-rock de su pasado. Super Ae de 1998 evocaba ritmos tribales así como krautrock electrónico… un conjunto de canciones que inducen al trance y están llenas de elementos tribales. En su serie de discos Super Roots (1993-1999), Boredoms expandió su ideal de música extática, atronadora y repetitiva, impregnada de power rock, ritmos electrónicos y encantamientos psicodélicos. En ese momento, Eye también se involucró más en pinchar y incursionar en la cultura rave de Japón, lo que resultó en la serie Rebore de remixes de Boredoms. Después de una ausencia prolongada, sus discos "Seadrum / House of Sun" finalmente se lanzaron en 2005. Boredoms se reformó como un conjunto solo de percusión en el nuevo milenio, expandiendo su paleta estilística con diversos elementos de varios géneros: drones, técnicas de "phasing" tomadas del minimalismo académico, tambores tribales, 'ritmos curativos' chamánicos, etc.
Esta música tiene roces con lo experimental pero también con el rock y hasta el pop, por lo que por más que se inmiscuya en saturados fuzz de guitarras y ecos efervescentes, aun así se pueden encontrar canciones de cierta forma todavía accesibles, con cantos que se pierden entre tanta suciedad pero que canturrean melodías accesibles en forma de canciones. Es un estilo que ha dejado de lado el virtuosismo pero de alguna manera todavía mantiene la magia del arte de ecos pasados, con efectos, ecos, acoples, algunas experimentaciones, uso saturado de fuzz, etc., incluso véase los tracks llamados "Popol Vuh 1" y "Popol Vuh 2", que son tributos directos a los ahora mucho más conocidos maestros alemanes del krautrock.
Esto es algo extraño, en cierta forma accesible pero todavía rudimentario y casero, con voces que se escuchan a un lado, sin preponderancia sino con un dejo que las mantiene al costado, ahogadas entre tanto fuzz y ruido. La mayor parte del disco trata de canciones pero aquí no todo es canción, presentan algunos momentos experimentales bastante deliciosos, como el tribal ‘’Moonset’’, o los interesantes "Popol Vuh 1" y "Popol Vuh 2" que se vuelven viajes cósmicos aun sin haber dejado de lado la suciedad y la poca fidelidad del sonido. Incluso en ‘’The Drowners’’ redoblan la apuesta y prácticamente lo que se puede escuchar es una canción ahogada en más y más distorsión, prácticamente ya se trata de noise.
Es ese costado de vanguardia experimental el que salva al disco de la catástrofe, siendo otro punto llamativo en un disco extraño, con interesante experimentación y con canción que en su mayoría suenan todas a lo mismo, por un lado repetitivas y monótonas, con poca imaginación compositiva, lo que empeora con la poca calidad de audio, el cual pudo haber sido grabado con amplificadores para nada costosos. Aunque por otro lado es una experiencia que en su limitación se vuelve interesante si se la sabe apreciar, el uso excesivo del fuzz y distorsiones le da un carácter extraño a todo, especialmente a las canciones de las cuales las voces apenas se logran escuchar, por momentos cerca del noise.
Es una experiencia incomoda pero que tampoco busca mostrar una cara accesible, es un sonido casero e intencionado para ser eso mismo, de los bajos, con arreglos comunes y para nada sobresalientes, pero sumergidos en un aura de decadencia total que dotan al sonido de un misterio extraño. No es necesariamente malo, es bajo en recursos técnicos y musicales, pero eso es compensado con una visión artística que hace desarrollar todo en un aura gris y con acercamiento a la vanguardia. Los ritmos son a veces indefinidos pero continuos e hipnóticos, es rock pero fue publicado en la era del auge del shoegaze, por lo que tiene su relación con el estilo, también hay pop y space dando vueltas por ahí.
También conocido como Rural Psychedelia, el primer álbum de Flying Saucer Attack fue lanzado en 1993 después de un par de sencillos que se agotaron instantáneamente. Lanzado en el apogeo del auge del shoegaze, el álbum es una mezcla de memorables canciones fuzzed out y garabatos instrumentales extravagantes.
Flying Saucer Attack fue una banda de rock espacial experimental que se formó en Bristol, Inglaterra en 1992. David Pearce fue el miembro principal del grupo, y Rachel Brook (de Movietone , otra banda de Bristol) fue miembro durante la mayor parte de la vida de la banda.
La banda estuvo marcada por voces tranquilas y hojas de comentarios con similitudes con las bandas de shoegazing contemporáneas, o The Jesus and Mary Chain. Flying Saucer Attack pudo crear una base de fans pequeña pero entusiasta como una de las bandas experimentales más notables del momento. La banda se destacó por grabar la mayor parte de su producción en casa en un sistema estéreo doméstico normal, evitando los estudios de grabación tanto como pudieron. Esto le dio a su música una sensación de bricolaje y les dio la libertad de experimentar todo lo que quisieran.
Esta no es una obra exclusivamente psicodélica, aunque algo de eso hay dando vueltas en su sonido, el cual básicamente posee algunas miras pero principalmente cuenta con su propio estirpe, surgido de la combinaciones de las diversas visiones aportadas por los distintos músicos, y surgido además del hecho de que las grabaciones para este disco fueron realizadas en dos sesiones espontaneas, según se dice sin ensayos y con músicos reunidos para la grabación sin haberse conocido previamente. Por lo que ya tenemos el elemento de la aleatoriedad y la búsqueda desde la sesión grabada en vivo, con sus improvisaciones y sus creaciones espontaneas y sus encuentros y sincronías que funcionan al momento y que seguramente no puedan volver a ser repetidas. Se trata de un momento justo y de un lugar indicado en el que todo ocurrió como debía ser, y finalmente así fue publicado.
La mayor parte del cuerpo sonoro del disco son pistas de una especie de rock alternativo sobrecargado de distorsiones, hasta el bajo por momentos pareciera distorsionado, con un sonido ruidoso que sobrecarga la escucha y casi que sobrepasa la altura de las voces. Los temas son concisos y contundentes, poseen arreglos melódicos en voz con formas reconocibles e incluso agradables, aunque muchas veces los temas cuentan con esa dosis de apertura instrumental venida de la medida de la improvisación y la libertad con la que se ejecutó las piezas, por lo que en general las canciones son travesías que van transitando por diversos estados y funcionando en diferentes carismas internos, variando en intesisdad y ejecución, siempre dentro de la canción, sucia y alternativa.
Los temas son solemnes, oscuros, anti comerciales por naturaleza, con voces que cantan algúna pena o maldición con tonos oscuros. Hay influencias del rock alternativo, del post-punk, tal vez seguramente de la psicodelia, krautrock y del rock, y en menor medida del blues/rock. En los títulos de las canciones hay referencias a otras bandas, con nombres de temas como ‘’Joy Division (Three In The Morning)’’, ‘’Z Z Top Taxi Driver’’ o ‘’Color Humano’’.
Aunque haya sido un álbum poco planeado previamente, es obvio que se trata de un lanzamiento con mucho para decir, con mucho contenido moral o anti comercial, y con mucho contenido cultural, desde las influencias, visiones, planes, creaciones, inventos como la pieza acústica ‘’Cuando Sea la Última Vez’’ que se asemeja tal vez al krautrock, siendo todo ejecutado por músicos de gran nivel, lo que propició el desarrollo de este experimento y permitió la creación espontanea del mismo.
El espíritu del disco fue aportado en parte por Roberto Pettinato, músico argentino conocido en el under y el rock alternativo argentino, con una carrera solsita interesante y conocido muchas veces por haber sido saxofonista de la banda argentina Sumo. Pettinato en noviembre del año 2000, junto a José "Pepe" Navarro, planearon y dieron forma un proyecto musical fugaz que terminaría conformándose como ‘’Pettinato and the Pessi-Mystics’’. El proyecto terminó integrado por los nombrados Pettinato en guitarra, saxo y voz, Javier Saiz en guitarra, Salvador "El Rojo" Agustoni en bajo y José Navarro en batería. Finalmente Peter Bearish y los hermanos Gonzalo y Coco Rainoldi colaboraron también en las grabaciones del disco.
Si el disco tiene su suciedad y su sonido particular, es que fue en realidad grabado y mezclado para que suene de esa forma. Grabando en Estudios el Pie durante 4 sábados de noviembre del año 2000. Concepto Produccion Musical Pettinato, Blondeau & Gonzalo, produccion General por Pettinato. Lo mejor de esas sesiones experimentales fue extraído y presentado como finalmente se lo conoce como ‘’El Yo Saturado’’. El disco fue lanzado a principios del 2001 con una tirada relativamente pequeña por el sello discográfico de Seattle, Dadastic! Sounds, hoy difícil de conseguir. A pesar de haber conseguido buenas críticas el disco no sobrepasó la atención de las fronteras de la limitada escena de rock alternativo de América del Sur.
De todas formas, Pettinato, uno de los creadores e ideólogos del trasfondo del concepto y sonido desde disco, siempre se ha manifestado con un espíritu crítico hacia algunas convecciones, reflejandolo principalmente en su música solista, con discos como este dentro del terreno de lo alternativo o lanzamientos y exploraciones hacia terrenos de la vanguardia y el free jazz. La premisa alternativa, under y anti comercial ha sido la búsqueda artística predilecta por el artista, y seguramente para la ocasión de ‘’Pettinato and the Pessi-Mystics’’ no haya sido la excepción en cuanto a su postura y la de sus compañeros de proyecto.
Una curiosidad es que en el disco, Pettinato toca la guitarra eléctrica y se ocupa de las voces en las canciones, todas en idioma inglés, pasando el rol de su saxo a un plano secundario, apareciendo solo en un par de temas y sin un rol tan preponderante. La banda no prosperó mucho más que para el lanzamiento de este disco, las obligaciones de Pettinato con su carrera televisiva, hicieron que esto sea imposible y la banda se disolvió poco tiempo después.
En esta oportunidad les traigo una historia local, del under creativo de la musica rock y pop de mi ciudad natal, Pehuajó. Nicolas Zunino presentó en 2021 una reedicion digital de su disco de 2005 ''Invitation To Get Elevated Up To The Lisergic Sensation On Floating And More'', el cual he decidido reseñar para esta ocasión y con motivo del cumpleaños de Nicolas. Nicolas es creador del sello discografico Las Hojas Records que pueden seguir en instagram ->Las Hojas Records.
En Pehuajó (Prov. Buenos Aires, Argentina) cosas pasan, la escena local rockera de la ciudad últimamente ha experimentado cierto acrecentamiento por la aparición de algunas bandas, proyectos y lugares varios para poder hacer música en vivo o grabar, algunos proyectos que están, otros que siguen y otros que no seguirán, pero hubo movimiento y lo habrá por un buen tiempo, impulsado en buena medida por gente joven.
En ese contexto podemos hablar de algunos emprendimientos impulsados por el músico y dueño y administrador de su propio estudio de grabación y sellos discográficos, Nicolas Zunino, ak Zunnio, quien nos trajo a esta pequeña ciudad el primer sello discográfico de la historia de la ciudad, ‘’Las Hojas Records’’, el primer disco compilatorio con música producida también de forma local, llamado ‘’El Eco Musical de las Hojas Audio Estudio’’, y además de contar con un estudio de grabación, llamado ‘’Las Hojas Audio Estudio’’, que también puede funcionar como sala de ensayo, un centro neurálgico para el arte de la ciudad, totalmente equipado, donde varias bandas solemos frecuentar en busca de un espacio para trabajar nuestra música.
Zunnio es creador de los dos primeros sellos discográficos de la ciudad, y es en esta base creativa donde el artista presentó en 2021 una reedición digital de uno de sus trabajos, un disco que grabó y presentó en 2005. ‘’Invitation to Get Elevated up to the Lisergic Sensation on Floating and More’’ fue creado por el proyecto ‘’Hypnotic’’, un dúo de forjadores talentosos de la canción y aledaños que crearon esta obra con antelación, influencia de la psicodelia de la época y emprendimientos que remontan vuelto hacia el dream pop y el Downtempo, de hecho todo el disco cuenta con esa dosis de solemnidad rítmica que invita a la movilización de las esferas internas hacia estados alterados, enarbolados con arreglos de sintetizadores, atmosferas con acercamiento ambiental, y voces perdidas en efectos que se funden con el sonido.
El trabajo está presentado en una serie de piezas con aire de canción, aunque estas muchas veces presentan algunas búsquedas estructurales que se salen de lo esperado, por lo que ya hay varios estados internos interesantes para explorar perdidos entre la instrumentación variada que presenta la obra.
Los arreglos muchas veces se vuelven variados y complejos, funcionando sobre un andamiaje rítmico conciso y movilizador que invita a viaje, arreglos que van funcionando, mutando, apareciendo y sucediéndose como en un horizonte de sucesos sobre ritmos Trip Hop que no dan tregua en ningún momento. Todo el disco pareciera funcionar bajo esta perspectiva y premisa percusiva, mientras el viaje se propone ya desde el primer puñado de segundo del disco.
Los momentos ‘’trip’’ no faltan y todo el disco es un tránsito hacia otros estados. Sin ser psicodélicos en un sentido crudo o radical, todas las arremetidas del disco tienen esa cuota psych, una versión retorcida de sí mismos pero con perspectivas, no hacia lo oscuro ni hacia la locura vanguardista, sino hacia la luz y la fluidez de armonías y los ritmos. Son nueve pistas las que componen el disco, la mayoría instrumentales o con voces de ornamento y no necesariamente cancioneras, todas escenas hipnóticas que conducen al ser a un viaje suave con ritmos concisos y directos, donde las armonías de sintetizadores son los impulsores principales en la travesía.
Sin ser krautrock ni estar influenciado por el género, recuerda con ciertos pasajes al estilo, los sintetizadores cumplen un rol principal en este trabajo. También aparecen desde la electrónica algunos efectos agregados, además de percusiones, guitarras de todo tipo, teclas, sampleos y secuencia muy bien organizadas.
‘’Invitation to Get Elevated up to the Lisergic Sensation on Floating and More’’ cumple con su propuesta inicial, la invitación hacia obtener estados elevados de sensaciones lisérgicas. La premisa al acercamiento de la música preferentemente deba ser la relajación y la búsqueda de sensaciones, aunque también pueda ser bailar.
El trabajo fue grabado de forma privada y autogestionada en 2005, con trabajo de Sebastian Malugani en programaciones, bajo, teclas y coros, Nicolas Zunino en guitarras, voz y programaciones, y Natalia Crotti en coros. La tirada del disco fue limitada con una serie de 100 ejemplares, masterizado por Eduardo Bergallo y publicado de manera independiente en 2005. El disco fue reeditado en 2021 de manera digital y publicado digitalmente por el sello discográfico ‘’Las Hojas Record’’, propiedad de Nicolas Zunino.
Las siguientes son algunas palabras del mismo Nicolas Zunino sobre la creación del disco y sobre algún aspecto del mismo:
‘’La idea del nombre tiene relación directa y simbólica con lo que nos generaba a nosotros la música que en ese momento estábamos creando. Eran noches de vino y largas cenas que derivaban en grabar canciones sin filtro. Una etapa de mucha libertad y noches. Qué representa la portada del disco? un estado. Mucha libertad. El proceso de creación y grabación fue por etapas y desproporcionadamente anárquica ya que nos juntábamos un jueves, zapábamos, grabamos y al otro jueves lo cerrábamos... así que asumo que se grabó en unos 4 / 5 meses pero solo 3 horas cada vez que nos juntábamos’’.
Al momento de referire a las influencias musicales que marcaron su estilo, se regirio a lo siguiente:''La musica de mediados de los 90s como Spaceman3, Spiritualized, MAssive Attack, Tricky etc.Jesus and mary chains, Chapterhouse, Stone Roses.''
‘’Zaireeka’’ es un álbum de The Flaming Lips que fue lanzado en 1997, básicamente un experimento muy particular que ha de haber generado miles de impresiones distintas de acuerdo a la experiencia de cada persona escuchando el disco, es que se trata de un lanzamiento que originalmente venia (y viene) dividido en cuatro discos diferentes, ni más ni menos que cuatro discos, en los que el trabajo se divide en su totalidad, pudiendo escuchar la obra completa al reproducir dichos cuatro discos al unísono. Aunque una de las particularidades que posee esto de estar dividido en cuatro CDs es que es posible además escuchar cada disco por separado, o también hacer varias combinaciones diferentes, algo así como ‘’elige tu propia aventura’’ pero con discos y música.
Otra particularidad que tiene este invento es que no todos los mix de los cuatro discos sonando al unísono realizados suenan igual, dependiendo de la edición, el formato y/o de la mano de cada personas al unir los discos, estos pueden sonar de manera diferente en sus diferentes apariciones en versiones online o en versiones oficiales en discos.
Por supuesto que con cualquier disco experimental surge la cuestión de que el público en su mayoría está acostumbrado a cosas fáciles de escuchar y por ende aceptar cualquier propuesta que se salga de la mera cancioncilla estándar y pegadiza.
Es difícil de imaginar cómo estos locos hicieron semejante experimento, como cuadraron y planearon, como confabularon cada instrumentación para que congeniara con las demás grabaciones y se sincronizara para funcionar en una sola cosa al unísono, a la vez que también siendo reproducido cada disco en particular se pueda tener una experiencia musical genuina y no algo incompleto.
El trabajo es caótico pero tiene su orden, y es que dentro del experimento que es, no dejan de ser canciones con interesante métrica, melodías cantables, percusiones accesibles, aunque a la hora de los arreglos surge el ‘’problema’’, ya que hay varios elementos que se confabulan para funcionar en una sola cosa, y por momentos se puede apreciar esa sensación de ‘’experimental’’ tan preciada.
La escucha de la obra total es una buena experiencia en la que sumergirse, un sonido experimental explayado en canciones de punta, inventos trascendentales, creaciones ulteriores, con dosis de algo melódico que dejan un aire para sentarse y disfrutar de la experiencia, y todo un andamiaje funcionando al unísono que entre cuatro discos confabulados general una obra muy conmovedora.
Por momentos la obra es cohesiva, por momentos ocurren algunos desajustes (imposible detectar si es causa de la propuesta original o de un posible mal combinado), en general suelen aparecer los instrumentos y el canto, y por detrás algunos efectos psicodélicos tipo sintetizados o atmosféricos que pretenden acometer una suerte de acompañamiento delirante, generalmente lo logran.
En su momento poder reproducir la obra en su totalidad representaba un cierto problema de logística, y es que no cualquier tenía en su casa cuatro reproductores de sobra como para poder escuchar la obra completa al reproducir los cuatro cds originales. Hoy también parece haber conflicto con eso, ya que el cd dejó de ser, salvo por coleccionistas, un formato utilizado. Problemas que se resuelve hoy en día con el uso de música online o plataformas de música que puedan ofrecer la escucha de la obra ya completa y combinada en una sola música.
La obra es muy experimental pero en ningún momento se libera hacia la búsqueda caotica, todo termina conteniéndose en una muisca que aun siendo experimental también utiliza a la cancion como medio para expresarse y eso libera ciertos peligros perceptivos. Los cuatro discos pueden ser escuchados al unísono, pueden ser omitido uno, dos o inclusive tres de los cuatro discos. Aunque por muchos críticos fue bien recibido, el concepto de cuatro discos tocándose al mismo tiempo fue muy criticado.
La obra debe ser escuchada con cuidado y entendiendo lo que es, un auténtico delirio, un experimento que funciona entre vanguardias, caos, canción, psicodelias, electrónica, e inventos de toda índole. Este experimento no será apreciado por todos pero es una delicia a degustarse entre los asiduos de estos sonidos, las canciones no dejan nada que desear y el delirio instrumental está a la orden del día.
.jpg)
.jpg)
