Alwin Nikolais - Choreosonic Music Of The New Dance Theatre Of Alwin Nikolais (1959)

Las músicas creadas desde una concepción escénica o teatral, y no desde una visión más popular que podría tener un músico desde su fuero íntimo, siempre son músicas muy particulares, concebidas de maneras extrañas y plasmadas de maneras más particulares aun, ya que fueron representadas para figurar en un campo de dramaturgia musical que fomente una experiencia cuasi holística que integre escena, música, arte visual, expresión corporal, danza, y/o cualquiera de las concernencias que puedan sumarle los creadores de dicha propuesta.

Hay varios ejemplos de este fenómeno particular de música para compañías teatrales, como la música de la compañía japonesa de arte Geinoh Yamashirogumi y sus visiones integrales que convergen hasta en la filosofía, o la música oscura del teatro vivo del grupo teatral francés Théâtre Du Chêne Noir y sus espasmos expresivos, o por ejemplo la obra conceptual para teatro ‘’Open Music’’ y sus formas proto sinfónicas, creada por el flautista inglés Bob Downes, etc.

Hay en todos estos discos una noción que sale de lo convencional y parece unificar a estas propuestas en características que los identifican. Desde la espacialidad y tipo de extensión de las composiciones que ubica a las propuestas en rigores de extensión que muchas veces se plasman en piezas extensas para musicalizar momentos escénicos, aunque esta duración puede variar según la propuesta. Además del encuentro general con las vanguardias que hace de estas músicas no solo una creación musical sino una búsqueda de encontrar nuevas expresiones artísticas desde la innovación expresiva y compositiva, la ejecución de nuevos materiales e instrumentos, el alejamiento de la forma de canción, etc. También la búsqueda de innovación y el acercamiento con nuevas tecnologías forma parte de este fenómeno, muchas veces con acercamiento a la electrónica y la fusión de estilos. 

Alwin Nikolais es el auténtico creador del teatro de la danza. Es a la vez un compositor, un pintor, un escultor, un poeta, un filósofo y, por último, un coreógrafo que anima y dirige una compañía de bailarines iniciados en sus propias teorías. ‘’Choreosonic Music Of The New Dance Theatre Of Alwin Nikolais’’ de 1959, publicado por el sello Hanover, fue la primera tirada de la obra, una suerte de compilatorio de unificaba varias de las producciones musicales. 

Este disco se encuentra entre las principales producciones electrónicas de la década de los 50, porque obviamente le factor electrónico estaba dando vueltas aquí, desde los distintos efectos, y manipulaciones de cintas, grabaciones y otras técnicas. Es música además improvisada y grabada en vivo por una compañía que no solo sabía de danza, sino que también fue entrenada para la ejecución musical aleatoria. Para la ejecución de estos sonidos fueron elegidos varios objetos de todo tipo para ser usados en forma de instrumento, ejecutados desde la percusión en su mayoría por miembros de The Henry Street Playhouse Dance Company.

La aleatoriedad de lo sonido presentados corresponde a una combinación de varias obras y no a la plasmación de una única pieza. De todas formas, es una manera directa de experimentar la música de este creador de incluyó en su producción musical una visión interdisciplinaria junto a otras nociones de teatro y danza. La ejecución parece ser aleatoria y sin un patrón fijo de representación, aunque a su vez sirvieron para musicalizar diferentes momentos escénicos que funcionaban dentro de la vanguardia y por ende esa visión que se puede apreciar en esta música también se puede llevar al entendimiento de lo que fueran sus producciones escénicas, teatrales y de danza.

Las siguientes palabras venían originalmente en la contraportada de la edición en vinilo del disco de época y sirven para crear una imagen más integral de lo que fue el arte de este creador multidisciplinario: 

'' ‘’Choreosonics’’ fue el nombre de la música para la coreografía de Alwin Nikolais, una exposición teatral única que se describió a finales de los años 50 como "el nuevo teatro de forma, movimiento, luz y sonido". 

En 1953, Nikolais atrajo a personas interesadas en el arte nuevo a sus conciertos de danza en el Henry Street Playhouse en la ciudad de Nueva York. En estos conciertos, los bailarines se convirtieron en coloridas fuentes motivadoras de formas escultóricas; moviéndose en atmósferas cambiantes de luz y sonido, su relación cuidadosamente integrada en un nuevo tipo de arte teatral abstracto audiovisual. Los sonidos creados para esto no fueron concebidos desde el punto de vista de la música tradicional, sino que fueron diseñados para compartir y apoyar la dinámica visual total.

Tal creación fue posible gracias a la experiencia de Nikolais como músico y coreógrafo. A los dieciséis años tocaba el piano y el órgano para las películas mudas que estaban desapareciendo, improvisando y coordinando música de cuatro a seis horas diarias con el contenido dramático de la película. Con esta profesión obsoleta, convirtió su habilidad en acompañamiento para la danza. A través de esto, sus intereses lo llevaron a estudiar el acompañamiento de percusión y la exploración de nuevos sonidos. Estas ideas fueron estimuladas por el tipo de acompañamiento de baile introducido por la famosa bailarina alemana Mary Wigman. Esto a su vez, indujo a Nikolais a estudiar danza y, en última instancia, a cambiar su carrera de músico a bailarín y coreógrafo. Nikolais pronto fue anunciado como una de las principales figuras de la danza de concierto moderna. Se le atribuye haber aportado ideas revolucionarias que abrieron nuevas perspectivas para la danza y el teatro. 

Las actividades de Nikolais se centraron en Henry Street Playhouse en Nueva York. Su trabajo fue creado allí con su asistente Murray Louis; el ingeniero de sonido David S. Berlín; el artista George Constant y miembros de su Playhouse Dance Company. Todos los cuales participaron en las producciones finales. Performances con nombres como Prism, Cantos y Totem fueron recibidas con una crítica positiva por sus logros multidisciplinarios. Mientras que su colaboración con Harry Partch en The Bewitched estableció su nombre junto con otro verdadero inconformista del diseño de sonido estadounidense y la composición con visión de futuro. 

Algunos de los bailarines de Nikolais también fueron entrenados como percusionistas que improvisaron con una curiosa variedad de instrumentos y objetos que producían sonido mientras otros bailarines trabajaban en la coreografía. David Berlín, quien ensambló y construyó el equipo de grabación de sonido, operaría desde la cabina de sonido desde una ventana con vista al escenario. 

Nikolais dirigiría los experimentos y la improvisación. Dentro de cualquier actuación habría numerosas pruebas del sonido original y su posible condicionamiento electrónico, incluidas muchas reproducciones de frases cortas probadas con el movimiento de los bailarines. Cuando la frase sonora resultó satisfactoria, se inició el siguiente corte. Los sonidos se cortaron, ampliaron, reemplazaron y luego toda la pieza se unió y se le dio una edición final muy parecida a un proceso de filmación. Nikolais generalmente trató de evitar cualquier identificación de las fuentes de sonido, invitando así al oído a percibir el sonido en sí mismo divorciado de su derivación inicial. Esto, sin embargo, no era de ninguna manera un criterio final, el último es el valor del sonido para la idea teatral en cuestión, cualquiera que sea su fuente o forma de condicionamiento. 

Los objetos utilizados para producir estos sonidos no tenían límite, excepto por el tamaño práctico del material. Dentro de la colección se utilizaron numerosos instrumentos de percusión: tambores de todo tipo, sonajeros, campanas, gongs, címbalos, tacos de madera, etc. También se utilizaron silbatos, tubos, caños, piezas de madera, recipientes de aluminio, acero y hojalata junto a vasos, elásticos bandas, bobinas de alambre, etc. La parte posterior de un piano vertical, además de un piano de cola, también estaban a menudo a mano. La voz humana se usaría libremente, aplaudiendo, pisando fuerte y cualquier dispositivo de producción de sonido que pudiera tener un propósito. 

Estos sonidos seleccionados luego se alimentan a través de varios micrófonos a las máquinas de grabación de cinta. Por necesidad económica, el equipo de grabación es relativamente simple. Los instrumentos utilizados son 2 micrófonos RCA, 77B, 44, magnetófono Berlant BRX pista completa, magnetófono Concertone 20/20 media pista, modificado para que su velocidad sea variable. Por tanto, los dispositivos de acondicionamiento electrónico de los sonidos son necesariamente limitados. Los sonidos se aceleran o se ralentizan, se interrumpen, se “pulsan”, se reverberan, se invierten o se superponen. A veces se superponen bucles de cinta y sonidos de archivos de sonido. Estos, más la edición de los propios sonidos mediante corte de cinta, suman los medios de acondicionamiento sonoro utilizados.

El trabajo de Nikolai no se caracteriza tanto por proezas de ingeniería de sonido como por la libre selección de sonido para una función. Los medios y las técnicas están al servicio de un fin del arte expresivo.

Su teatro revela figuras de baile al estilo de Picasso y formas abstractas que recuerdan un poco a Moore, Brancusi y Miro, en un ritual de movimiento que traduce la dinámica primaria de la naturaleza en un lenguaje representativo de sonido, forma, movimiento, color, espacio, tiempo y luz.

Es un teatro de la esencia: de la metáfora y los comienzos, satírico, aterrador. humorístico. heroico, delicado y misterioso. Un nuevo teatro abstracto de percepción audiovisual con el cuerpo humano del bailarín como antena e instrumento de los cantos y movimientos de la naturaleza.

Las selecciones de este disco son extractos de las siguientes obras de teatro: Máscaras, accesorios y móviles (1955) - (Parafrenalia), Prisma—(1956) ~ (Lítico, Friso ilusorio, Glymistry), Espejos (1958) —(Shivarce, Bosque Prismático), Alegoría (1959) - (Erupciones y evoluciones, Lira, Fijación, Fetiche), Steve Allen TV ~ (1959) - (Eolo) i

Estas obras seleccionadas han sido recortadas considerablemente en longitud. algunos a casi el % de su tiempo original. Este corte fue necesario porque originalmente los elementos visuales compartían una gran parte de la dinámica compositiva total. Las reiteraciones y variaciones que normalmente se dan a la música a menudo se transfirieron a los elementos visuales. Los sonidos continuaron en movimiento y, a menudo, se convirtieron en un catalizador para la acción en lugar de más sonido.

En la primavera de 1959, el trabajo de Nikolais se presentó en un gran televisor. Sus imágenes se filmaron y también se muestran en programas educativos relacionados con la historia de la danza y Layman's Guide to Modern Art. La música de Nikolais se ha escuchado en WNYC y fue presentada por el destacado comentarista musical Oliver Daniels. Es a través de Mr. surgió y es la primera documentación del sonido utilizado por Nikolas.''

Cod: #1747

Geinoh Yamashirogumi - Osorezan / Dou No Kenbai (1976)

‘’Osorezan / Dou no Kenbai’’ es el primer álbum de Geinoh Yamashirogumi, que más que una banda de rock, o una banda en sí, fue toda una compañía artística con coro y músicos de rock, entre otro músicos. Sus desempeños no era solo musicales sino también escénicos, realizando performances escénicas en vivo con una gran compañía de personas, mientras ejecutaban su música en vivo también. Este primer lanzamiento y representa un pináculo artístico creativo que marcó precedentes en Japón y fue muy aclamado en el país al momento de su lanzamiento en 1976. El estilo de este disco es difícil de definir en algún género y difícil de imaginar de antemano, sumándose a la ínfima lista de grandes obras que son imposibles de encasillar en algún lugar particular.

Geinoh Yamashirogumi grabó este disco con coro y músicos del grupo, aunque para las partes de rock recibió el apoyo de miembros de la banda Inoue Takayuki Band, que aportaron las partes de rock experimental. El trabajo está dividido en dos partes que ocupaban originalmente cada lado del vinilo original de época, alcanzando una duración de veinte minutos aproximadamente cada pieza, siendo a su vez un trabajo conceptual cuyos lados representan imágenes diferentes, siempre dentro del mismo lema artístico y motivo creativo.

El primer lado del disco es el denominado como ‘’Osorezan’’. Osorezan está ubicado en la ciudad de Mutsu, de la península de Shimokita en Aomori. Osorezan se traduce como ‘’Mountain of Fear’’ y es conocido como  el monte del terror y las almas perdidas. Es uno de los tres montes más sagrados de Japón y está considerado como la puerta al mundo de los muertos. Allí los médiums evocan el espíritu del otro mundo y hablan con el cliente por la voz de la familia, amigos y familiares fallecidos. Esta pieza del disco representa este lugar a través de la música. 

El lado uno comienza con un grito escalofriante, que avisa, y no traiciona, declarando simbólicamente el horror del lugar representado y el terror de lo que va a representar la pieza, llena de tensión, quejidos de voces en pena, caos, oscuridad, vanguardismo escénico, y una complejidad musical pocas veces vista pero plasmada desde una concepción particular, más bien escénica y grupal, casi teatral, con un rol fundamental de la compañía coral, de hecho las voces son el elemento principal de esta pieza, aunque hacia la mitad de la misma aparece la música más ‘’reconocible’’ y la banda de rock toma su lugar, aportando una incursión rock con sintetizadores de fondo y buenos solos, muy agradable de escuchar. Pasando por muchos estamos, el primer lado del vinilo es una aventura sin precedentes, igualable solo a creaciones colectivas también de compañías corales u orquestas de vanguardia.

Ya para el lado segundo del disco, el llamado ‘’Dou no Kenbai’’, traducido como ‘’Danza de la espada de cobre’’, tenemos una intervención vocal coral pura y duradera a lo largo de la pieza, de hecho la misma está compuesta en su totalidad por cantos corales. Comenzando algunos minutos voces masculinas con un estilo similar a algún canto religioso milenario oriental, para luego pasar a una parte de cantos y diálogos con voces femeninas y voces masculinas funcionando como un fondo armónico. La pista prosigue con algunas partes internas más, entre cantos, juego en intensidades y cambios de roles.

Esta segunda parte ya no cuenta con el rock y aparece de hecho muy poca instrumentación, por lo que el desafío se vuelve mucho más grande en la escucha de una intervención coral vanguardista experimental y sin aire de canción alguno, con una concepción artística creada en base a una progresión de sucesos corales en base también a noción muy particulares que poco tienen que ver con la canción o el rock progresivo, mucho menos con el rock, por lo menos para este segundo lado del disco.

El disco se grabó igual que su interpretación habitual en el escenario, con los artistas moviéndose aquí y allá, por lo que el sonido y la voz varían de acuerdo al movimiento de los artistas que no permanecen en una posición estable. Este efecto tiene el propósito de dar una sensación de asistencia y está inspirado en el canto tradicional indonesio kecak. 

‘’Osorezan/Dou no Kenbai’’ es un artefacto de creación de punta del vanguardismo japonés, con la típica alusión a elementos tradicionales e históricos japoneses, típico de muchos discos de vanguardia de dicho país, y con concepciones que sacan al oyente de su lugar habitual incluso para mucho de lo que consideramos como ‘’experimental’’, siendo una creación que invita a buscar apropiarse de nuevas formas de arte con implicancias no solo artísticas, sino también morales, filosóficas y hasta científicas, nacionalistas y tradicionalistas.

El estilo de esta música recuerda a otros creadores vanguardistas japoneses de la época, como la orquesta New Herd de Toshiyuko Miyama, la compañía J. A. Seazer, o a creaciones orquestales o con tintes de vanguardia tradicionalista de otros genios japoneses como Minoru Muraoka, Yamash'ta o Masahiko Satoh.

Estas son algunas palabras que aparecen en la página oficial de la agrupación y que demuestran la profundidad de su quehacer artístico:

‘’Geino Yamashirogumi es más que un grupo de artes escénicas, es un grupo experimental que busca y verifica el estilo de vida original de los seres humanos prometido por el ADN genético, buscando una base para la "acción crítica de la civilización".

Su historia comenzó en 1968 con la aparición del coro de mujeres búlgaras por su predecesor, el Hato no Kai Chorus. Después de eso, el grupo logró interpretar el coro masculino de Georgia y el Kecak en Bali, realizando la primera ‘’multimusicalidad’’ del mundo. El grupo ha presentado actuaciones de 80 estilos diferentes a lo largo de todo el mundo, y sus actividades creativas que combinan tradición y modernidad basadas en estas actuaciones no tienen paralelo en el mundo.

Sin embargo, estas actividades son solo un aspecto de la crítica civilizatoria activa de la Europa occidental moderna. Aprender de la sabiduría de la comunidad tradicional, la constante y sincera "creación grupal" y la "creación humana" que elimina la especialización y la monofuncionalización es el verdadero valor de la comunidad de desempeño múltiple ‘’Geino Yamashiro-gumi’’.

Una característica importante de la crítica de la civilización de Geino Yamashiro-gumi es que toman con avidez la ciencia y la tecnología, el arma más grande de la civilización occidental, a la que apuntan, y la usan para atacar a la propia Europa occidental moderna como una medicina de fabricación propia. Entre los diversos miembros de educadores, periodistas, ingenieros y estudiantes, más de 10 tienen doctorados en campos como ciencias de la vida, ciencias del cerebro, ciencias matemáticas, psicología e ingeniería de la información. El jefe de esta poderosa investigación científica de la civilización es el científico Tsutomu Ohashi, también conocido como Shoji Yamashiro, el jefe del grupo.

Una serie de actividades creativas que se adelantan a los tiempos puede decirse que es una de las manifestaciones concretas de tan inigualable vitalidad, y son nada menos que un impactante mensaje de crítica a la civilización dirigido a la Europa occidental moderna por parte de Geino Yamashiro-gumi.’’

Cod: #1746

Boredoms - Boretronix 1 (1988)

Los Boredoms, siempre dentro de su línea de incorrección musical, no se pueden evitar el desastre y el caos como forma de expresión, presentando escenas musicales grotescas que horrorizarían a cualquier buen peregrino, estilo que comenzó tan fuerte al principio de su carrera y que caracterizó fielmente sus primeras producciones, característica que con el paso de los años y a través de sus tantas publicaciones se fue puliendo y sublimándose en formas más sutiles. Esta es su primera publicación y es la incorreción artística en carne viva, con un vanguardismo que funciona entre el ruido, la experimentación y el post punk, para crear con ello, a través del mismo delirio, un sonido descocido de su lógica, traído desde portales de insolencia, de una bruta expresión sin medida que buscaba siempre chocar y desconcertar.

A lo largo de más de 20 años, el fundador y líder de la banda Yamatsuka Eye, junto con su colaborador frecuente Yoshimi, ha llevado a la banda a un viaje por una carretera cósmica, desde los primeros pantanos del caos hasta tiempos de frenesí tribal, tranquilidad oceánica y construcciones sónicas masivas. Quizás lo más notable es el compromiso incesante con la visión y búsqueda artística por encima de todo, y los efectos de ese compromiso han quedado plasmados en su discografía. No se puede exagerar la influencia de Boredoms en la música underground, experimental, de ruido y basada en la interpretación.

El espectáculo en vivo frenético y maníaco cimentó su reputación. El increíble poder rítmico, los inteligentes golpes melódicos y la pura intensidad caótica de la banda para enfrentarse entre sí de maneras que quizás nunca antes se habían escuchado o visto. El resultado fue tanto una popularidad creciente bien ganada como algo inaudito: un importante acuerdo de sello, en Japón, para una banda incorregiblemente independiente que exigía el control total. Fuera de Japón, los Boredoms también han dejado su huella. Desde sus asociaciones con bandas como Sonic Youth hasta sus explosivas giras por Estados Unidos y Europa, los Boredoms fueron parcialmente responsables de abrir los ojos de los oyentes de este país a las posibilidades de la escena musical japonesa.

Los primeros Boredoms aparentemente aprovecharon esa energía caótica y comenzaron a fusionarla en un formato de rock influenciado por No Wave. Una de las primeras publicaciones del grupo en su era temprana fue ‘’Boretronix 1’’, presentada en formato cassette en 1981, lanzamiento que no fue reeditado oficialmente desde entonces. En este extraño artefacto nos encontramos con un delirio que se desata desde el primer instante y que no baja de su limbo descosido hasta el último segundo del trabajo, presentando con una fuerza inusitada una serie de atascos punk/rock con alocadas guitarras y frenéticas baterías con las que alcanzan un caos que fue característico de los primeros años del grupo. A esto hay que sumarle todo el repertorio de agregados que condimentan el frenesí instrumental: el ruido, el caos y desconcierto general, el delirio entre gritos y ejecuciones rabiosas, los saltos de cintas con los que parecen haber retocado la grabación original.

El elemento primordial del cual se compone este sonido es la discontinuidad, es esa tendencia a romper con lo lineal de la canción, ramificándose en estructuras disonantes, atemporales, que se hacen y deshacen en un continuo que avanza en el tiempo y que demuestra la lucidez que poseían a la hora de manejar los espacios y los tiempos y, entre el caos, usarlos a su favor para la construcción del sonido desde una mirada totalmente atípica y característicamente propia; sin esa lucidez no podrían haber hecho nada ya que esto no es solo ruido y caos agolpado al azar, en este delirio hay una visión que aglutina las distintas ocurrencias sonoras en una sola masa unificada y cohesionada desde el vanguardismo y la búsqueda artística.

Este lanzamiento está compuesto tanto de grabaciones en estudio como de grabaciones en vivo, lo que nos da una noción aun mayor de su quehacer musical, entre los delirios de estudio y las extasiantes presentación en vivo donde se aprecia la fortaleza y el delirio manifestándose en el corazón mismo de la banda en su puesta pública. No es un sonido cómodo ni pop para poner de fondo en una fiesta animada, es más bien un desorden musical al que seguramente muy pocos querrán acercarse y con razón, ya que esto es el delirio en si mismo.

Hay un elemento rockero presente en sus bases, cuando estas se hacen presentes en medio del caos, hay una característica rockera, una vena poderosa, ahogada por el delirio pero allí está, tomada del post rock cuando no existía tal cosa, tomada del punk, con arremetidas portentosas pero simples a la vez, repletas de distorsión y ruido, acompañadas por unas voces/gritos que vienen del corazón del under japonés para erigirse como un canto indeleble que exalta el elixir de una flor de un exotismo ruidoso, una expresión tan grotesca como parpadeante y fulgurante en su propio desconcierto. En la página web de la banda ellos declaran: ‘’Después de casi dos décadas de ruido, caos, post-rock antes de que existiera tal cosa, experimentación tribal, remezclas, hazañas de intensidad rítmica que inducen al trance, cambios de alineación, colaboraciones continuas y hacer lo que quieran independientemente de las tendencias y la moda, El aburrimiento continúa y sigue siendo tan vital como siempre.’’

Después del lanzamiento de Chocolate Synthesizer, los Boredoms comenzaron a evolucionar lejos del caos-rock de su pasado. Super Ae de 1998 evocaba ritmos tribales así como krautrock electrónico… un conjunto de canciones que inducen al trance y están llenas de elementos tribales. En su serie de discos Super Roots (1993-1999), Boredoms expandió su ideal de música extática, atronadora y repetitiva, impregnada de power rock, ritmos electrónicos y encantamientos psicodélicos. En ese momento, Eye también se involucró más en pinchar y incursionar en la cultura rave de Japón, lo que resultó en la serie Rebore de remixes de Boredoms. Después de una ausencia prolongada, sus discos "Seadrum / House of Sun" finalmente se lanzaron en 2005. Boredoms se reformó como un conjunto solo de percusión en el nuevo milenio, expandiendo su paleta estilística con diversos elementos de varios géneros: drones, técnicas de "phasing" tomadas del minimalismo académico, tambores tribales, 'ritmos curativos' chamánicos, etc.

Cod: #1745

Flying Saucer Attack - Flying Saucer Attack (1993)

Esta música tiene roces con lo experimental pero también con el rock y hasta el pop, por lo que por más que se inmiscuya en saturados fuzz de guitarras y ecos efervescentes, aun así se pueden encontrar canciones de cierta forma todavía accesibles, con cantos que se pierden entre tanta suciedad pero que canturrean melodías accesibles en forma de canciones. Es un estilo que ha dejado de lado el virtuosismo pero de alguna manera todavía mantiene la magia del arte de ecos pasados, con efectos, ecos, acoples, algunas experimentaciones, uso saturado de fuzz, etc., incluso véase los tracks llamados "Popol Vuh 1" y "Popol Vuh 2", que son tributos directos a los ahora mucho más conocidos maestros alemanes del krautrock.

Esto es algo extraño, en cierta forma accesible pero todavía rudimentario y casero, con voces que se escuchan a un lado, sin preponderancia sino con un dejo que las mantiene al costado, ahogadas entre tanto fuzz y ruido. La mayor parte del disco trata de canciones pero aquí no todo es canción, presentan algunos momentos experimentales bastante deliciosos, como el tribal ‘’Moonset’’, o los interesantes "Popol Vuh 1" y "Popol Vuh 2" que se vuelven viajes cósmicos aun sin haber dejado de lado la suciedad y la poca fidelidad del sonido.  Incluso en ‘’The Drowners’’ redoblan la apuesta y prácticamente lo que se puede escuchar es una canción ahogada en más y más distorsión, prácticamente ya se trata de noise.

Es ese costado de vanguardia experimental el que salva al disco de la catástrofe, siendo otro punto llamativo en un disco extraño, con interesante experimentación y con canción que en su mayoría suenan todas a lo mismo, por un lado repetitivas y monótonas, con poca imaginación compositiva, lo que empeora con la poca calidad de audio, el cual pudo haber sido grabado con amplificadores para nada costosos. Aunque por otro lado es una experiencia que en su limitación se vuelve interesante si se la sabe apreciar, el uso excesivo del fuzz y distorsiones le da un carácter extraño a todo, especialmente a las canciones de las cuales las voces apenas se logran escuchar, por momentos cerca del noise.

Es una experiencia incomoda pero que tampoco busca mostrar una cara accesible, es un sonido casero e intencionado para ser eso mismo, de los bajos, con arreglos comunes y para nada sobresalientes, pero sumergidos en un aura de decadencia total que dotan al sonido de un misterio extraño. No es necesariamente malo, es bajo en recursos técnicos y musicales, pero eso es compensado con una visión artística que hace desarrollar todo en un aura gris y con acercamiento a la vanguardia. Los ritmos son a veces indefinidos pero continuos e hipnóticos, es rock pero fue publicado en la era del auge del shoegaze, por lo que tiene su relación con el estilo, también hay pop y space dando vueltas por ahí.

También conocido como Rural Psychedelia, el primer álbum de Flying Saucer Attack fue lanzado en 1993 después de un par de sencillos que se agotaron instantáneamente. Lanzado en el apogeo del auge del shoegaze, el álbum es una mezcla de memorables canciones fuzzed out y garabatos instrumentales extravagantes.

Flying Saucer Attack fue una banda de rock espacial experimental que se formó en Bristol, Inglaterra en 1992. David Pearce fue el miembro principal del grupo, y Rachel Brook (de Movietone , otra banda de Bristol) fue miembro durante la mayor parte de la vida de la banda.

La banda estuvo marcada por voces tranquilas y hojas de comentarios con similitudes con las bandas de shoegazing contemporáneas, o The Jesus and Mary Chain. Flying Saucer Attack pudo crear una base de fans pequeña pero entusiasta como una de las bandas experimentales más notables del momento. La banda se destacó por grabar la mayor parte de su producción en casa en un sistema estéreo doméstico normal, evitando los estudios de grabación tanto como pudieron. Esto le dio a su música una sensación de bricolaje y les dio la libertad de experimentar todo lo que quisieran.

Cod: #1744

Pettinato & The Pessi-Mystics - El Yo Saturado (2000)

Esta no es una obra exclusivamente psicodélica, aunque algo de eso hay dando vueltas en su sonido, el cual básicamente posee algunas miras pero principalmente cuenta con su propio estirpe, surgido de la combinaciones de las diversas visiones aportadas por los distintos músicos, y surgido además del hecho de que las grabaciones para este disco fueron realizadas en dos sesiones espontaneas, según se dice sin ensayos y con músicos reunidos para la grabación sin haberse conocido previamente. Por lo que ya tenemos el elemento de la aleatoriedad y la búsqueda desde la sesión grabada en vivo, con sus improvisaciones y sus creaciones espontaneas y sus encuentros y sincronías que funcionan al momento y que seguramente no puedan volver a ser repetidas. Se trata de un momento justo y de un lugar indicado en el que todo ocurrió como debía ser, y finalmente así fue publicado.

La mayor parte del cuerpo sonoro del disco son pistas de una especie de rock alternativo sobrecargado de distorsiones, hasta el bajo por momentos pareciera distorsionado, con un sonido ruidoso que sobrecarga la escucha y casi que sobrepasa la altura de las voces. Los temas son concisos y contundentes, poseen arreglos melódicos en voz con formas reconocibles e incluso agradables, aunque muchas veces los temas cuentan con esa dosis de apertura instrumental venida de la medida de la improvisación y la libertad con la que se ejecutó las piezas, por lo que en general las canciones son travesías que van transitando por diversos estados y funcionando en diferentes carismas internos, variando en intesisdad y ejecución, siempre dentro de la canción, sucia y alternativa.

Los temas son solemnes, oscuros, anti comerciales por naturaleza, con voces que cantan algúna pena o maldición con tonos oscuros. Hay influencias del rock alternativo, del post-punk, tal vez seguramente de la psicodelia, krautrock y del rock, y en menor medida del blues/rock. En los títulos de las canciones hay referencias a otras bandas, con nombres de temas como ‘’Joy Division (Three In The Morning)’’, ‘’Z Z Top Taxi Driver’’ o ‘’Color Humano’’. 

Aunque haya sido un álbum poco planeado previamente, es obvio que se trata de un lanzamiento con mucho para decir, con mucho contenido moral o anti comercial, y con mucho contenido cultural, desde las influencias, visiones, planes, creaciones, inventos como la pieza acústica ‘’Cuando Sea la Última Vez’’ que se asemeja tal vez al krautrock, siendo todo ejecutado por músicos de gran nivel, lo que propició el desarrollo de este experimento y permitió la creación espontanea del mismo.

El espíritu del disco fue aportado en parte por Roberto Pettinato, músico argentino conocido en el under y el rock alternativo argentino, con una carrera solsita interesante y conocido muchas veces por haber sido saxofonista de la banda argentina Sumo. Pettinato en noviembre del año 2000, junto a José "Pepe" Navarro, planearon y dieron forma un proyecto musical fugaz que terminaría conformándose como ‘’Pettinato and the Pessi-Mystics’’. El proyecto terminó integrado por los nombrados Pettinato en guitarra, saxo y voz, Javier Saiz en guitarra, Salvador "El Rojo" Agustoni en bajo y José Navarro en batería. Finalmente Peter Bearish y los hermanos Gonzalo y Coco Rainoldi colaboraron también en las grabaciones del disco.

Si el disco tiene su suciedad y su sonido particular, es que fue en realidad grabado y mezclado para que suene de esa forma. Grabando en Estudios el Pie durante 4 sábados de noviembre del año 2000. Concepto Produccion Musical Pettinato, Blondeau & Gonzalo, produccion General por Pettinato. Lo mejor de esas sesiones experimentales fue extraído y presentado como finalmente se lo conoce como ‘’El Yo Saturado’’. El disco fue lanzado a principios del 2001 con una tirada relativamente pequeña por el sello discográfico de Seattle, Dadastic! Sounds, hoy difícil de conseguir. A pesar de haber conseguido buenas críticas el disco no sobrepasó la atención de las fronteras de la limitada escena de rock alternativo de América del Sur. 

De todas formas, Pettinato, uno de los creadores e ideólogos del trasfondo del concepto y sonido desde disco, siempre se ha manifestado con un espíritu crítico hacia algunas convecciones, reflejandolo principalmente en su música solista, con discos como este dentro del terreno de lo alternativo o lanzamientos y exploraciones hacia terrenos de la vanguardia y el free jazz. La premisa alternativa, under y anti comercial ha sido la búsqueda artística predilecta por el artista, y seguramente para la ocasión de ‘’Pettinato and the Pessi-Mystics’’ no haya sido la excepción en cuanto a su postura y la de sus compañeros de proyecto.

Una curiosidad es que en el disco, Pettinato toca la guitarra eléctrica y se ocupa de las voces en las canciones, todas en idioma inglés,  pasando el rol de su saxo a un plano secundario, apareciendo solo en un par de temas y sin un rol tan preponderante. La banda no prosperó mucho más que para el lanzamiento de este disco, las obligaciones de Pettinato con su carrera televisiva, hicieron que esto sea imposible y la banda se disolvió poco tiempo después. 

Cod: #1743

Hypnotic - Invitation To Get Elevated Up To The Lisergic Sensation Of Floating And More (2005)

En esta oportunidad les traigo una historia local, del under creativo de la musica rock y pop de mi ciudad natal, Pehuajó. Nicolas Zunino presentó en 2021 una reedicion digital de su disco de 2005 ''Invitation To Get Elevated Up To The Lisergic Sensation On Floating And More'', el cual he decidido reseñar para esta ocasión y con motivo del cumpleaños de Nicolas. Nicolas es creador del sello discografico Las Hojas Records que pueden seguir en instagram -> Las Hojas Records.

En Pehuajó (Prov. Buenos Aires, Argentina) cosas pasan, la escena local rockera de la ciudad últimamente ha experimentado cierto acrecentamiento por la aparición de algunas bandas, proyectos y lugares varios para poder hacer música en vivo o grabar, algunos proyectos que están, otros que siguen y otros que no seguirán, pero hubo movimiento y lo habrá por un buen tiempo, impulsado en buena medida por gente joven. 

En ese contexto podemos hablar de algunos emprendimientos impulsados por el músico y dueño y administrador de su propio estudio de grabación y sellos discográficos, Nicolas Zunino, ak Zunnio, quien nos trajo a esta pequeña ciudad el primer sello discográfico de la historia de la ciudad, ‘’Las Hojas Records’’, el primer disco compilatorio con música producida también de forma local, llamado ‘’El Eco Musical de las Hojas Audio Estudio’’, y además de contar con un estudio de grabación, llamado ‘’Las Hojas Audio Estudio’’, que también puede funcionar como sala de ensayo, un centro neurálgico para el arte de la ciudad, totalmente equipado, donde varias bandas solemos frecuentar en busca de un espacio para trabajar nuestra música.

Zunnio es creador de los dos primeros sellos discográficos de la ciudad, y es en esta base creativa donde el artista presentó en 2021 una reedición digital de uno de sus trabajos, un disco que grabó y presentó en 2005. ‘’Invitation to Get Elevated up to the Lisergic Sensation on Floating and More’’ fue creado por el proyecto ‘’Hypnotic’’, un dúo de forjadores talentosos de la canción y aledaños que crearon esta obra con antelación, influencia de la psicodelia de la época y emprendimientos que remontan vuelto hacia el dream pop y el Downtempo, de hecho todo el disco cuenta con esa dosis de solemnidad rítmica que invita a la movilización de las esferas internas hacia estados alterados, enarbolados con arreglos de sintetizadores, atmosferas con acercamiento ambiental, y voces perdidas en efectos que se funden con el sonido.

El trabajo está presentado en una serie de piezas con aire de canción, aunque estas muchas veces presentan algunas búsquedas estructurales que se salen de lo esperado, por lo que ya hay varios estados internos interesantes para explorar perdidos entre la instrumentación variada que presenta la obra. 

Los arreglos muchas veces se vuelven variados y complejos, funcionando sobre un andamiaje rítmico conciso y movilizador que invita a viaje, arreglos que van funcionando, mutando, apareciendo y sucediéndose como en un horizonte de sucesos sobre ritmos Trip Hop que no dan tregua en ningún momento. Todo el disco pareciera funcionar bajo esta perspectiva y premisa percusiva, mientras el viaje se propone ya desde el primer puñado de segundo del disco.

Los momentos ‘’trip’’ no faltan y todo el disco es un tránsito hacia otros estados. Sin ser psicodélicos en un sentido crudo o radical, todas las arremetidas del disco tienen esa cuota psych, una versión retorcida de sí mismos pero con perspectivas, no hacia lo oscuro ni hacia la locura vanguardista, sino hacia la luz y la fluidez de armonías y los ritmos. Son nueve pistas las que componen el disco, la mayoría instrumentales o con voces de ornamento y no necesariamente cancioneras, todas escenas hipnóticas que conducen al ser a un viaje suave con ritmos concisos y directos, donde las armonías de sintetizadores son los impulsores principales en la travesía. 

Sin ser krautrock ni estar influenciado por el género, recuerda con ciertos pasajes al estilo, los sintetizadores cumplen un rol principal en este trabajo. También aparecen desde la electrónica algunos efectos agregados, además de percusiones, guitarras de todo tipo, teclas, sampleos y secuencia muy bien organizadas.

‘’Invitation to Get Elevated up to the Lisergic Sensation on Floating and More’’ cumple con su propuesta inicial, la invitación hacia obtener estados elevados de sensaciones lisérgicas. La premisa al acercamiento de la música preferentemente deba ser la relajación y la búsqueda de sensaciones, aunque también pueda ser bailar.

El trabajo fue grabado de forma privada y autogestionada en 2005, con trabajo de Sebastian Malugani en programaciones, bajo, teclas y coros, Nicolas Zunino en guitarras, voz y programaciones, y Natalia Crotti en coros. La tirada del disco fue limitada con una serie de 100 ejemplares, masterizado por Eduardo Bergallo y publicado de manera independiente en 2005. El disco fue reeditado en 2021 de manera digital y publicado digitalmente por el sello discográfico ‘’Las Hojas Record’’, propiedad de Nicolas Zunino.

Las siguientes son algunas palabras del mismo Nicolas Zunino sobre la creación del disco y sobre algún aspecto del mismo: 

‘’La idea del nombre tiene relación directa y simbólica con lo que nos generaba a nosotros la música que en ese momento estábamos creando. Eran noches de vino y largas cenas que derivaban en grabar canciones sin filtro. Una etapa de mucha libertad y noches. Qué representa la portada del disco? un estado. Mucha libertad. El proceso de creación y grabación fue por etapas y desproporcionadamente anárquica ya que nos juntábamos un jueves, zapábamos, grabamos y al otro jueves lo cerrábamos... así que asumo que se grabó en unos 4 / 5 meses pero solo 3 horas cada vez que nos juntábamos’’. 

Al momento de referire a las influencias musicales que marcaron su estilo, se regirio a lo siguiente: ''La musica de mediados de los 90s como Spaceman3, Spiritualized, MAssive Attack, Tricky etc.Jesus and mary chains, Chapterhouse, Stone Roses.''

Cod: #1742

The Flaming Lips - Zaireeka (1997)

‘’Zaireeka’’ es un álbum de The Flaming Lips que fue lanzado en 1997, básicamente un experimento muy particular que ha de haber generado miles de impresiones distintas de acuerdo a la experiencia de cada persona escuchando el disco, es que se trata de un lanzamiento que originalmente venia (y viene) dividido en cuatro discos diferentes, ni más ni menos que cuatro discos, en los que el trabajo se divide en su totalidad, pudiendo escuchar la obra completa al reproducir dichos cuatro discos al unísono. Aunque una de las particularidades que posee esto de estar dividido en cuatro CDs es que es posible además escuchar cada disco por separado, o también hacer varias combinaciones diferentes, algo así como ‘’elige tu propia aventura’’ pero con discos y música.

Otra particularidad que tiene este invento es que no todos los mix de los cuatro discos sonando al unísono realizados suenan igual, dependiendo de la edición, el formato y/o de la mano de cada personas al unir los discos, estos pueden sonar de manera diferente en sus diferentes apariciones en versiones online o en versiones oficiales en discos.

Por supuesto que con cualquier disco experimental surge la cuestión de que el público en su mayoría está acostumbrado a cosas fáciles de escuchar y por ende aceptar cualquier propuesta que se salga de la mera cancioncilla estándar y pegadiza.

Es difícil de imaginar cómo estos locos hicieron semejante experimento, como cuadraron y planearon, como confabularon cada instrumentación para que congeniara con las demás grabaciones y se sincronizara para funcionar en una sola cosa al unísono, a la vez que también siendo reproducido cada disco en particular se pueda tener una experiencia musical genuina y no algo incompleto. 

El trabajo es caótico pero tiene su orden, y es que dentro del experimento que es, no dejan de ser canciones con interesante métrica, melodías cantables, percusiones accesibles, aunque a la hora de los arreglos surge el ‘’problema’’, ya que hay varios elementos que se confabulan para funcionar en una sola cosa, y por momentos se puede apreciar esa sensación de ‘’experimental’’ tan preciada.

La escucha de la obra total es una buena experiencia en la que sumergirse, un sonido experimental explayado en canciones de punta, inventos trascendentales, creaciones ulteriores, con dosis de algo melódico que dejan un aire para sentarse y disfrutar de la experiencia, y todo un andamiaje funcionando al unísono que entre cuatro discos confabulados general una obra muy conmovedora.

Por momentos la obra es cohesiva, por momentos ocurren algunos desajustes (imposible detectar si es causa de la propuesta original o de un posible mal combinado), en general suelen aparecer los instrumentos y el canto, y por detrás algunos efectos psicodélicos tipo sintetizados o atmosféricos que pretenden acometer una suerte de acompañamiento delirante, generalmente lo logran.

En su momento poder reproducir la obra en su totalidad representaba un cierto problema de logística, y es que no cualquier tenía en su casa cuatro reproductores de sobra como para poder escuchar la obra completa al reproducir los cuatro cds originales. Hoy también parece haber conflicto con eso, ya que el cd dejó de ser, salvo por coleccionistas, un formato utilizado. Problemas que se resuelve hoy en día con el uso de música online o plataformas de música que puedan ofrecer la escucha de la obra ya completa y combinada en una sola música.

La obra es muy experimental pero en ningún momento se libera hacia la búsqueda caotica, todo termina conteniéndose en una muisca que aun siendo experimental también utiliza a la cancion como medio para expresarse y eso libera ciertos peligros perceptivos. Los cuatro discos pueden ser escuchados al unísono, pueden ser omitido uno, dos o inclusive tres de los cuatro discos. Aunque por muchos críticos fue bien recibido, el concepto de cuatro discos tocándose al mismo tiempo fue muy criticado.

La obra debe ser escuchada con cuidado y entendiendo lo que es, un auténtico delirio, un experimento que funciona entre vanguardias, caos, canción, psicodelias, electrónica, e inventos de toda índole. Este experimento no será apreciado por todos pero es una delicia a degustarse entre los asiduos de estos sonidos, las canciones no dejan nada que desear y el delirio instrumental está a la orden del día.

Cod: #1741