Walter Wegmüller - Tarot (1973)

En 1972, Rolf Ulrich Kaiser del sello ‘’Ohr’’ comenzó a idear una nueva música de rock alemana, la música kosmica, como una respuesta a los sonidos predominantes de rock de por aquellos años y además como manera de enriquecer el rock alemán y buscar una esencia propia. Tal fue el legado de este proyecto que alcanzaron a crear toda una escuela es su país y lograron crear ese mote de ‘’música kosmica’’ para referirse a ese sonido tan característico de rock libre fusionado con sintetizadores y ejecutado en sesiones por músicos preferentemente bajo influencia de alucinógenos. Para poner en práctica su proyecto, Rolf Kaiser fundó su propio sello y lo llamó "Cosmic Couriers". El nombre de "Cosmic Couriers" es una actitud mental que surgió durante los años 60.

Rolf Kaiser contó con el apoyo de músicos de la escena local que no dudaron el sumarse a la esencia de la propuesta, entre los que aparecían luminarias como Klaus Schulze o Manuel Gottsching junto con todo Ash Ra Tempel. El proyecto realizó varios lanzamientos, el primero de ellos fue "Seven Up" publicado por Ash Ra Tempel en 1973 y que contaba además con la participación del gurú de la psicodelia norteamericana Timothy Leary. También contaron con la participación del artista Sergio Golowin para el lanzamiento del disco ‘’Lord Krishna Von Goloka’’ den 1973.

Otro lanzamiento del sello fue ’’Tarot’’ de 1973, un disco creado y dirigido en torno a la figura del artista gitano suizo Walter Wegmuller quien había diseñado un conjunto de 22 cartas del tarot. Su amigo Timothy Leary le presentó a Rolf-Ulrich Kaiser de Ohr Records en Alemania, y se acordó que Wegmüller grabara un álbum sobre el tema del tarot. El álbum fue grabado en 1972 y lanzado en 1973, y originalmente el lanzamiento de vinilo de época consistió en una edición limitada en formato caja que traía el juego de Tarot diseñado por Walter Wegmüller. Wegmüller recita historias sobre cada una de las cartas del tarot del álbum.

El disco ’’Tarot’’ contó con la participación de músicos de la escena asociados a Kaiser, entre los que aparecían nombres como: algunos miembros de Ash Ra Tempel como el guitarrista Manuel Gottsching y el bajista Hartmut Enke, algunos miembros de Wallenstein como Harald Grosskopf en batería, Jerry Berkers en bajo, Jurgen Dollase en teclados y Walter Westrupp en partes acústicas, además de aparecer el mítico Klaus Schulze en sintetizadores y percusiones.

El trabajo es un ejemplo directo del sonido electrónico cósmico del Berlín de la época, con los clásicos atascos trippys plenos en guitarras eléctricas y sintetizadores pintando escenas cósmicas, experimentación con alucinógenos y búsquedas espirituales inmiscuidas en las sesiones que en muchos casos eran improvisadas, donde también el rock tomaba una preponderancia importante desde su rol en guitarra eléctrica. Algunos atascos del disco son esencialmente eso, atascos que evidencian la influencia de la psicodelia por lo improvisado y cósmico del asunto, a puro solo de guitarra y delirios con sintetizadores. Aunque no todo en el disco cae en esa fórmula infalible, hay algunas variantes más calmas, momentos pastorales, momentos de piano y otras variantes en formas más meditativas y no tan convulsas.

El trabajo originalmente fue una lanzamiento de vinilo doble, compuesto en su totalidad por veintidós piezas creadas para representar las veintidós cartas del juego original de tarot creado por Wegmuller. El trabajo está compuesto por una gran cantidad de piezas, en su mayoría de corta duración, con muchos momentos ajetreados en los que la banda se enlista en los atascos típicos del género, todo el trabajo es un reflejo de esta búsqueda cuasi improvisada, apareciendo el uso de secuenciadores y recitaciones en alemán.

Aunque de alguna manera este sonido era una respuesta a la invasión de los típicos sonidos de rock norteamericanos e ingleses de la época, aun así el blues supo hacerse presente de alguna manera en la producción, apareciendo desde la guitarra eléctrica en forma de solos, riffs y acompañamientos, otra influencia heredada de la psicodelia que se caracterizó por eso mismo, los atascos de rock libre con predominio de la guitarra eléctrica.

Otros de los ‘’proyectos’’ del sello "Cosmic Couriers" fue el lanzamiento realizado bajo el nombre de Cosmic Jokers, un supergrupo fantasma compuesto por los artistas eventuales del proyecto, Klaus Schulze, Manuel Gottsching, etc, que eventualmente se reunían a realizar zapadas e improvisaciones colectivas en fiestas y reuniones. Kaiser tuvo la idea de tomar algunas grabaciones de esos eventos para publicarlas bajo el nombre de Cosmic Jokers y sin el consentimiento de los participantes. Los músicos afectados, y en particular Klaus Schulze, estaban lejos de estar impresionados con el lanzamiento de este material por parte de Kaiser y tomaron acciones legales. Como resultado de esto, los contratos de Kaiser con sus bandas fueron anulados por los tribunales alemanes, lo que significó el final del sello "Cosmic Couriers".

Cod: #1616

Pekka Airaksinen - One Point Music (1972)

El finlandés Pekka Airaksinen, además de ser conocido por ser uno de los miembros fundadores del controversial grupo The Sperm en 1967, la cual fue su primera banda. Los conciertos del grupo presentaban artes escénicas de confrontación, lo que resultó en el arresto de dos miembros por simular relaciones sexuales y proyectar películas pornográficas. Tras la ruptura de The Sperm a principios de la década de 1970, Airaksinen se volvió hacia el budismo y dejó de hacer música. Comenzó a coleccionar arte tibetano y fundó Tibet Art Center en Loimaa.

Pero antes de dejar eventualmente la música publica, en 1972, su primer disco solista, ‘’One Point Music’’, ya mostrando alguna reminiscencia temprana a la espiritualidad y a búsqueda aurea pero aun estando totalmente ligado al mundo de la experimentación, la electrónica, el vanguardismo y con su aun espíritu rupturista contestatario que lo llevó a manifestarse al comienzo de su carrera y que hasta entonces todavía se mantenía.

‘’One Point Music’’ es una colección arremetidas experimentales que funcionan en el ámbito de la electrónica experimental ligada al vanguardismo y las búsquedas electroacústicas, siendo todo el trabajo un conjunto de grabaciones realizadas durante diferentes momentos y años, lo que da como evidente resultado el carácter de amplitud que hay en las diferentes propuestas, aunque también el sonido está armonizado en una misma propuesta, por lo que todo parece funcionar bajo una misma aura de perversión.

El trabajo parece tener un valor de fetiche dentro del ambiente, por el carácter tan peculiar de la propuesta al no pertenecer necesariamente a un movimiento. Es un experimento muy personalista en el que el creador manifiesta sin resquemor sus ocurrencias y todo se desarrolla en esa aura, hay momentos de todo tipo con quejidos, ruidos y arremetidas diversas, acoples, quehaceres sonoros filtrados bajo extraños momentos aurales, inventos sonoros, etc.

También hay algunas ejecuciones de instrumentos como slides de guitarra o percusiones indefinidas, que suman al caldo de cultivo que es toda la propuesta y a la variedad de la misma en las diferentes piezas. Pareciera estar emparentado a la música concreta, al arte libre, a concepciones de creación que no tienen que ver con la música tradicional o popular sino más bien con maneras de concepción propias del autor y que tienen lugar en pequeños eventos de significancia creativa sumado a las ocurrencias que puedan ir surgiendo en el intento. 

Las siguientes son palabras de un pianista llamado Ilpo Saunio que aparecen en la cotraportada del vinilo original:

''Visto externamente, las composiciones de Pekka Airaksinen no son inusuales ni nada excepcionalmente brillante que lo eleve por encima de sus contemporáneos: personas como Pierre Schaeffer, Luc Ferrari, Luciano Berio, Gottfried Michael Kénig, Karheinz Stockhausen, Yannis Xenakis, John Cage, solo por mencionar algunos. Visto musicológicamente, sus composiciones se basan en una escuela de música concreta parisina de los años 40, también influenciada por la profundidad estética de las cintas antitradicionales que nacieron en un estudio de KoIn en los años 50. Su música también está desarrollando un mecanismo paralelo de repetición, iniciado por Terry Riley en los años 60, el mismo estilo también común en las pinturas de Andy Warhols. Las composiciones también desodorizan (sic) el realismo cotidiano de John Cage.

La autosuficiencia en las producciones de P. Airaksinen se expresa de manera concreta. Es una de las primeras personas en demostrar que no se necesitan necesariamente miles de marcos en equipo musical para producir música electrónica. Airaksinen trabaja con equipos que están disponibles para casi todos, como televisores o lavadoras. Mirando hacia atrás en el concepto de apertura artística que Lindsten mencionó anteriormente, lo nuevo que se esconde detrás de la música de P. Airaksinen cobra vida como una paradoja del micromundo. Hoy la física, además del macro mundo, está familiarizada con los micro y mega mundos, que no obedecen las leyes básicas de la física o la mecánica. Además, el mundo biológico también se puede dividir en el mismo tipo de sistemas: la sociedad es una especie de segundo mundo de multiplicidad / orden que obedece a las leyes de la cibertecnología y, en consecuencia, el sistema nervioso humano es capaz de formar un microsistema propio, cuyo comportamiento no obedece a la lógica humana como macro-ser.

Escuchar música de Sisyfos abre las puertas al micro mundo del ser humano al igual que los sueños, algunas sustancias químicas o la intuición del artista. El famoso Gesang der Junglinge de Stockhausens del año 1955 consta de 11 elementos musicales diferentes y 6 texturas creativas. Estos ingredientes se manipularon de acuerdo con ciertas sistemáticas, y el resultado fue finalmente una composición. En la obra de P. Airaksinen, el término "componer" se vuelve irrelevante, pero de todos modos, permanece como música. La música de Sisyfos no obedece a las mismas leyes que “Tapiola” compuesta por Sibelius, de hecho no obedece ninguna ley conocida en el micromundo humano. Se podría afirmar que la materia crea una forma por sí misma y el espacio entre estos dos estados se está deslizando, de la misma manera que con el dualismo en las partículas fundamentales del micromundo.

El carácter distintivo de la música de P. Airaksinen se expresa en la composición "Sadetta" en la que se colocó el micrófono bajo la lluvia. Lo más característico de este disco es que está más relacionado con la noche que con el día. La pista "Mooning" se creó, por ejemplo, durante la noche; Por tanto, el compositor afirma que su relación con la música y la creación cambia durante la noche.''

Cod:  #1615

Francesco Messina & Raul Lovisoni - Prati Bagnati Del Monte Analogo (1979)

‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’ se encuentra a medio camino entre el minimalismo, el vanguardismo y el new age ambiental, tomando de todos estos aspectos elementos inconfundibles para explayarlos de manera personal en forma de experimento dentro de la vanguardia italiana.

Originalmente el álbum fue un intento de trabajo solista de Francesco Messina. Franco Battiato, el productor del disco, quiso publicarlo junto a una serie de lanzamientos bajo el sello Cramps. Messina propuso involucrar en el proyecto a Raul Lovisoni y Battiato aceptó, así se le fue otorgado a cada artista un lado del vinilo original.

El disco fue publicado originalmente en 1979 por el legendario sello Cramps, en el marco de una serie encargada y dirigida por el mismísimo Franco Battiato, quien es quien estuvo detrás de la producción de este disco, así como también de otros discos como ‘’Motore Immobile’’ de Giusto Pio.

Esta obra, de significancias intrínsecas y ocultas en lo onírico del ser, se inspiró abiertamente en la novela metafísica inacabada “Le Mont Analogue” del escritor francés René Daumal, autor que por muchos años fue estudiante y discípulo del enigmático maestro espiritual armenio Georges Ivanovich Gurdjieff, maestro quien a su vez, en ese momento, había cautivado a Battiato, quien, encargado de la producción, no dudó en dotar al sonido del disco de dichas influencias espirituales.

El disco es uno de esos trabajos que ofrecen una música que implica y exige una escucha atenta para poder apreciar la belleza que posee inmiscuida entre tanta imaginería compositiva. Es una música onírica, de ensueño, capas de trasportar al oyente a estados aun por explorar.

El estilo ofrece una creación que utiliza el minimalismo y las formas de drone para crear auras místicas, con ciertas reminiscencias a estilos también espirituales como la música hindú, utilizando la vanguardia y reutilizándola para dar forma a una creación de origen nuevo.

El sonido ofrece su encuentro con el vanguardismo pero este mismo no se vuelca de forma bruta o en forma de libre improvisación, sino que es también reinterpretado bajo miras espirituales, por lo que los elementos y aplicaciones son concebidos de forma calma, estando al servicio de una música de introspección.

El lado A del vinilo original está ocupado por ‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’, una pieza de veintitrés minutos de duración que abre el disco y plantea de antemano una suerte de viaje onírico entre sintetizadores y un piano que se fusionan en una danza enraizada de misterios y exotismo. El lado B del vinilo original estaba ocupado por las piezas ‘’Hula Om’’ consistiendo en el sonido de un arpa y ‘’Amon Ra’’ que funciona entre cantos y copas de cristal.

Se revela el minimalismo con una cara distinta a como se lo conoce, con una amplitud y una interacción armónica de como se lo conoce tradicionalmente, con melodías delicadas que varían sutilmente en el desarrollo, dando paso lentamente a un espacio abierto en constante expansión.

En cuanto a su rol dentro de la vanguardia el sonido marca una diferencia con los vanguardismos más rústicos de principios de la década, presentando un sonido seminal fino con roces con el new age que marcó un punto de inflexión para los sonidos venideros del vanguardismo italiano.

‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’ filosófica y espiritualmente es un producto del interés de Battiato y Messina por Gurdjieff, aunque es llamativo el hecho de que a Lovisoni no le interesaba la filosofía de dicho autor. Este factor fue determinante en la falta de un mayor vínculo creativo entre Lovisoni y Messina, de hecho este álbum fue lo único que los mantuvo unidos en algo.

Franco Battiato descubrió a Gurdjieff gracias a Roberto Calasso, director de Adelphi, quien en 1977 le dio a Battiato una copia del libro ‘’Meetings with Remarkable Man’’. En 1985, junto con Messina, Battiato fundó la editorial L’Ottava, la cual publicó trabajos de Gurdjieff y otros autores devotos del tópico de la búsqueda espiritual.

Cod: #1614

Joel Vandroogenbroeck & Carole Muriel - Images Of Flute In Nature (1978)

El belga Joel Vandroogenbroeck es un personaje que, al comienzo de su carrera, supo manejarse por lugares tempranos de lo que luego se conocería como new age, comenzando con sus primeros discos con su banda Brainticket, en los que, pese a estar ligado todavía en ese momento al krautrock, la psicodelia y los vanguardismo, ya demostraba esa tendencia hacia los espectros de la naturaleza y los ambientes espirituales en general, cercano a la espiritualidad, los textos sagrados como el ‘’Libro egipcio de los muertos’’, la meditación, la música ritual y demás incursiones propias de una vida de introspección y bohemia. 

Vandroogenbroeck se trasladaría a la isla lejana de Bali para aprender los instrumentos exóticos locales, y comenzar la planificación de su carrera musical personal, habiendo aprendido a tocar el sitar, arpa, piano de pulgar, todo tipo de instrumentos de viento y percusión, y atrapado por la música de Indonesia. Después de regresar de Bali, a mediados de la década de 1970, Vandroogenbroeck continuó colaborando con Brainticket.

Vandroogenbroeck estaba fascinado por la vida en la naturaleza y a eso lo reflejaba en su música, especialmente solista, explorando terrenos electrónicos con fusiones con imágenes de la naturaleza. ‘’Images Of Flute In Nature’’ de 1978, publicado en colaboración con Carole Muriel, es un ejemplo de esto, un trabajo erigido en base al interjuego del rol de su flauta con los espectros obtenidos de ambientes naturales, a lo que se le suman las aplicaciones electrónicas, dando como resultado una exploración bastante enriquecida por muchos elementos.

Lejos había quedado su primer lanzamiento solista de 1972, ‘’L'Immagine Del Suono’’, una publicación con tirada limitada y creada bajo las visiones de la música de biblioteca de la época, o sea creación sin limitaciones, especialmente para piezas de corta duración. Pero para su segundo trabajo solista el autor ya había transitado por la experiencia de Brainticket y por sus viajes por el mundo estudiando culturas de todo tipo, por lo que en su segunda publicación ofrece un cambio rotundo en cuanto sus sonidos primigenios respecta.

El sonido recuerda a muchos momentos de la discografía de Brainticket, ese costado más pastoral y místico, pero ahora estando totalmente alejado del rock como en dichos sonidos antecesores, ya en ambientes pastorales puros donde el quehacer multiinstrumentista del autor se hace lugar para ofrecer una amplia gama de texturas y aplicaciones que enriquecen este paseo por el bosque y la naturaleza. La escucha de ‘’Images Of Flute In Nature’’ es muy placentera y fácil de emprender, con auras y ambientes cálidos que inspiran a fabulas sobre hadas y duendes,  imágenes musicales que retratan la vida en plena naturaleza y continúan por la senda new age temprana emprendida por el autor. Los sintetizadores recobran un rol importante en la construcción de las melodías y las aplicaciones en los diversos pasajes de cada pieza, mientras que por supuesto es la flauta la que le termina de dar un toque cálido y áureo al sonido. Hay también arreglos de cuerda y agregados sonoros que simulan cantos de pájaros, siendo todo utilizado para construir momentos de magia con imágenes que conducen a la naturaleza.  

Este autor, junto a otros artistas europeos de calibres similares como los alemanes Deuter o Peter Michael Hamel, fueron artistas y músicos del mismo estirpe, creadores que representaron la faceta más espiritual de las corrientes vanguardistas europeas en cuanto al encuentro o influencia tomada del krautrock y la fusión de la misma con sus estilos pastorales y espirituales, dando como resultado músicas por demás experimentales, y espirituales a tal punto que consistían en sonidos que reflejaban esa cualidad de transmutación y sublimación fluyendo en sus fibras más íntimas. Aunque, de todas formas, ese carácter ritual de los primeros trabajos de Vandroogenbroeck se ve levemente desplazado en esta ocasión, para aparecer también la mitología nórdica, véase la pieza llamada ‘’Hobbits’’.

Este es el único álbum que publicaría con Cenacolo Records. Era el renacer de su carrera como solista, que había tenido un ‘’exabrupto’’ como comienzo, pero que ahora resurgía d con mayor fortaleza, publicando no solo este sino un sinfín de trabajos más, ya sumergido en un estilo espiritual new age, aplicando todo su conocimiento como multiinstrumentista y refrescando en la memoria de su música una sensación espiritual que marcaría fuertemente su estilo musical. Después de eso, Vandroogenbroeck firmó con la compañía discográfica Coloursound Library y comenzó una serie de trabajos de estilo musical ambiental.

Cod: #1613

Master Wilburn Burchette - Psychic Meditation Music (1974)

Wilburn Burchette fue un extraño personaje del under de California, autoproclamado maestro espiritual, y un artista que utilizó a su música y reflejó en la misma todo el mundo místico que poseía y pretendía transmitir, por lo que básicamente toda su música fue creada en base a las experiencias místicas y la meditación, ofreciendo al oyente un sonido relajado y en el cual es fácil perderse debido a que el mismo fue creado para ofrecer un momento de sobrecogimiento y meditación silenciosa, que a su vez es guiada por la música existencialista del autor. No es una música de recreación, divertimento ni mucho menos, es una música creada exclusivamente para ofrecer un espacio de meditación al oyente, suscitando un terreno fértil de experiencias, momentos sin nombre y encuentro con otras realidades. 

Desde apenas los doce años, Burchette había estado deslumbrado por lo parapsicológico, pasando tanto tiempo leyendo libros sobre los fundamentos del misticismo tibetano como practicando la guitarra, cuyas vibraciones usaba para crear imágenes y patrones tonales. Después de un tiempo dedicado a enseñar guitarra clásica, el maestro Wilburn Burchette usó sus habilidades en guitarra y las combinó con su fascinación y conocimientos por el misticismo para crear una música que unía estos dos polos, unificándolos en una sola experiencia.

El autor fue conocido por primera vez por sus anuncios, escondidos en las últimas páginas de revistas como Fate Magazine, Beyond Reality y Gnostica News. Ofrecía en oferta el “Curso de meditación psíquica”, diseñado para enseñar a las personas a escuchar música y a meditar. Para acompañar sus lecciones, Burchette vendía una serie de discos con su música, diseñada a acompañar la experiencia del curso, discos con diseños de portadas ornamentados con dibujos a mano, y música especializada para la ocasión. Burchette lanzó siete álbumes en los siete años que abarcan desde 1971 hasta 1977, todo rondado el mismo tipo de música cósmica, psicodélica, meditativa y ritual.

Sus primeros trabajos consistieron en la música acústica instrumental que el autor creó, en base a patrones de ejecución e inventos acústicos con aires siempre místicos, pero para su álbum ‘’Psychic Meditation Music’’ de 1974 su música cambiaría hacia otra propuesta, la electrónica, aunque sin salirse nunca de ese horizonte de eventos místicos que ofrecía con su estilo y que no dejaría atrás en sus discos pese al cambio de sonido.

Es un estilo electrónico también meditativo que sigue ofreciéndose como base para experiencias y meditaciones, no cerca del estilo de space o del krautrock, ni de los vanguardismos, es más bien un invento de estilo propio donde el autor crea su propio sonido mediante la libre ejecución e interrelación de sintetizadores sonando a la vez, creando así un campo abierto que propicia la libre relación y vislumbramiento del viaje interno.

Las siguientes son unas palabras que aparecían al reverso del vinilo original de época, tanto una introducción como unas instrucciones de uso de la música del disco con meditación:

''Este fantástico disco estéreo, ofrece una orquesta completa de instrumentos sintetizados de forma conjunta para crear una música transcedental para la meditación profunda. El trabajo está basado en los siete chakras o centros de conciencia espiritual del yoga, y se presenta en dos partes ininterrumpidas, 'Yin' y 'Yang'. 

Yin cubre los 4 primeros chakras empezando por el centro base de Muladhara. Aquí se despiertan fuerzas psíquicas vitales para que fluyan hasta la parte superior del cerebro. A continuación está el chakra denominado Svadhisthana situado ligeramente encima del Muladhara y es el centro de la creación. El tercer chakra es Manipura donde se sienten las sensaciones instintivas. Este centro está ubicado en el plexo solar. El clímax de 'Yin' llega en el centro del corazón denominado Anahata, este es el centro del yo cósmico que origina una sensación suprema de felicidad y bienestar.

Yang comienza en el quinto centro de Vishuddha que se encuentra en el área de la garganta. Una vez más, las fuerzas psíquicas se recogen para su flujo ascendente final. A continuación, está el Ajna Chakra que está entre las cejas, este es el centro de la mente, el sensorio. "Yang" alcanza el clímax en el Chakra superior del cerebro llamado Sahasrara o el Loto de los Mil Pétalos. Este es el centro supremo de la Conciencia Trascendental.

INSTRUCCIONES por el maestro Wilburn Burchette

Antes de escuchar la música, le sugerimos que se tome cinco minutos para relajar completamente el cuerpo y la mente (para aquellos que estén familiarizados con mi curso de Meditación Psíquica, consulte la Lección Cuatro). Siéntese en una silla cómoda o puede usar la posición de loto de los yoguis. Debe estar en una posición completamente relajada con los ojos cerrados. Ahora, permita que las aguas fangosas tanto del cuerpo como de la mente se asienten. Vacíe el cuerpo de todo control consciente, esfuerzo y tensión. El método más sencillo es observar mentalmente cada parte de su cuerpo. Empiece con los pies y trabaje lentamente hacia arriba. Reconozca para sí mismo: | relajar completamente mis pies, | relajar completamente mis piernas. Continúe este proceso lenta y deliberadamente por todo el cuerpo. Asegúrese de que cada parte de su cuerpo está libre de tensión y completamente relajada. Una vez que haya logrado esto, reconozca que su cuerpo permanecerá relajado incluso mientras se mueve para comenzar la música. Sería mejor tener el fonógrafo a mano para que se necesite muy poco movimiento para iniciar la música.

Además, recomendamos encarecidamente el uso de auriculares estéreo. Tienen dos ventajas muy distintas sobre los altavoces: eliminan las distracciones no deseadas y saturan su ser con vibraciones. Sin embargo, si no tiene auriculares estéreo, los altavoces funcionarán muy bien. Cuando comience la música, reanude su postura meditativa y relájese por completo. Lo mejor que pueda, elimine todo pensamiento consciente. Permita que su mente se relaje y se quede en blanco. Observe y tome conciencia de la música como un flujo de sentimiento puro. Permita que la música lo toque para que pueda sentir y tomar conciencia. Deje que penetre en tu Ser Psíquico, NO ESCUCHE LA MÚSICA, SIENTALA. Siente lo que escuchas y el universo dirá su nombre.''

Cod: #1612

Deuter - Aum (1972)

El alemán Deuter es un personaje del calibre de artistas como el alemán Peter Michael Hamel o el belga Joel Vandroogenbroeck, todos artistas y músicos creadores que representaron la faceta más espiritual de las corrientes vanguardistas europeas en cuanto al encuentro o influencia tomada del krautrock y la fusión de la misma con sus estilos pastorales y espirituales, dando como resultado músicas por demás experimentales, y espirituales a tal punto que consistían en sonidos que reflejaban esa cualidad de transmutación y sublimación fluyendo en sus fibras más íntimas. 

Eran los primeros años de estos artistas y por lo tanto aún tenían ese inamovible fervor creativo que suelen poseer los artistas en general y especialmente en sus orígenes, siendo jóvenes repletos de rebeldía y de sed de romper los esquemas establecidos, antes de caer, con el paso de los años, en la monotonía en sus carreras o en una búsqueda de formas no tan osadas o rupturistas devenida del saber que seguir experimentado más de la cuenta podría generar en un desastre económico.

Esa generación de músicos europeos se supo codear con el rock, el krautrock, los vanguardismos, y también coincidieron al unisonó en la fascinación por las cultura de oriente de tipo Hindú y todo su misticismo ritual, con sus ragas y sonidos espirituales y toda su búsqueda de lo interno, influencia que dio como resultado una serie de trabajos, especialmente solistas, en los que la música consistía prácticamente en rituales experimentales, búsquedas que se salían de los parámetros de la música de rock estándar de la época, ofreciendo un sonido que se desarrollaba a la manera en que el artista concebía la creación y la progresión del sonido, bajo su propia mirada y concepción.

Era la generación europea que más estaban transmutando los viejos dogmas morales heredados de las generaciones anteriores, ofreciendo un sonido que cada vez más se salía de los causes convencionales, apareciendo en sus sonidos pastorales las fusiones con la música electrónica, las implementación de instrumentos exóticos tipo sitar y su correspondiente inclusión de estilos y ambientes afines, además de sus correspondientes propuestas en lo experimental, lo que hacía que todos estos elementos converjan en una sola cosa, variando en intensidad y protagonismo de cada elementos de acuerdo cada pieza del disco. 

‘’Aum’’ es el segundo álbum de estudio del compositor alemán Deuter, ya en plena búsqueda de lo invisible a través de sus músicas, por lo que aquí no hay canciones propiamente dichas sino exploraciones instrumentales que vagan por mundos de exotismo y ritualismo. Se ofrece un estilo de música experimental muy variada, eventualmente transitando por momentos pastorales acústicos, apareciendo momentos electrónicos otro, brotando la música tipi hindú en otra pieza, etc., siendo así todo el disco una sucesión de inventos de variada índole desplegados a lo largo de todo el tiempo y espacio. 

El estilo tiene elementos de música new age, pero por la época el artista estaba más ligado al krautrock, todavía incursionando con la experimentación instrumental y la aplicación de sintetizadores (mucho menos presentes en este segundo disco como lo es en su disco debut), y con búsquedas de ambientes dentro del estilo, apareciendo guitarras eléctricas y acústicas, órganos y los nombrados sintetizadores. En este trabajo al autor presenta un enfoque diferente del que había sido su debut, ahora más ligado a las músicas del mundo y a la inclusión de ese exotismo cultural a sus sesiones. Es un repertorio orgánico que se construye con aplicaciones provenientes de muchos instrumentos e inventos, siendo cada pieza diferente a la demás. No hay pistas largas en el trabajo, sino una sucesión de piezas de corta duración aproximadas en un continuo horizonte de eventos musicales afines.

Deuter se mantuvo en este ambiente de vanguardismo durante sus primeros trabajos pero pronto abandonaría esa senda para entrar en ambientes muchos más new age, más accesibles para el oyente pero menos experimentales u osados, aunque sin dejar atrás jamás la fusión de elementos musicales orientales y occidentales. ‘’Aum’’  fue su último lanzamiento antes de mudarse a la India a estudiar bajo las enseñanzas de un gurú espiritual. Durante los años 70 y 80, después de viajar extensamente por Asia en busca de inspiración espiritual y creativa, Deuter se instaló durante mucho tiempo en Pune , India , donde bajo el nombre de Chaitanya Hari se convirtió en neo-sannyasin.

Cod: #1611

Pandit Pran Nath - Earth Groove (The Voice Of Cosmic India) (1968)

Pandit Pran Nath no solo tuvo un rol importante en el desarrollo y promocion de la música clásica hindú en el mundo sino que también se codeó con el vanguardismo. Cuando se instaló en 1970 en Nueva York, para enseñar su estilo como artista y sus conocimientos como gurú, tuvo vínculo con muchas personalidades de la música vanguardista quienes acudieron a él convirtiéndose en sus alumnos, entre los que aparecían personalidades como los fundadores de la música minimalista La Monte Young y Terry Riley, y la artista caligráfica Marian Zazeela, quienes no solo se convirtieron en sus primeros discípulos estadounidenses sino que fueron Young y Zazeela quienes ayudaron a llevar a Pran Nath a los Estados Unidos en 1970. Otros de sus alumnos destacados fueron el trompetista Jon Hassell, las estrellas del jazz Don Cherry y Lee Konitz, los compositores Jon Gibson, Yoshimasa Wada y Rhys Chatham, los pianistas de new age Michael Harrison y Allaudin Mathieu, el matemático Christer Hennix, el artista conceptual Henry Flynt, la bailarina Simone Forti, y muchos otros más que aprovecharon para estudiar con el maestro.

Su estilo de música se centra en el canto, su estilo particular de canto que desarrolló personalmente, manteniendo las viejas tradiciones de la música de su país y reviviéndolas en nuevas performances a lo largo de la India como en muchas partes del mundo. Su música consiste en ragas, muchas veces de extensa duración, de corte tradicional, donde los instrumentos típicos, como los tablas y las tanpura, se vuelven acompañantes para que el maestro ejecute sus particulares cantos. 

Su adhesión intransigente a la interpretación auténtica de las ragas tradicionales y su falta de voluntad para cambiar su estilo para satisfacer los gustos modernos de elementos rítmicos y populares contribuyeron a su reputación como un "músico de músicos" acreditado con un voluminoso conocimiento de cientos de ragas y varias veces como muchas composiciones. Muchos cantantes profesionales de renombre, incluidos Nazakat y Salamat Ali Khan y Bhimsen Joshi, acudieron a él para perfeccionar su comprensión de ragas particulares.

El primer lanzamiento discográfico occidental del vocalista fue su ‘’Earth Groove (The Voice Of Cosmic India)’’, publicado originalmente en el sello Douglas en los Estados Unidos, en 1968. Este es otro fenómeno ‘’east meets west’’, pero donde el oriente, mediante su estilo puro y sin alteraciones, logra invadir y cautivar occidente, inmiscuyéndose en sus quehaceres artísticos, especialmente su vínculo con los vanguardismos y minimalismo fueron directos. Pran Nath ha diseñado un instrumento de dron continuo, del estilo del tanpura, basado en el diapasón, el Prana Nada. 

Este estilo continuo se puede apreciar en este disco, como un estilo de tanpura sonando de fondo, de manera continua y sin alteraciones ni pausas. Este sonido de drone interminable tuvo un impacto sobre el origen del minimalismo, sugiriendo un aire de ‘’proto minimalismo’’ en sus ragas y además marcando una relación con sonidos minimalistas futuros ya formados como en trabajos como ‘’Black Album‘’ de 1969 de La Monte Young, su primer lanzamiento discográfico donde experimenta con extensos drones sonoros (aunque el concepto lo había desarrollado desde su infancia). El mismo La Monte Young reconoce que el descubrimiento de la tambura, que aprendió a tocar con Pandit Pran Nath, fue una de las influencias decisivas en su interés por los largos sonidos sostenidos. Otro de sus alumnos, Henry Flynt, refleja esa influencia del estilo drone espiritual en su disco ‘’You Are My Everlovin / Celestial Power’’ de 1986.

‘’Earth Groove (The Voice Of Cosmic India)’’ consiste en dos extensos ragas ubicados uno a cada lado del disco, dos piezas laterales de extensión, un raga matutino y un raga vespertino. Los ragas suelen ser improvisaciones extensas y el autor en esta ocasión le hace honor a esa concepción, con dos ejecuciones que durante veintiocho y veinte minutos consecutivamente cada una. Musicalmente es un estilo creado especialmente para cantante, suplantando a instrumentos como el sitar o el sarod al recobrar el canto el rol de líder en la interpretación principal solista, con instrumentos acompañantes de fondo, apareciendo la tanpura que crea un drone cósmico que se repite hasta el infinito en una secuencia capaz de hipnotizar y conducir a estados alterados. 

Shyam Bhatnagar fue quien capturó estos ragas en una grabadora de casete barata en la casa de Pran Nath en Nueva Delhi a mediados de la década de 1960, quien llevó las grabaciones a Nueva York, haciéndoselas escuchar a La Monte Young, juntos organizaron llevar a Pran Nath a los Estados Unidos en 1970 para plantar las semillas de su música en Occidente. Desde entonces, ha actuado en todo Estados Unidos, así como en Alemania, Italia, Escandinavia, Irán y Francia, convirtiéndose en el exponente más influyente de la música clásica hindú de estilo Kirana. Su actuación matutina de 1971 en el Town Hall de la ciudad de Nueva York fue el primer concierto de Morning Ragas que se presentó en los EE. UU. 

En 1972, estableció su escuela en la ciudad de Nueva York, el ‘’Kirana Center for Indian Classical Music’’. En 1973 fue Artista en Residencia en la Universidad de California en San Diego y de 1973 a 1984, fue Profesor Visitante de Música en Mills College, Oakland, California. Pran Nath ha contribuido con muchas innovaciones al diseño de la tanpura. Sus tanpuras especiales sin barnizar "estilo Pandit Pran Nath" han logrado reconocimiento mundial. Posteriormente, presentó y elaboró a las audiencias occidentales el concepto de realizar ragas en el momento adecuado del día programando una serie completa de conciertos en horarios especiales. Muchos estudiantes y músicos profesionales han acudido a él en Estados Unidos para aprender sobre el vasto sistema de raga y mejorar su maestría musical.

Para la concepción oriental hindú este tipo de música forma parte de su quehacer diario pero para occidente puede que esto genere esa sensación de ‘’música cósmica o de alucinación’’, es que el propio sentido de esta música no está ligado a ocio y el entretenimiento sino que está vinculado con lo trascendental, la espiritualidad, el trance, la repetición o recitación de mantras sagrados, por lo que la música es en sí misma un reflejo de los estados religiosos de dicha cultura. 

Cod: #1610

Brother Ah - Sound Awareness (1972)

Robert Northern, conocido artísticamente como Brother Ahh, era compositor, flautista y trompetista e hizo su carrera en el mundo del jazz de vanguardia participando como músico de sesión para muchos iconos del jazz estadounidense, participando especialmente y más activamente de la Sun Ra Arkestra en algún momento entre 1964 y 1975, habiendo grabado extensamente con dicho grupo liderado por el mismo Sun Ra. 

Pero también, mientras tocaba en sus conciertos con Sun Ra, Brother Ah se estaba interesando cada vez más por los estilos culturales no occidentales y finalmente visitó y estudió en África durante los años 70. Además de contribuir a una gran cantidad de álbumes de otros artistas, incluido "Africa / Brass" de John Coltrane en 1961, "Tender Moments" de McCoy Tyner y "Orchestra In Town Hall" de Thelonious Monk.

En 1972 Norton comenzó a lanzar material bajo su propio seudónimo Brother Ah. Su primera grabación en solitario, ‘’Sound Awareness’’, fue lanzada en el sello ‘’Strata East’’ ese mismo año. De este lanzamiento participa tanto Brother Ah, como el percusionista Max Roach, además de la orquesta M'Boom, un ensamble creado por el mismo Max Roach y liderado, en esta ocasión, por Ahh, ensamble que estaba integrado por músicos de jazz y por un extenso coro de noventa miembros. 

M'Boom era un ensable creado por Roach, e integrado entre otros por nombres como Roy Brooks, Warren Smith, Joe Chambers, Omar Clay, Ray Mantilla y Freddie Waits, siendo un emprendimiento creado casi exclusivamente en base a instrumentos de percusión, era el apoyo perfecto para Brother Ah y sus sonidos experimentales.

El trabajo se divide en dos extensas piezas de alrededor de veinte minutos cada una, ocupando cada una de ellas un lado completo del vinilo original de época. La primera de ellas es ‘’Beyond Yourself (The Midnight Confession)’’, un track de música libre de jazz con aires espirituales y con un estirpe que lo aleja de las convenciones del jazz, siendo una pieza dividida en seis partes demarcadas por un silencio, siendo todo el sonido un viaje por los rincones de un vanguardismo con aires espaciales, y hasta psicodélicos debido a la aplicación de reverberaciones y efectos a los sonidos de los instrumentos, lo que le dota a la pieza de un aire místico, toda una experiencia por tierras de vanguardia.

La segunda pieza del disco, ‘’Love Piece’’, esta vez de dieciséis minutos de duración, ya salida del aire psicodélico y de los afectos agregados, pero permaneciendo de todas formas en la vanguardia, con instrumentaciones ya próximas a los vanguardismos de la Sun Ra Arkestra, en ambientes también libres donde todo el grupo se suelta en una ejecución sin ataduras ni preconceptos. Es una exploracion por terrenos de vanguardia, comenzando por momentos calmos que se suceden a un dialogo de Brother Ah recitando e interactuando con el coro del grupo.

El sonido de la segunda pieza es la que más emparentada está al sonido de la Sun Ra Arkestra, con ritmos afro y participaciones instrumentales y vocales del estilo, aunque, a pesar de las similitudes en el enfoque, la música no es una copía de la Sun Ra Arkestra, y en general no se parece a nada en su época, circulando siempre dentro del mundo de jazz afro, espiritual, ritual y vanguardista. También aparece el aire filosofico con Brother Ah recitando algunas palabras mientras le pide al coro que griten por ‘’love!’’.

En esta concepción del sonido prácticamente no hay armonías, o por lo menos no aparecen tal cual las conocemos del jazz más estándar. Surgiendo libres ejecuciones sobre terrenos de exploración sonora, donde cada participante toma un rol de significación para la construcción del sonido, aportando su improvisación en una construcción progresiva de este estilo de jazz libre espiritual. El mundo de lo ritual también está muy presente, surgido del misticismo afro, de las visiones filosóficas y culturales por acercamientos con culturas y religiones exóticas de raíces africanas. 

A Brother Ahh no le faltaba la influencia y la experiencia dentro de ese terreno y por supuesto en este primer disco no deja de manifestarlo a las claras con una música de jazz que es un experimento espiritual que trasciende mucho de lo conocido en su época y se ubica como un experimento de un estirpe artístico propio.

Quizás Robert Northern fue más conocido como músico de sesión, trabajando extensamente en las décadas de 1950 y 1960 con músicos como Donald Byrd, John Coltrane, Gil Evans, Sun Ra, McCoy Tyner, Roland Kirk, y la Jazz Composers Orchestra, también trabajó con Don Cherry, Thelonious Monk, Freddie Hubbard, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Eric Dolphy, Charlie Haden y John Lewis, entre otros. Vivió en la ciudad de Nueva York de 1963 a 1971, y después de un período de creciente interés por la música no occidental, visitó y estudió en África (Ghana , Kenia y Tanzania ) durante siete veranos consecutivos entre 1972 y 1977.

Cod: #1609

Horacio ''Chivo'' Borraro - Blues Para Un Cosmonauta (1975)

Este emprendimiento presenta algunas facetas de innovación dentro de terrenos de un jazz con un carácter propio y que se parece a poco en su época, incluyendo instrumentaciones atípicas para el jazz de la época como aplicaciones acústicas del guitarrista brasileño Stenio Mendes, aplicaciones electrónicas de sintetizador Moog, y otros inventos atípicos y bastante experimentales; todos inventos que configuran un álbum único para la escena de jazz argentino de la época y lo ubican como un elemento muy interesante para tener presente dentro de la colección de jazz local.

Se trata de jazz, pero aparece la influencia de los vanguardismos tipo Pharoah Sanders o de estilos espirituales tipo John Coltrane, por lo que los desarrollos del jazz no se llevan a cabo en los típicos atascos instrumentales del género, y aunque sí estos se hacen presentes, también aparecen algunos aditivos entre introducciones, desarrollos progresivos de las composiciones, agregados y otros inventos que hace del sonido un cosa muy particular. En general es una experiencia muy disfrutable (para quien esté interesado en los inventos y las vanguardias), presentando una faceta de jazz muy fresca y llena de inventivas.

Hay varios inventos aquí, tal vez el que más se destaque sea ‘’La Invasión de los Monjes’’, siendo una pieza sin nombre especifico que comienza con algunas aplicaciones acústicas que se van diversificando a lo largo de una extensa introducción acústica a la que se le suman la batería y otras aplicaciones, a lo que le sigue una sesión de jazz modal, para terminar con algunos motivos finales también acústicos, como volviendo a las tramas del principio. El tema es original de Stenio Mendes y una version del mismo aparece en su disco solista ''Stenio Mendes'' de 1980.

En total son cinco las piezas que componen el trabajo, desde el spacy jazz de "Blues Para Un Cosmonauta" con sintetizadores psicodélicos de Moog, "Cancion De Cuna Para Un Bebe Del Año 2000" con humor suave y atractivo, "La Invasion De Los Monjes" combinando jazz modal con aplicaciones acústicas, "Mi Amigo Tarzán” que es un incursión con acercamiento al jazz rock más dinámico, y la pieza introductorio del disco ‘’Líneas torcidas’’ con más inventos entre jazz y aplicaciones acústicas. De la grabación del álbum participaron Horacio "Chivo" Borraro en saxo tenor, teclados, flauta y percusión, Fernando Gelbard en piano eléctrico y sintetizador Moog, Stenio Mendes en Craviola (instrumento acústico de cuerda), Jorge Gonzales en contrabajo, Nestor Astarita en percusion, y Miguel "Chino" Rossi en percusion y efectos especiales.

Las siguientes son unas palabras pronunciadas por el mismo Chivo Borraro y que se encuentran en la contraportada del vinilo original de época:

‘’Este disco es el producto de la colaboración, la capacidad y por sobre todo, el talento de todos lo que me ayudaron a realizaron. Creo que es la primera vez que en grabaciones de nuestro medio, especialmente de jazz, se utiliza una cinta multicanal para lograr varias sobreimpresiones de un mismo tema con el fin de mezclarlas luego en una sola pista.

Deseo agradecer especialmente a Stenio Mendes -excepcional ser humano y músico- su confianza en mí, al aceptar grabar conmigo dos de sus temas -de notable belleza- a pesar de no expresarse ni ellos ni él en el idioma del jazz. No fue tarea fácil amalgamarlos con el quinteto para darles un clima jazzístico sin alterar su esencia. Creo no haberlo defraudado. Los dos temas de Stenio, ‘’Lineas Torcidas’’ y ‘’La invasión de los monjes’’, son los únicos que no llevan sobreimpresiones. 

En ‘’Mi amigo tarzan’’, la música africana que se escucha al principio y al final (que me perdonen las tribus de Kenya y Tanzania) fue hecha por mí con sobreimpresiones repetidas de xilofón, percusión y flauta dulce. El solo de piano acústico de Fernando también está sobreimpreso sobre el resto de la sección rítmica. 

En ‘’Canción de cuna’’, Fernando y Miguel grabaron la base de piano eléctrico y percusión. Sobre eso, Miguel agrego otra línea rítmica y Fernando un solo con sintetizador. Yo agregué luego el solo de tenor y unos compases de órgano en la introducción y el final. Los efectos de guerra del principio fueron hechos pro Miguel y yo con un bombo, artefactos metálicos pasados sobre las cuerdas del piano y sonidos de ametralladora. 

En ‘’Blues para un cosmonauta’’ se grabaron primero la base rítmica y armónica. Luego se agregó otra línea percusiva y Fernando un solo de piano eléctrico. A todo esto se superpuso otro solo de Fernando en sintetizador y finalmente yo agregué más voces al tema del principio y del final con el sintetizador, el piano eléctrico y el órgano.

Sin duda alguna, el avance de la técnica en todos los campos, nos permite expresar y realizar cosas, aun dentro del campo del arte, que resultarían imposibles de hacer de no contar con su concurso. ¿Por qué no aprovecharlas? Y a propósito de esto, quiero hacer aquí una mención especial de Hugo Manzini, que desde la consola resolvió con infinita paciencia y sapiencia todos los problemas técnicos que le planteé. Asimismo vaya aquí mi reconocimiento a mi amigo Polo Sagasti, cuya inapreciable colaboración facilitó la grabación de los temas de Stenio.’’

Cod: #1608

Minoru Muraoka - Osorezan (1970)

Aquella fue una época excitante para el jazz japonés, apareciendo muchas obras de vanguardia y habiendo mucha experimentación con orquestación y composición, desde Toshiyuki Miyama y su New Herd, hasta los experimentos de Masahiko Sato, pasando por el free jazz de Masayuki Takayanagi, las vanguardias de Stomu Yamash'ta o los lanzamientos de Toshiaki Yokota. Por otra parte también comenzaron a aparecer lanzamientos dentro de esa línea pero fusionados con estilos tradicionales del folklor japonés, como el ‘’Four Jazz Compositions’’ de Toshiyuki Miyama y compuesto por Masahiko Sato, ‘’Rock Joint Biwa’’ de Hiromasa Susuki, ‘’Kokezaru Kumikyoku’’ de Keitaro Miho, y hasta la banda de rock People experimentó sobre este terreno en su ‘’Ceremony: Buddha Meet Rock’’. Sería también Minoru Muraoka quien incursionaría en una fusion similar en su ‘’Osorezan’’ de 1970.

Minoru Muraoka fue un popular ejecutante japonés del instrumento de viento shakuhachi (una especie de flauta hecha de bambú). Manejándose dentro de un estilo de jazz fusion y de vanguardismo, Muraoka lanzó muchos álbumes, tanto como solista como con varios grupos, incluidos sus grupos Zen, New Dimension Group y Minoru Muraoka Orchestra.

‘’Osorezan’’ de 1970 es otro de sus tantos lanzamientos y probablemente uno de sus más destacados, ya experimentando en terrenos de fusión de jazz con la música tradicional japonesa, e incluyendo para ese cometido a una banda de ejecutaba varios instrumentos típicos de la región como Biwa, Koto y obviamente el Skakahuchi ejecutado por el mismo Minoru Muroaka, quien lidera el sonido a todo momentos con su sentida técnica y completa todas las sesiones con su sonido, dotándole de un sabor folklórico a todas las interpretaciones, sensación que se acrecienta con la incursión en melodías y tramas también típicas.

El trabajo es pintoresco en el sentido de que combina elementos muy disimiles entre sí pero que de alguna manera se logran encontrar en una misma cosa, desde la fusión del jazz con la música tradicional japonesa, lo que implica la fusion de instrumentos de jazz con instrumentos de tipicos japoneses. También esta peculiaridad de fusiones se ve plasmada en la ejecución de un blues con dichos instrumentos típicos del folklore japonés, un encuentro entre culturas, una celebración de las músicas del mundo funcionando en una misma cosa. Otro momento pintoresco del disco es la ejecución de la pieza clásica de jazz ‘’Take Five’’ también con instrumentos y fusiones con estilos del folklor japonés.

Este sonido probablemente también sea una de las incursiones menos comerciales de Muraoka, debido principalmente a la complejidad que se maneja en las composiciones, ya alejado de las piezas cortas y pegadizas de muchos de sus trabajos, para presentar en esta ocasión, grabada en vivo en concierto, todo un repertorio de seis piezas de composición y fusión, con un considerable desarrollo y complejidad, amalgamas internas, fusiones de varios estilos, folklore japonés, rock, y jazz de vanguardia; todo circulando por las venas de un mismo sonido y fluctuando cada sabor de acuerdo a lo que la pieza lo amerite. A todo esto también hay que sumarle la aparición de la orquestación que se hace lugar en varios pasajes de las piezas, también de manera fluctuante, dotándole al sonido una mayor peculiaridad al sumarse al caldo de cultivo instrumental que representa el encuentro de tantos elementos.

En ‘’Take Five’’ aparece el jazz, en ‘’Blues De Memphis’’ aparece el blues, y ‘’Bamboo Rock’’ es una buena oportunidad para incursionar en el jazz rock, Muraoka no se priva de la fusión con estos estilos occidentales que estaban puestas tan de moda en ese momento por las generaciones del rock y la música progresiva, aprovechando la oportunidad para fusionarlos a su repertorio en sofisticadas piezas de composición, siendo la inclusión de dichos estilo un desafío en el que el compositor no solo superpone instrumentos o estilos sino que los fusiona a sus visiones de jazz vanguardista y de música tradicional japonesa, el resultado es un estilo sin nombre manifestado en piezas de notable sofisticación, complejas y no lineales debido a que transitar por un sinfín de momentos y pasajes, en un desarrollo progresivo de la composición.

Y por supuesto, la música tradicional japonesa tiene su lugar preponderante en el disco, apareciendo desde los instrumentos y tramas que se fusionan a las piezas, y apareciendo más precisamente también en algunas piezas donde se incursiona específicamente en este sonido tradicional, como en las piezas ‘’Oiwale’’ o ‘’Ma’’, con instrumentación relajada, instrumentos típicos y melodías también típicas, reinventadas sutilmente desde la visión de vanguardia aplicada por Muraoka y su banda. Este álbum "Osorezan" se grabó en vivo en un concierto que se realizó el 7 de abril de 1970. Originalmente el concierto constó de dos partes, la primera parte se llamó “Soul shakuhachi” y la segunda "New Dimension". El orden de ejecusion de las pistas en vivo difiere del orden que se le dio en el lanzamiento del disco. En el álbum, "Osorezan" fue la primera pista en aparecer, pero en realidad, fue la última pista del concierto.

Cod: #1607