Shivkumar Sharma, Brijbushan Kabra & Hariprasad Chaurasia - Call Of The Valley (1967)

‘’Call Of The Valley’’ es un maravilloso álbum de música clásica hindú, un clásico y un hito en la música mundial, lanzado en el año 1967 y grabado para EMI por los músicos hindúes Hariprasad Chaurasia , Brij Bhushan Kabra y Shivkumar Sharma. 

Cuando los músicos grabaron este disco tenían todos alrededor de 30 años, Shivkumar Sharma, maestro del ‘’Santoor’’ (instrumento de cuerda percutida), que había hecho su primer álbum en solitario en 1960, fue responsable de establecer y popularizar el instrumento en los círculos clásicos, el guitarrista Brij Bhushan Kabra tuvo que probarse a sí mismo a causa de la concepción y las asociaciones de música popular occidental e hindú sobre lo que era la guitarra, y Hariprasad Chaurasia también se tuvo que enfrentar al reto de implementar su instrumento, el ‘’Bansuri’’ (flauta transversal alta originaria de la India, hecha de una sola pieza de bambú), ya que no era un instrumento muy concebido popularmente.

Es uno de los álbumes más exitosos de la India y se hizo popular a nivel internacional, por la adaptación del sonido y el trabajo que los músicos le saben inteligentemente impregnar. En sí, la música es tradicional, ambiental, son varias piezas de estructura clásica dentro de la música hindú, son ‘’ragas’’… ósea esquemas melódicos en que se establece una composición y una improvisación, basados en una colección dada de notas (generalmente de cinco a siete) y patrones rítmicos característicos, pero lo que le da un atractivo a la audiencia internacional es el modo en que los músicos trabajan la música, juegan con los aspectos más atractivos de dicha musica y elaboran piezas dinámicas y atractivas, además de el uso innovador de la guitarra y la flauta, todo esto hace que el sonido sea más aceptable para el público occidental.

En la tradición musical india, los raga se interpretan según la hora del día y la estación del año, por lo que en esta música (y en este disco) están muy implícita la concepción del tiempo y del espacio, el valor hacia la tierra donde viven, además de ser una música con muchas influencias e implicancias espirituales, religiosas, culturales, etc, es por eso que la música hindú tiene un aura especial, una energía mágica innata capaz de ser percibida de inmediato, capaz de transportarte hacia sones de plenitud, goce y regocijo interno… 

El trio de músicos concibe el trabajo como una suite conceptual, utilizaron sus instrumentos para contar la historia de un día en la vida de un pastor en Cachemira (estado norteño de la India), utilizando ragas asociados a diferentes horas del día para hacer avanzar la narración dramática y pintar escenas típicas de la región, hermosos valles cargados de verdes y altos pinos y árboles de Chinar… bañados por el sol, picos nevados de los Himalayas, calmos lagos, un escenario maravilloso del cual los pastores y trabajadores humildes del lugar son los únicos y privilegiados espectadores…

Musicalmente, se desarrolla como una obra instrumental, conceptual, que va pasando por varios estados y pasajes sonoros, guiados por el trio de músicos que con flautas y condimentos con el Santoor van recreando las escenas, y la guitarra slide de fondo va completando el paisaje. Es un trabajo delicado y dedicado, bien elaborado y complejo, en general calmo, con un espíritu que va guiándote hacia el goce musical y espiritual.

Cod: #1091

Bo Hansson - Lord Of The Rings (1970)

Bo Hansson, fue un mítico músico, tecladista y compositor sueco de rock progresivo, nació el 10 de abril de 1943 en Gotemburgo, Suecia. Su infancia se remonta al norte de Suecia, donde el pequeño Hansson se creó varios años con unos amigos de la familia, ya que sus padres, por cuestiones laborales, vivan viajando y no podían llevarlo con ellos. Ya como adolescente se unió a sus padres en Estocolmo, donde, fascinado por la floreciente escena de rock and roll, aprendio a tocar la guitarra de forma autodidacta y se unio a una de las primeras bandas de rock 'n' roll de Suecia: ‘‘Rock-Olga.’’

A finales de los cincuenta, se unió como guitarrista a la banda de blues de Slim Notini. Notini tenía reputación de descubridor de jóvenes talentos, al modo en que John Mayall lo hacía en Gran Bretaña, por lo que Hansson pudo avanzar y formar su propio grupo de blues, The Merrymen, que en menos de un año lograron firmar un acuerdo con Polydor, ganar un concurso de rock de la Sveriges Radio e incluso actuar como teloneros de The Rolling Stones en una de sus primeras giras por Escandinavia.

En 1966 Hansson vio actuar al organista de jazz estadounidense Jack McDuff en el club Gyllene Cirkeln de Estocolmo, y resultó tan cautivado por la actuación que decidió dejar The Merrymen, justo cuando estaban a punto de tocar el auténtico éxito, para expandir sus horizontes musicales. Animado por su colega Merryman Bill Öhrström, adquirió su propio órgano Hammond, con dinero prestado por su novia y otros amigos, dinero que no devolvió. Öhrström se empleó como agente de artistas y repertorio y productor en la sucursal de Polydor en Suecia, y presentó a Hansson a otros músicos, uno de los cuales era el baterista JanJanne Karlsson. Hansson & Karlsson cuajaron al momento y crearon un sonido único a base del teclado rápidos ritmos con el hammond de Hansson. 

Entre 1967 y 1969 grabarían tres discos, alcanzando la fama en toda Europa, llegando al oído de Jimi Hendrix, quien se tomó un tiempo durante una gira para hacer una jam session con el dúo, además de con George Clemons a la batería y Georg Wadenius a la guitarra, en el Klubb Filpis de Estocolmo a finales de 1967. Hendrix grabó en aquella época una canción de Hansson: «Tax Free», y planeó grabar un álbum completo con ellos, pero, desafortunadamente, murió antes de hacerlo.

Cuando Karlsson perdió interés por seguir en la música, Hansson se decidió a continuar en solitario. Y aquí comienza la romántica búsqueda del músico avant-garde. Encandilado por una copia de ‘’El Señor de los Anillos’’ de J. R. R. Tolkien que le había «mangado» a su novia, se mudó al apartamento vacante de un amigo y empezó a componer. Cuando el desafortunado amigo regresó, se encontró que había sido desalojado del apartamento tras numerosas quejas de los vecinos por el «ruido» que Hansson estaba creando. Hansson se retiró entonces a una cabaña remota en una isla a las afueras de Estocolmo donde él, el baterista Rune Carlsson y el ingeniero de sonido Anders Lind, que había trabajado antes con Hansson & Karlsson, pasaron el invierno de 1969 grabando el que se convertiría en el álbum de debut en solitario de Hansson en una grabadora de cuatro pistas prestada. Lind incluso se las arregla para conseguir usar la única grabadora de ocho pistas que había en Suecia en aquella época, en el estudio de la Sveriges Radio, con el pretexto de estar interesado en probarla para comprar una para él. Una vez allí, persuadió a los músicos de acompañamiento Gunnar Bergsteny Sten Bergman para dar cuerpo a las grabaciones.

A principios de 1970 se trasladaron al estudio Decibel, en Estocolmo, para completar el álbum. Hansson declaró que su intención original era incluir una sección de cuerda y otros instrumentos exóticos, como el arpa, pero que las limitadísimas finanzas de Silence Records obligaron a la grabación de la inmensa mayoría del álbum tan solo con sus primitivos órgano Hammond y sintetizador modular Moog. 

El disco ‘’El señor De Los Anillos’’ (‘’Sagan om Ringen‘’) fue lanzado por Silence Records (el primer sello de grabación independiente de Suecia, establecido por el mismo Anders Lind) en otoño de 1970 y se convirtió en un gran éxito. Con esta obra conceptual Hannson se recibe de ‘’paisajista progresivo’’, poseído por una creatividad arrolladora, elabora un trabajo artesanal, muy específico y atípico. El ímpetu y creatividad que le imprime a sus composiciones son arrolladores, juega y crea ambientes, dibuja escenas musicales, toma imágenes poéticas y las transforma en escenarios épicos de la Tierra Media, repletos de elfos, hobbits, Jinetes Negro, y etc.

El órgano simplista y los sonidos de la guitarra, junto con el maquillaje básico de percusión, pese a las limitaciones de técnicas y económicas, se las arreglan para darle cuerpo a cada pista de este particular álbum de rock progresivo instrumental, con altas dosis jazzísticas, crear sesiones (que no duran más de 4 min. cada una)  en las que convergen distintos estados, elaboraciones y fusiones psicodélicas oscuras, rozando con lo ritual y oculto, pero a la vez con un costado fresco y épico, con una psicodelia medida y una muy buena relación entre teclado y guitarra.

El disco está inspirado en la trilogía completa de ‘’El señor de los anillos’’, muchos de los temas llevan directamente el título del capítulo que describen musicalmente, casi como si se tratase de una banda sonora de cine. Al parecer, se consideró incluso la posibilidad de incluir extractos cantados del libro sobre las piezas musicales (pensemos quizá en algo así como La guerra de los mundos en versión de Jeff Wayne), aunque la mismísima editorial poseedora de los derechos literarios, Allen & Unwin, se pronunció en contra de esta idea. Lo cierto es que el profesor Tolkien, que aún vivía en 1970, nunca llegó a asimilar del todo bien el desmesurado alcance sociocultural que llegó a tener su sesuda y erudita trilogía.

Varias copias empezaron a filtrarse hacia Gran Bretaña, donde llamó la atención de Tony Stratton-Smith, que quedó tan impresionado que reeditó la grabación como ‘’Music Inspired by Lord of the Rings’’ con su propio sello Charisma Records en octubre de 1972, convirtiéndose en el único LP de Bo Hansson en alcanzar el top 40 del Reino Unido, así como el número 154 en el Billboard 200, y unas ventas acreditadas de un disco de oro en el Reino Unido y en Australia. 

Alentado por el éxito de su primer álbum, Hansson siguió rabajando en varios albums, lanzando hasta a finales de los 70s, otros tres álbum, siendo los trabajos más notables del músico. Desde finales de los 70s hasta mediados de los 80 trabajó en proyectos de otros músicos amigos, hasta que en 1985 lanzó la edición sueca de su álbum Mitt i livet («El medio de la vida») con Silence Records (SRS 4700). En 1998, Hansson & Karlsson se reunieron para dar algunos conciertos, y para editar un álbum de compilación. 

Por su trabajo pionero y el misterio que rodeó el auge y caída de Hansson & Karlsson, Hansson recibió la consideración de leyenda viva entre la comunidad musical independiente de Suecia. En sus últimos años, actuó ocasionalmente con elorganista Eric Malmberg, que ha citado frecuentemente el trabajo de Hansson como una de sus inspiraciones. Finalmente Bo Hansson fue encontrado muerto en la habitación de hotel en la que se alojaba en Estocolmo el 23 de abril de 2010, cuando contaba 67 años de edad.

Cod: #1207

Cynara - Cynara (1970)

‘’Cynara’’ fue un quinteto progresivo estadounidense de corta carrera, creado en 1970, por Michael Tschudin, ex miembro de la banda de Boston, ‘’Listening’’, el cual, una vez la banda se separó, salió a buscar músicos para un nuevo proyecto. Así es como recluta a Jeffrey Watson en voz y percussion, Cal Hill en bajo, Les Lumley en percusión y a Chip White en batería. Primariamente la banda buscó llamar la mayor atención posible, tocando en clubs y festivales en Nueva York.

En Agosto de 1970, lanzan su primer y único album, el homónimo ‘’Cynara’’, grabado en Nueva York y producido por Ken Cooper. Un trabajo altamente atractivo y amplio, con canciones inusuales,  a menudo con un sabor de Oriente Medio, siendo receptivo para una variada gama de oyentes. Afortunadamente la banda no se queda en un lugar cómodo, el primer tema del disco es un blues-rock bien atractivo, al fiel estilo Atomic Rooster, y tranquilamente podrían haber quedado en esa estructura clásica, pero afortunadamente se jugaron en la elaboración de los temas, se las ingeniaron bastante y elaboraron temas de gran calidad, y eso se podrá ir notando con el paso de los temas…

El sonido es comandado por el teclado, hammond y/o piano de Michael Tschudin, quien tenía formación teórica como músico y conocimientos de música clásica. Es él mismo quien se encarga de todas las composiciones del disco y quien sabe darle una frescura única a cada pieza, transitando una amplia gama de matices y estructuras dentro de cada uno de los estilos que transcurre. Sumado a esto, los y expresivos arreglos vocales que Jeffrey Watson sabe imprimir.

El disco es muy heterogéneo, no se puede encajar en un solo estilo. En el primer tema tenemos un rock progresivo bien elaborado, con estilo blues rock y con un atractivo que impone el sonido de la banda desde el primer momento. Ya es en el segundo tema, ‘’Hello You’’, donde se mudan a un sonido mas pop-rock, implementando algunos arreglos vocales muy agradables. ‘’Stone Is’’ es el tercer tema, un cover que hacen de ese tema incluido en el disco que lanzó Tschudin como integrante de ‘’Listening’’, ya entrando en una atmosfera psicodelica y mas volada, con una reversión muy buena de uno de sus temas, que ya de ante manos sonaba muy bien.

Con el cuarto tema, ‘’Religius Song’’, el disco comienza a torcer su sonido hacia la experimentación y la búsqueda sobre lugares no tan básicos, con arreglos un poco más esmerados y una atmosfera más tensionada. A este lo sigue el tema ‘’Mermaid Song’’, una mezcla de jazz y pop de 8 minutos, con pasajes instrumentales experimentales de promedio. Y así llegamos al último tema, ‘’Lullabye For Cia’’, un experimento jazzístico de 11 minutos que roza con lo absurdo, que combina quizás todas las característica antes nombradas, una mezcla de jazz y soul, y arreglos clásicos que por momentos recuerdan bastante a sonidos de Keith Emerson, potenciado más un por la participación excepcional del veterano baterista de jazz, Elvin Jones, el cual aporta una base rítmica impresionante.

Lamentablemente luego del lanzamiento del disco, llega la historia que ya conocemos, con el fracaso comercial y la banda, que poco tiempo estuvo junta, disuelta, atenuado aun por el hecho de que este es el segundo disco liderado por Michael Tschudin que no alcanza el reconocimiento merecido, pero con el privilegio de que nos haya dejado tan buenos discos…

Cod: #1142

The End - Introspection (1969)

Es irónico que teniendo un blog llamado ‘’el jardín de las delicias psicodelicas’’… en realidad no sea tanto de escuchar psicodelia, me voy más por lados kraut y prog, o le busco una vuelta de rosca a la psicodelia, y no tanto por caminos clásicos, es por eso que me gusta haberme encontrado en este disco, que la verdad me dejó fascinado…

Dave Brown and Colin Giffin formaron ‘’The End’’ en 1965, tras disolverse la banda ‘’ The  Innocents’’, donde provenian. Mas tarde lograria formar parte de una gira junto a los Stones, gracias a una Amistad que tenian los musicos con el bajista Stone, Bill Wyman, quien también los ayudó con la organización de las actuaciones y con el lanzamiento de sus primer singles, entre los cuales estaba ‘’Shades of Orange’’, además de producirles su primer disco…

La banda estaba formada por Hugh Attwool en bacteria, Dave Brown en bajo y voz, Nick Graham en teclados y voz, Colin Griffin guitarra y voz, Nicky Hopkins en teclados,  Terry Taylor en guitarra, Charlie Wattsen batería y Bill Wyman en bajo. 

‘’Introspection’’, es el primer y único trabajo de esta banda, porducido por Bill Wyman y publicado por el sello Decca en 1969; es otro de esos fabulosos discos perdidos de los 60, un buen ejemplo de psicodelia británica, con un sonido de ensueño, un pop rock bien atractivo y con una psicodelia bien hipposa que lo impulsa desde el dinamismo, la efectividad y los arreglos agradables, que lo hacen atrapante desde el primer tema.

La calidad de los temas es superlativo en comparación con otras bandas, no son excesivamente complejos… pero exponen sus habilidades en un trabajo exquisito, el sonido denota por momentos influencia pop de bandas como Beatles, Zombies y por supuesto de momentos psicodélicos de los Roling, por los arreglos de voces en algunos temas, como en ‘’Instrospection’’.

El disco es un ejemplo del pop psicodélico de alrededor de 1967, pero por desgracia no vio la luz sino hasta 1969, momento en que el disco se hundió rápidamente como una piedra. Sin duda estaban destinados al ‘’fracaso’’ ya que ni con ayuda de los mismos Beatles pudieron tomar algo de impulso, porto la banda desaparecería rápidamente.

Cod: #1069

Brainticket - Psychonaut (1972)

He aquí el segundo disco de Brainticket, esta mítica banda cósmica suiza de la cual ya hemos subido algo, en este caso les acerco su segundo trabajo. Como un breve repaso del grupo, Brainticket es una banda experimental de krautrock nacida a principios de los 70, conocida por su uso de instrumentos exóticos y composiciones muy atractivas y provocadoras. Su fundador fue Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. 

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como Can, Amon Duul II y Tangerine Dream, y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría Brainticket. 

Su primer álbum fue ‘’Cottonwood Hill’’, lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que “solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse.” Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Desde entonces la reputación de ''Brainticket'' como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, Psychonaut, lanzado en 1972 bajo el sello Bellaphon.

Habiendo dejado de lado la explosión y controversia del primer disco, ya con una reputación constituida, y siguiendo con la misma idea de ‘’formación eventual’’ que se junta para la ocasión, únicamente para grabar el disco, (de hecho el único miembro estable de la banda, el cual por supuesto también participo de la grabación el primer disco, fue su fundador Joel Vandroogenbroeck) nace este Psychonaut.

Para este segundo trabajo, la formación de la banda contaba con Joel Vandroogenbroeck en organo, piano, flauta, sitar, voz, etc, Jane Free en voz principal, pandereta y percusión, Rolf Hug en guitarra solista, guitarra acústico, tabla y voz, Martin Sache en bajo y flauta, Barney Palm en batería y percusión y Carol Muriel aportó la voz en varios temas.

Dicho segundo trabajo es un poco más relajado y menos electrónico que su primer disco, una placa Psych-progresivo con cierto elemento folk prog y envuelto en un ambiente “space”, la performance de los instrumentos logra el punto medio entre armonía/ambiente convirtiéndose así en una placa cargada de matices y con una gran panorámica de trabajo, en pocas palabras una obra que nos transporta a “volar” gracias a sus performance instrumental y a sus efectos de sonidos. Los musicos siguen en una atmosfera altamente volátil, pero esta vez creo que logran expandirse un poco más, en seis temas que, pese a no ser de extensa duración, logran transitar por lugares más variados e inexplorados antes por ellos. Implementan sonidos orientales con sitiares y pasajes mas relajados, y transitan por algunas texturas más variadas dentro de la psicodelia acida que los caracteriza. 

Joel Vandroogenbroeck también participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de Brainticket basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, Celestial Ocean, contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a Brainticket a la fama mundial.  Tambien continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de Brainticket, incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

Cod: #1047

V.A. - Baku: Sinfonía De Sirenas. Sonidos Experimentales En El Avant Garde Ruso (2009)

El material que aquí les traigo es una pieza alucinante,  un verdadero trabajo de arqueología musical, una brillante recopilación histórica lanzada por Miguel Molina Alarcón del ‘’Laboratorio de Creaciones Intermedia de la Universidad politécnica de Valencia’’ en España .

‘’Baku: sinfonía de sirenas. Sonidos experimentales del avant garde ruso’’ es una ambiciosa reconstrucción del, hasta ahora perdido, mundo sonoro experimental de vanguardia nacido durante casi toda la primer mitad del siglo XX en Rusia. Se compone de dos CDs, que constan de reconstrucciones/remasterizaciones basadas en materiales históricos originales, todo un trabajo elaborado a base de una meticulosa investigación histórica.

La pieza central de esta recopilación, que le da nombre al trabajo y está incluida en el primer de los dos discos de esta recopilación, es la ‘’Sinfonia de sirenas’’, uno de los trabajos más enfermos, brillantes y vanguardistas de los que he escuchado, compuesto por Arseni Avraamov (Arseni Mijailovich Avraamov, Krasnokutsky, 1886, Moscú, 1944) compositor y teórico vanguardista ruso, que en 1922, con motivo del quinto aniversario de la Revolución Rusa, convirtió a la ciudad de Bakú en un instrumento musical viviente, sincronizó y dirigió mediante señales con banderas (y no sé de que alguna otra forma) a toda la ciudad para crear su obra maestra industrial, una ópera oscura, una autentica sinfonía creada a base de sonidos de fábricas, plantas, ametralladoras y artillería, sirenas barco de la armada y silbatos, las sirenas de toda la flotilla soviética en el Mar Caspio, campanadas, aviones, bandas, cañones, hidroplanos, bocinas de coches y autobuses, sirenas de ferrocarril y plantas…, todo zumbando bajo los signos enviados desde la torre especial del director.

La parafernalia toma rienda y comienza a rodar como una maquinaria infernal y decadentemente, como musicalizando una película de guerra de desazón y tormento. Suenan las sirenas y dan comienzo el ruido ideado, liderado, bocinas y rugidos de aviones surcando los cielos… hasta que todo se detiene, vuelve el silencio el cual es corrompido por unos cañonazos de, probablemente, alguna flota de barcos estacionados a orillas del mar Caspio. De nuevo silencio y cañonazos, sirenas, gritos... hasta llegar a campanadas que también guardan su rugido fantasmal. Una maquinaria mantenida por media hora, un despliegue sin precedente alguno, dirigido por, probablemente, un genio sin igual que supo darle forma, matice y cadencias a toda una ciudad industrializada, para así conformar su sinfonía.

Cada sonido tenía su tono único, es así como por ejemplo, con una serie de sirenas seleccionadas específicamente, ejecutaban algunas piezas clásicas como 'La Internacional', 'La Marseillaise' y otras canciones del movimiento obrero.", cantadas, a su vez, por coros, también bastante oscuros. 

Dicha ‘’sinfonía de sirenas’’, de 28 minutos, ocupa solamente el primer track del primer disco, el cual está compuesto por otras 39 piezas!, también experimentales, pero por supuesto de menos duración, otras 39 piezas también alucinantes, compiladas de distintos autores. 

El segundo disco también cuenta con un cantidad impresionante de piezas. Dicho segundo disco comienza con diez pistas que datan del año 1930, extraídas de la película de Dzia Vertov: "Symphony Of The Dombass", un filme de culto, obra maestra pionera en el campo de la música concreta y experimentos en la mezcla de sonidos industriales junto con voces humanas. 

En total, entre los dos discos, son 72 las piezas que van a encontrar, entre las que también se destaca algo del bien conocido Sergei Prokofiev, un extracto de su extraño ballet Factory, que es otro buen avance para su época, también sobre orquestas de sonidos (Nikolai Foregger), proyectos para radio, incluso se añaden algunos tracks donde se recitan poemas selectos que encajan bien con las intenciones del recopilatorio. Trbajos de Alexander Mosolov, que con su singular sonido mecanizado y extrañamente armonizado es una pieza de música docta muy desvinculada de todo lo convencional de su época.

Esta historia ha terminado por ahora, espero alguien sepa disfrutar de este material de colección, muy esencial para aquellos que aprecien la música experimental electro-acústica de vanguardia. Ademas de los dos disco, viene un librito scaneado, en formato PDF, donde se detalla mas la investgacion realizada, con fotos y data sobre el contenido de los discos. Y por cierto… me tome la delicadeza de transformar todo el material también en mp3, para que los no exigentes de calidad de sonido lo puedan bajar y que no se les haga tan pesado bajarlo en FLAC.

Cod: #1068