Samsara Blues Experiment - Long Distance Trip (2010)

Samsara Blues Experiment es una banda alemana fundada en el verano de 2007 por el guitarrista Christian Peters después de dejar la banda Terraplane, seguido por Hans Eiselt, Richard Behrens y Thomas Vedder que se unieron en otoño de 2008 para consolidar la formación. Samsara Blues Experiment creó su propio estilo en base a la combinación de stoner, rock psicodélico y otros elementos experimentales que se inspiran en extensos espacios, raga, entre otros condimentos. Ya sea como trío o cuarteto, la banda lograría una reputación por sus actuaciones en vivo de primer nivel y su sonido expansivo. Samsara Blues Experiment lanzaría cinco álbumes de estudio en una carrera que abarca desde 2007 hasta 2021.

En 2010 aparece su primer lanzamiento, ‘’Long Distance Trip’’, consistiendo en un rock psicodélico eléctrico que creó una escuela de hacer rock, una escuela moderna de psicodelia, muy relacionado al stoner, al misticismo de la contracultura de los 60s y al rock estándar del cual toman formas y elementos pero el cual queda totalmente sumido bajo visiones y estratos meteóricos que se subyugan en el encuentro entre experimentos eléctricos y expansivos.

Es esencialmente eléctrico porque es una guitarra eléctrica la que guía las sesiones con sus efectos, distorsiones y reverberaciones volátiles que pintan escenas de gran goce lisérgico plasmadas en extensas y robustas sesiones, esa es la esencia de este disco y de la banda en general. Véase el titulo de su primer disco,’’Long Distance Trip’’, que refleja ese concepto expansivo de diversificarse en extensas sesiones que son auténticos viajes repletos de un exotismo storner y una potencia rockera que los lleva a plasmarse en un uso muy directo y efectivo del riff y de otros elementos puramente rockeros.

A esta fórmula demoledora se le suman algunos otros elementos y detalles que la banda maneja como agregados sutiles a la gran mescla, aquí y allá, como de instrumentos típicos de la música hindú, lo que aun más sabor místico a un sonido de por sí volátil. Aparece el sonido del sitar pero la ‘’fusión’’ con la música clásica hindú no es una preocupación de la banda. Aunque es verdad que este instrumento brota en varios pasajes de su sonido también es verdad que es un elemento más sumado a la gran masa de forma rasa, utilizado especialmente en las introducciones y finales de las exploraciones, como abriendo puertas hacia mundos de exotismo y gran goce.

Las composiciones son extensas exploraciones sonoras donde aparecen una o hasta dos guitarras dialogando entre sí, donde por momentos no se parecía el formato de la estructura pero en otros casos se puede apreciar la forma de canción que tiene la exploración, con su estrofas y estribillos inmiscuidos en medio de exploraciones eléctricas sucias y duras, rock psicodélico moderno con acercamiento directo al stoner. Algunas sesiones son canciones extendidas y otras son puras exploraciones expansivas difíciles de determinar ya que divergen entre un sinfín de partes entre introducciones, estrofas catadas, arreglos, cambios de intensidades, partes con riffs rockeros y momentos de solos e improvisaciones.

Escuchar este disco es enlistarse hacia un trip sin regreso por tierras de distorsión eléctrica de aire místico, e incluso, en esa búsqueda sonora tan expansiva que los caracteriza, puede que se vuelvan hacia cierto aire ‘’progresivo’’ ya que muchos momentos internos en las sesiones presentadas cuentas con cambios de ritmos contundentes entre partes más agiles hacia partes más lentas, o viceversa.

Las estructuras que proponen, a diferencia de lo que se podría presuponer, no son en esencia improvisadas y de hecho tienen poco de ello, lo que hacen está puntillosamente planificado y esto se puede apreciar en la complejidad que alcanza por momentos su propuesta, transitando un sinfín de partes sucesivas que se cohesionan bajo una mirada eléctrica que es un experimento místico funcionando entre capas su subcapas sucediéndose bajo la estricta mirada de una psicodélia moderna engrosada con efectos pesados y un rock  repleto de una distorsión domada y preparada para pintar con ella paisajes de ensueño eléctrico.

Christian Peters diría lo siguiente sobre le significado del nombre de la banda: ‘’El término Samsara se deriva de "fluir juntos", ir o pasar por estados, vagar. Principalmente una gran puerta giratoria entre la vida y la muerte y un ciclo de vida reencarnado de una nueva vida. El Blues siempre fue una parte importante de mi vida como músico y oyente de música y se considera la base de cualquier tipo de música Rock. El experimento podría representar el objetivo a largo plazo de algún tipo de "realización" y más que eso, la voluntad de mejorar constantemente y trabajar en las cosas sin preguntar ni pensar demasiado en ello. La mayor parte de lo que hago en mi vida como músico es por intuición, ¿sabes? No escribo pestañas ni notas ni mierda. No me importa el ritmo cuando se siente bien.’’

Cod: #1703

Ugly Custard - Ugly Custard (1971)

En 1970 algunos de los mejores músicos de sesión de la época en Inglaterra se reunieron en un proyecto aparte de sus bandas y proyectos originales, músicos de calibre de la escena inglesa que pertenecían a otros proyecto o que simplemente era músicos de sesión, en este caso unieron sus fuerzas en ‘’Ugly Custard’’ dando vida a un sonido de rock, típico de la época, con rock, funk, blues y psicodélica, siendo un trabajo totalmente instrumental y plagado de buenas zapadas rockeras.

En la producción sonora del disco aparecen algunas reversiones de temas tradicionales de blues, entre los que aparece por ejemplo el clásico ‘’My Babe’’, reversiones que afortunadamente realizan con miras nuevas que hace que las reinterpretaciones sean diferentes a sus versiones originales, ya con un sonido netamente instrumental y sin voces, se las arreglan para construir un sonido muy creativo con temas ya hechos, dándole nueva vida y frescura, alcanzando momentos en lo que los temas originales se vuelven irreconocibles a su estado original, rozando lo progresivo. El resto, los demás tres temas, fueron compuestos por Alan Parker.

Las versiones planteadas son agiles, atascos muy bien ejecutados por una banda con talento, el resultado no podía ser malo, con buenos solos, atascos que se dirigen en velocidad hacia orgasmos rockeros muy entretenidos. Hay trazas de blues, rock, psicodelia, elementos progresivos, tal vez dosis sutiles de fusión en un disco que de todas formas no es fusión pero que la dinámica y destreza no deja de suponer que pudieran manejar también el jazz. 

Y hay una curiosidad desparramada durante todo el disco. Separando cada tema aparecen pequeñas piezas denominadas ‘’Link’’ que funcionan a manera de conectores, tratándose de piezas cortas caracterizadas en su totalidad por pequeñas composiciones acústicas en guitarra, un pequeño detalle que hace del disco más llamativo aun.

Es un sonido plasmado desde su concepción desde una mirada de sesión, y además de biblioteca, o sea con ese dejo por las formalidades comerciales, yendo más hacia un lado de inventiva sin estar tan condicionados por lo formal. De todas formas fue un disco pensado para venderse, presenta el sonido hippie blusero rockero de funcionaba en el momento, ya con algunas gotas prog dando vueltas.

El álbum se ha convertido en una joya de culto entre coleccionistas y amantes, una pieza que pasó desapercibida en su época y que pertenece al under inglés, con un sonido típico de las ‘’mermeladas’’ rockeras de la época, mucha zapada, muchos atascos versátiles y rápidos, buenos solos, mucho blues y rock, destrezas rockeras por buenos músicos de sesiones, y una buena dosis de psicodélia en la instrumentaciones para unificar todo lo plateado y crear así un sonido que brilla con su propia inventiva.

Este proyecto de corta duración estuvo integrado por el musico de biblioteca Alan Parker en guitarra, Herbie Flowers en bajo y Clem Cattini en bacteria, tres músicos que pertenecían a la banda Rumplestilskin, además del talentoso tecladista y organista Roger Coulam que también, por aquel entonces, tenía un buen nombre en la escena.

Cod: #1702

Stick Men en vivo en el CCKONEX, Buenos Aires, Argentina - 26/11/22 (Concierto)

Y otro de los conciertos que tuve la fortuna de presenciar este año 2022, ya para cerrar un año negro en lo personal por momentos, pero gracias a esto muy luminoso en parte, fue el concierto que la banda inglesa pionera del rock progresivo, Stick Men, dio en Buenos Aires, en la Ciudad Cultural Konex, el 26 de Noviembre de este año.

En una noche calurosa en la temperatura que ya veía agitación social entre la llegada de otros conciertos mucho más mainstream y populares, además de haber sido celebrado en medio de lo que fue el mundial de futbol, Stick Men se presentó en una de las enormes salas del centro Konex, haciendo gala ya desde el principio de un poderío progresivo sin igual, el cual no menguó en ningún momento y mucho menos por tratarse de que la banda consistía solamente en tres personas, un power trio ni más ni menos.

Stick Men está compuesto por tres miembro del King Crimson actual: el virtuoso guitarrista Marcus Reuter (guitarra touch style, discípulo de Robert Fripp), el impresionante baterista Pat Mastelotto y el legendario bajista Tony Levin, tres músicos de nivel de elite mundial que no dejaron ese momento a duda y propusieron una noche llena de rock progresivo instrumental, con piezas de sofisticación en las que ejecutaron un par de piezas de King Crimson, además de todo un repertorio de piezas históricas propias del trio, entre composiciones nuevas y otras ya antiguas.

Tanto Tony Levin como también el guitarrista Marcus Reuter ejecutaban la técnica del ‘’touch-style’’, con digitación en las cuerdas con sus ambas manos, tecnica a partir de la cual construían piezas de sofisticación, lo cual eleva el merito de ambos debido a lo atípico de la técnica y a lo virtuoso del despliegue del grupo.

La música fue aplastante en todo momento, rock de punta, rock progresivo, rock moderno y futurista, un rock adelantado, ejecutado entre riffs poderosos, cambios de ritmo, solos indescifrables que se perdían en las estructuras, escalas exóticas, partes y más partes entre la construcción de las piezas, un despliegue armónico y melódico muy variado que demostraba el virtuosismo de los ejecutantes de cuerdas, la batería por supuesto siempre estuvo a nivel de las cuerdas y entre los tres no regalaron una noche a puro poder progresivo.

El poder que precedía a los ejecutantes provenía de una fuente distintas a lo común en la música popular,  Stick Men ofreció una exhibición en la que los músicos se encontraban ubicados en estructuras muy complejas, tanto en lo estructural en sí, como en partes y sub momentos internos, a lo cual lo sobrellevaban de manera muy natural, sin caer en yeites o repeticiones, o esnobismos.

Stick Men dio un concierto muy extenso, entre interpretación de piezas de media duración, siempre muy sofisticadas, algunas piezas de extensa duración, con algunos cambios de roles en posiciones melódicas y armónicas entre el guitarrista y el ‘’bajista’’,, y con algunos agregados virtuales que partían desde la ejecución de los mismos en computadoras portátiles que poseían los músicos y que iban implementando según la ocasión, lo que hizo que por momentos aparecieran voces habladas en las piezas, otros instrumentos, sonidos agregados, etc.

Fue una noche calidad también en lo personas, con músicos amables que ejecutaron lo suyo y recibieron el amor del público, siempre con ese fervor típico del  público argentino. Fue una noche mágica en la que el rock progresivo hizo justicia en nuestras tierras argentinas y pudo volcarse en los oídos, mentes y espíritus de quienes estábamos presentes. Este tipo de conciertos es muy importante poder presenciarlos, ya que se trata de música única en su tipo, no masiva para el público popular y que por ende propone algunas innovaciones muy valiosas que aportan mucho, desde nueva visiones musicales, artísticas, nuevas concepciones personales y nuevas búsquedas en lo musical y espiritual, abrirse a nuevos estilos musicales es siempre abrirse a nuevas formas de vida, y poder presenciar semejantes espectáculos representa un sacudón al espíritu y sus dejos y vicios internos.

La noche previamente había sido abierta musicalmente por Fernando Kabusacki, músico argentino que también estuvo a la altura de la técnica e innovación con algunas reinterpretaciones de caciones populares (si mal no recuerdo) ejecutadas al estilo de la vanguardia progresiva, en momentos solistas acompañados también por la voz de una cantante, también muy talentosa (por lo que recuerdo, el guitarrista contó que se trataba de su hija.)

Strange - Translucent World (1973)

Aquí hay otra pieza perdida de la psicodelia tardía estadounidense, que deriva hacia la heavy psicodelia por la dureza de las guitarras y de los solos y por las canciones con esa epica que desprenden en muchos momentos, hard rock y heavy psych a pura potencia y con épicas incandescentes.

Hay varios momentos trascendentes aquí pero seguramente se trate del segundo track del tema, ‘’Ruler of the universe’’, la pieza que marca del disco, le termina de dar identidad, y la saca de algún tipo de convencionalismo para plasmarse en una zapada extensa en guitarra eléctrica y con momentos hasta espaciales. Es que trata de una canción estándar pero estirada con un solo de guitarra muy extenso que hace que la pieza alcance a los once minutos de duración, en medio de este solo brotan algunos efectos que perturban la performance del solo y lo conducen hacia momentos cósmicos.

En general las canciones, son sus respectivos solos de guitarra y agregados instrumentales, tiene un carácter de épica, con momentos proto prog y estribillos galácticos entre las liricas y las rabias varias, la épica se presta para quedarse desde y hacia muchos momentos en las canciones, aun siendo una gema under y privada.

Al momento de crear este trabajo el autor estaba pasando por momentos de aturdimiento, depresión, además de haber sido reclutado para el ejecito, momento al que él mismo no recuerda como lo mejor de su vida, tal vez sea de ahí que surge ese carácter de épica con el que cuenta el sonido, como tratándose de una sublimación de momentos interno que terminaron fluyendo musicalmente en momentos instrumentales muy intensos y solo muy rabioso y poderosos.

Terry Brooks recuerda: ‘’Terminé en el ejército en 'nam, lugar al que no entraremos. Esto fue a mediados de los años 60 y me reclutaron. Cuando regresé, pasé un tiempo bastante difícil durante mucho tiempo después de eso, con depresión y todo, y comencé a tocar blues nuevamente. Empezó con el álbum ‘’Translucent World’’ cuando todavía estaba aturdido. Era una especie de persona perdida con todas esas cosas que me habían pasado. Todo lo que tenía era mi música y el sentimiento en mi música y escribí sobre lo que sentía”.

‘’Translucent World’’ de 1973 y ‘’Raw Power’’ de 1976 son sus primeros dos trabajo, acreditados bajo el nombre de Strange, seguramente se trata de su música más conocida y llamativa, dos lanzamientos justamente publicados bajo su propio sello discográfico, ‘’Outer Galaxie Publishers’’. Ambos discos son muy similares, contado con momentos de tensión o epica muy fuerte que caracterizan al sonido, voces rusticas, buenas composiciones, y lo que no puede faltar en esta música, solo épicos solos de guitarra que tanto en ambos discos tienen su lugar para explayarse en un track por disco dedicado a la sesión donde la guitarra brilla por su poderío y nostalgia rockera.

Terry Brooks recuerda lo siguiente sobre sus orígenes y vida: “Empecé tocando blues en el circuito negro de todo Estados Unidos, el circuito chitlin', como se le conocía. Toqué por todo Estados Unidos con una banda negra, viajando con 18 personas en un autobús; en ese momento no había gente blanca en estos clubes. Yo era el único hombre blanco allí. Esto comenzó en el '61. Fue un momento difícil debido a las tensiones raciales. Había visto mucho abuso a los miembros de la banda que estaban conmigo, y muchas situaciones malas, pero tocar y viajar por Texas, México, Ohio, Mississippi, Louisiana, hombre, estás hablando de divertirte. ¡Esa fue la menor cantidad de dinero que gané en la música y la mayor diversión que tuve!”. Cuando se le consulta la manera en que definiría su música recuerda lo siguiente: “Es un estilo cósmicamente energizado. Tuve mucho cuidado de no tocar la música de otras personas. También tuve cuidado de no mirar ninguna otra extrapolación matemática. No quería ser influenciado por nada más”.

Cod: #1701