Janko Nilovic - Soul Impressions (1975)

Muchos son los prodigios discográficos de Janko Nilovic lanzados especialmente para el histórico sello de biblioteca francés ‘’Montparnasse 2000’’, sello en el cual el artista pudo desarrollar todo su talento como músico, compositor, arreglista y creador de escenas y conceptos musicales como ninguno. Se abocó especialmente a la música de corte easy listening, en su mayoría, entre los que aparecen una serie de discos que funcionan bajo su concepto de ‘’Impressions’’, como su ‘’Pop Impressions’’, ‘’Supra Pop Impressions ‘’, ‘’Soul Impressions’’ o ‘’Psyc Impressions’’, y que son fruto de su búsqueda musical devenida de la libertad que el sello discográfico le otorgó confiando en su talento y sus visiones.

Y dentro de su concepto de ‘’Impressions’’ aparece el destacado ‘’Soul Impressions’’, publicado en 1975, un trabajo que tiene dos caras siendo en su totalidad instrumental, el lado más rockero y funk que se desarrolla con buenos atascos donde aparecen guitarras eléctricas, percusiones y momentos más ‘’duros’’, y por otro lado el costado más ‘’suave’’ donde aparecen una suerte de baladas y el pop más sutiles, con melodías pegadizas más fáciles y delicadas. Todo el disco está estructurado en una serie de pieza de corta duración, de tipo easy listening, caracterizadas por arreglos directos y efectivos, entre arreglo cuasi sinfónicos y buenas adiciones de percusiones, además de las diversas visiones del autor entre arreglos de todo tipo.

En su mayoría se trata de canciones de corte convencional con estructuras repetitivas, pero de todas maneras el trabajo es entretenido, con la particularidad de que todo es instrumental, por lo que el desafío es mayor, pero el trabajo cuenta con una buena dosis funky rockera muy efectiva que hace de la experiencia musical muy agradable y contundente.

La música ronda entre el funk, rock y fusión, con buenas mixturas entre fusiones y experimentos que circulan entre esos lugares, un rol preponderante cumple la guitarra eléctrica en muchas de las piezas, especialmente en los momentos más rockeros como ‘’Drug Song’’; aunque en el disco hay momentos más funky como ‘’Crazy Enterprise’’, momentos más jazzeros en ‘’To and Fro’’, o momentos más suaves en ‘’Open Country’’ o ‘’Lady Day’’.

Nilovic es un compositor, arreglista, director, pianista, percusionista, vocalista y productor, nacido en Estambul en 1941, se naturalizó francés en 1973. Ha publicado muchas obras, la mayoría de ellas en etiquetas de biblioteca que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde la música clásica, el jazz y el funk hasta el pop, psicodelia y el easy listening. El productor de hip-hop Dr. Dre sampleó gran parte de la pieza de Nilović ‘’Underground Session’’ para su tema ‘’Loose Cannons’’ del álbum Compton. El productor No ID muestreó la canción de Nilović ‘’In the Space’’, para ‘’DOA (Death of Auto-Tune)’’ de Jay-Z, en el álbum The Blueprint 3.

Los hitos de Nilovic aparecieron especialmente en la década del 70, pero fueron suficientes para elevar su figura a un lugar de culto para muchos. Su maestría en estudio, como arreglos y compositor, fueron notables y se esparcieron por muchos discos de todo tipo y género. De su producción y por su tipo de música que la sensación de que se trata de música que ya jamás se volverá a hacer, y de su discografía tal vez el disco que más resalte sea ‘’Rythmes Contemporains’’ de 1974, una obra donde el autor se sale del rol estándar de la música easy listening para crear una obra sinfónica progresiva con orientación al jazz fusión, una obra fundamental, un hito de esos que ya jamás se volverán a repetir.

Cod: #1636

Wolfgang Dauner Group - Rischkas Soul (1969)

Wolfgang Dauner fue un personaje alemán que en alún momento supo experimentar con electrónica, aunque no se vio tan envuelto por el movimiento del krautrock en sí, también hizo música jazz fusión pero tampoco se codeó con el fusión más tradicional, su estilo siempre fue rupturista y vanguardista, experimentado más de la cuenta, por ende era un personaje difícil de encasillar, aunque su nivel de excelencia lo llevó a tocar con grandes. Grabó ‘’Pianology’’ junto al pianista de vanguardia japonés Masahiko Sato, siendo tal vez ese lugar, la vanguardia, el rincón que mejor le sienta al alemán.

Su excelencia música y su actividad creativa dieron réditos en una fructífera discografía temprana en la que el artista se vio envuelto en un sinfín de creaciones de todo calibre, comenzado su carrera a principio de la década del 60, aunque su actividad temprana principal tendría lugar entre finales del 60 y principios del 70, años en los que aparecen muchas de sus publicaciones que son joyas del fusión y vanguardia alemanas. Su disco de free jazz ‘’Free Action’’ de 1967, su opera sinfónica ‘’Requiem For Che Guevara’’ de 1969, o su experimento con electrónica en ‘’Output’’ de 1970, además de sus varios grupos liderados por el mismo entre tríos, cuartetos, quintetos con los que también hizo historia.

‘’Rischkas Soul’’, de 1969, es otro de sus trabajos tempranos, con un sonido que se ubica dentro del terreno temprano del jazz fusión, aunque este no aparece de forma tan clásica, hay algo de fusión pero también hay algunos experimentos bastardos, como ‘’Kamasutram’’, lo que marca el paso de su evolución desde un jazz rock temprano que no tomó el camino clásico porque se estaba volviendo cada vez más vanguardista, marcando señales tempranas en algunas pistas de lo que luego iría a explotar en su trabajo ‘’Et Cetera’’ de 1971, y esto no es de extrañar ya que la misma banda que primero se llamó Wolfgang Dauner Group fue la que luego se transformó en la misma homónima ‘’Et Cetera’’.

En si es un trabajo que tiene mucho sabor y swing, las pistas tiene aire de samba, funky, soul, atascos fusión con un considerable sabor y creados y liderados casi exclusivamente por las teclas de piano y órgano de Dauner. Es otro de sus tantos experimentos de la época, significando un paso en su evolución y marcando lo que tal vez sea su encuentro más cercano con la música hippie/psicodélica de la época, ya que ofrece algunos atascos deliciosos aquí con buenas guitarras eléctricas distorcionadas, órganos saturados, y siendo prácticamente la mayor parte del disco un atasco entre las distintas pistas, estilo que le sentaba muy bien al hipismo.

Es un álbum correcto, sin pretensiones, un sonido de jazz rock temprano que sabe el lugar que está ocupando y no pretende mayores desenvolturas, un sonido aun algo naif y poco arriesgado para lo que serían los siguientes trabajos de Dauner con el grupo, pero siempre con esa cuota de experimentación tan característica del autor, que se codeó con el mundo del jazz y con el mundo del krautrock pero no perteneció a ninguna de los dos, siempre siguió su propio camino.

Tal vez lo que se diferencie del resto de las pistas sean la demasiada corta ‘’Kamasutram’’, y la pieza ‘’Flute-Woman’’, otra pista que también se adelanta un poco a lo que serían los próximos sonidos de Dauner en Et Cetera, dos piezas que muestran el lado más experimental del autor, con improvisaciones cercanas a la libre ejecución y no pautadas bajo las mismas bases rítmicas y armónicas más convencionales de las otras pistas.  

‘’Rischkas Soul’’ no es un álbum vanguardista sino más bien divertido y movido, con pistas con sonidos jazzero y sabores varios que hacen de la música una experiencia llevadera y hasta bailable (bailable de acuerdo a los parámetro de aquella época). El álbum fue grabado en noviembre de 1969 y lanzado por primera vez como una edición privada, las grabaciones tuvieron un segundo lanzamiento casi tres años después en el famoso sello alemán ‘’Brain’’, en 1972.

Cod: #1635

Marvin Peterson And The Soulmasters - In Concert (1968)

Más música negra para los amantes del soul y derivados, esta vez fusionada con jazz y plasmada en varios estilos como jazz funky, jazz blues y baladas soul, recreadas desde un notable formación del jazz, por lo que el soul presentado se eleva hacia un nivel alto de ejecución y aplicación, con grandes solos y excelentes aplicaciones de viento, sonando al estilo de las bandas de James Brown de la época.

El trompetista Hannibal Marvin Peterson probablemente se más conocido por su trabajo de jazz espiritual de la década del 70, pero su primera incursión discográfica la hizo siendo parte del programa de jazz ultramoderno de la Universidad Estatal del Norte de Texas, liderando su banda ‘’The Soulmasters’’, banda con la cual interpretaban exactamente eso, el soul, el estilo que más sonaba en esa época en la comunidad negra y que tenía fuertes artilleros como por ejemplo James Brown, el cual se nota que es una influencia directa y fundamental en la vida artística de este grupo, ya que en su música se puede apreciar el acercamiento directo del funk, las ejecuciones en vivo estridentes, el juego con la gente y otros yeites que fueron tomados de la esencia de Brown y que son plasmados, al igual que muchos otros artistas, en la música casi como una referencia u homenaje.

Para cerrar el disco, incluso llegan a interpretar ‘’ I Can't Stand It’’, del mismísimo Brown, dejando en claro y no escondiendo nada la influencia del God Father of Soul que pesaba sobre ellos, con una ejecución de un funky liderada por una voz masculina negra, mientras la banda se torna hacia una juego con el público con distintas ejecuciones y juegos de tempo, mientras se puede escuchar de fondo a la gente cantando a coro y participando de la música, sumado a esto las líneas de viento, y etc, la influencia de Brown está allí casi como si él mismo estuviera en vivo haciendo su arte con ellos.

The Soulmasters publicaron tan solo un disco, grabado en concierto en vivo en Burning Bush, Denton, Texas, Noviembre de 1968, y publicado en 1968, una rara pieza de colección de soul del que apenas se publicaron copias, no más de 50  copias aparecieron en su época, por lo que actualmente es prácticamente inhallable una copia de época, lo cual generalmente suele convertir a los discos hacia el culto, sensación que se incrementa además por la excitante música que posee en su interior, música grabada con el rigor del vivo, con interacción del público, mucho soul, excitantes fusiones con jazz, líneas de viento, y una banda que funciona cohesivamente como si se conocieran de toda la vida, imposible no disfrutarlo si se tiene gusto por el soul.

El disco es excitante, intimista, las ejecuciones significantes y nada de lo que ocurre está de más o de relleno, es jazz moldeado de acuerdo a las visiones del soul de la época, con implicancias raciales, celebraciones colectivas, fulguraciones en vivo, participaciones del público y un repertorio muy animado que incluso en las baladas logra entretener y fulgurar. La banda estaba integrada por expertos, Eugene "Gov" Carrier en órgano, Eugene "Spare Time" Murray y Richard "Dick" Thompson en bajo, Emry "Wild Child" Thomas en batería, mientras que Marvin se encarga de tocar solos de la trompeta y de la voz principal, junto con Mike Campbell en el saxo alto, Cleveland Gay en el trombón y Tim Peterson en los saxofones y la flauta.

A fines de la década de 1960, Marvin Peterson asistió a la Universidad Estatal del Norte de Texas durante dos años, luego se mudó a la ciudad de Nueva York y se fue de gira con Rahsaan Roland Kirk. A diferencia de muchos músicos de free jazz contemporáneos, Peterson es experto en estilos más antiguos, ha tocado con directores de orquesta tan aventureros pero apegados a la tradición como Rahsaan Roland Kirk, Gil Evans y Elvin Jones, y con vanguardistas tan acérrimos como Roswell Rudd, Ken McIntyre y Deidre Murray. Se convirtió en miembro de la orquesta Gil Evans, una asociación que duró hasta la década de 1980, y trabajó con Roy Haynes, Archie Shepp y Pharoah Sanders.

‘’The Soulmasters’’ sería parte de su formación inicial respecto a lo que el músico lograría posteriormente, logrando ubicarse como una figura interesante dentro del jazz espiritual, free jazz y jazz de vanguardia de la década del 70. Peterson creció en un entorno de jazz, su madre era pianista y le regalo una trompeta, instrumento que lo acompañaría toda su vida, pero también sus orígenes en Texas lo acercaron a la vigorosa escena de blues del área, a menudo el músico reconoce a T-Bone Walker, con quien tocó durante un tiempo a fines de la década de 1960, como una inspiración e influencia.

En 1974 se estableció como artista líder solista y formó la banda ‘’The Sunrise Orchestra’’, grupo con el que se adentraría en el vanguardismo y sus obras experimentales comenzarían a llegar. Publicó muchos discos interesantes desde su debut como solista en ‘’Children Of The Fire’’ de 1974, ‘’Hannibal’’ de 1975, ‘’In Antibes’’ de 1977 o ‘’The Tribe’’ de 1978, aunque su opera prima apareció en 1995 y se llamó ‘’African Portraits’’, una obra sinfónica que incorporó un cuarteto de jazz, la Orquesta Sinfónica de Chicago, el Coro de la Universidad Estatal de Morgan, el Coro Comunitario del Colegio Kennedy-King, el Coro del Taller Doris Ward, cuatro cantantes de ópera, varios músicos africanos tradicionales y un puñado de vocalistas afroamericanos.

Cod: #1634

Betty Davis - Betty Davis (1973)

Betty Mabry, mejor conocida como Betty Davis, fue una cantante de soul, un icono setentero del funk y soul norteamericano, un icono con sus propias fulguraciones y su propio estilo dentro del género funk bien rockero y duro, ella misma era una figura acida, contestataria, que tenía mucho por decir y hacer con su música discográfica y con sus presentaciones en vivo. Lamentablemente muy poco queda en video de sus presentaciones en vivo y peor aún su figura ha sido algo infravalorada o desconocida para el público general, más allá de los círculos de soul y funk donde se la conoce. En parte esto se debe a que Davis mantenía una actitud sexual abierta, que fue controvertida en ese momento. Algunos de sus shows fueron boicoteados, y sus canciones no fueron reproducidas en la radio debido a la presión de grupos religiosos y la NAACP (National Association for the Advancement of Colored People).

Con el paso de las décadas ya había dejado de publicar discos pero es verdad que para la década del 70 fue una figura muy llamativa, innovadora, futurista, carismática, erótica, una especia de James Brown en versión mujer, con el poder rockero similar a Funkadelic, y algo de ácido por influencia de rockeros como Jimi Hendrix.

Su nombre artístico Betty Davis proviene de su relación con Miles Davis, con quien estuvo casada alrededor de un año. En ese tiempo ambos se nutrieron artísticamente entre sí. En 1969 Miles produjo una sesión para ella con músicos de elite de la época con la idea de que ella grabara su primer disco, entre los músicos aparecían el baterista de la Hendrix Experienica Mitch Mitchell, el guitarrista John McLaughlin, el pianista Herbien Hancock y el bajista de sesión Harvey Brooks, quien había tocado para el mismo Miles. Otros ejecutantes que participaron de las sesiones fueron el bajista Billy Cox, quien tocaría en la Band Of Gypsys de Hendrix, además del saxofonista Wayne Shorter, y el organista Larry Young. Lamentablemente el material no fue lanzado en su época, hubiera sido un gran inicio para su carrera. El material fue lanzado recién en 2016 como un álbum llamado ‘’The Columbia Yeras’’, con material de estudio, algunas canciones terminadas y otras sesiones y tomas sin terminar ni pulir.

Y en contraposición Betty también fue influencia artística para Miles, el mismo Miles declararía sobre esto: ‘’Betty fue una gran influencia en mi vida personal y en mi vida artística. Ella me introdujo a la música de Jimi Hendrix y al mismísimo Hendrix en persona, y hacia otras músicas y músicos negros de rock. ’’. Incluso hay quienes dicen que sin la influencia de Betty sobre Miles no hubiera existido el mismísimo ‘’Bitches Brew’’.

Después de finalizar su matrimonio con Davis, Betty se trasladó en 1971 a Londres para continuar su carrera como modelo. Escribió música en el Reino Unido y regresó a los Estados Unidos alrededor de 1972 con la intención de grabar con Santana. En cambio, comenzó su carrera solista y comenzó a grabar sus propias canciones con un grupo de músicos de funk de la costa oeste. Su primer disco como líder, el homónimo ‘’Betty Davis’’, fue lanzado en 1973. Tuvo dos éxitos menores en la lista de Billboard R&B: "If I'm in Luck I Might Get Picked Up", que llegó a ser No. 66 en 1973, y "Shut Off the Lights", que llegó a No. 97 en 1975. 

El homónimo ‘’Betty Davis’’, lanzado por ‘’Just Sunshine Records’’ (un sello emergente) en 1973, ya mostró a una Betty totalmente evolucionada respecto a sus primeros simples y respecto al materia inconcluso que había comenzado a grabar bajo la producción de Miles, ahora parece más decidida a arrasar con todo y con todos, una actitud totalmente de líder con vocalista mucho más abierta y firme, voz poderosa, con picos, agudos, y arremetidas poderosas, a veces jugando con la voz impostándola y haciendo entonaciones rudas y poderosas.

Los temas del disco llevan el espíritu de su líder, la banda la sigue con firmeza y ella se encarga de comandar las sesiones, que son más que nada canciones. Se trata de un funk puramente rockero, con buenos riffs y buenos sonidos pesados, e incluso se trata de un funk interpretado por momentos por guitarras Gibson y no las típicas Strato Fender que son clásicas del genero por su sonido, por lo que hay una dosis de rock hibrido corriendo en las venas del sonido y ejecuciones de funk que se construyen bajo aplicaciones y riffs tomadas más del rock que de las técnicas del funky más clásico en guitarra. 

Las influencias en el estilo de canto de Betty tienen un aire de James Brown, y el sonido rockero parece ser influencia por gente como Jimi Hendrix o, por similitud y parentesco obvio, el mismo Funkadelic, es funk y a la vez es rock. El álbum fue producido por Greg Errico (baterista proveniente de la mítica Sly & The Family Stone), quien a su vez la contacto con una buena cantidad de musicos talentosos del genero, por lo que el álbum cuenta con contribuciones de varios músicos destacados como Neal Schon, Merl Saunders, Sylvester, Larry Graham, Pete Sears y las Pointer Sisters. Davis lanzó dos álbumes más, ‘’They Say I'm Different’’ de 1974 y su debut en la gran discográfica Island Records ‘’Nasty Gal’’ de 1975. Ninguno de los tres álbumes fue un éxito comercial.

Cod: #1642

Sugarcane Harris - Sugarcane (1970)

He aquí otra de esas mermeladas soul de la época que cuentan con todo un arsenal de estilos en un mismo artefacto: hay desfilando por el disco algo de funk, soul, fusiones sinfónicas, mucho blues y buenas improvisaciones, todo funcionando en el espectro de la música soul negra donde se manejan las fusiones a la perfección.

Toda está liderado por Sugarcane y sus intervenciones en violín, en lo que es un maestro y un pionero en lo que fue el violín eléctrico, por lo que está a la altura de cualquier blues lento o cualquier buen atasco o sesión, completando muy bien los solos, arreglos y acompañamientos en el disco. cuando la mano de Sugarcane se suelta en su violín ocurren cosas mágicas, siempre dentro del puro blues.

Tal vez el álbum se vuelva un poco monótono dentro del blues, pero se compensa con buenos artilleros que integraban la banda a la hora de la grabación, producida por el gran Johnny Otis, el cual también, junto a su hijo Shuggie, participan como músicos, hay algunos buenos solos de guitarra que aparecen por ahí que seguramente sean de Shuggie.

Hay también una tendencia a la orquestación, que aparecen por ejemplo en los temas ‘’Take It All Off’’ y ‘’ Don't You Think I've Paid Enough’’, influencia clásica que aparece sutilmente en el mismo violinista que de todas formas toca escalas pentatónicas más cercanas al rock, pero la particularidad más llamativa del disco en cuanto al acercamiento con lo sinfónico aparece en la pieza ‘’Funk y Wagner’’, una pieza sinfónica donde fusionan exactamente eso, funk y música clásica, todo un experimento con el encuentro de dos estilos que generalmente no se encuentran y que lo hacen de forma muy interesante para esta ocasión.

Sugarcane comenzó su carrera como guitarrista, durante los 50 formó el dúo de R&B Don & Dewey, aunque dejó la guitarra y tomó el violín después de la falta de éxito. Harris recibió el apodo de "Sugarcane" por medio del director de orquesta Johnny Otis, apodo que llevó con él durante toda su vida. Después de separarse de  Terry, en 1960, Harris se especializo en la ejecución del violín eléctrico.

Ya como violinista se hizo famoso por sus improvisaciones y atrajo la atención del mundo del rock, llegando a grabar con John Lee Hooker, Johnny Otis y apareció en varios discos del mítico Frank Zappa, más precisamente en los trabajos ‘’Hot Rats’’, ‘’Burnt Weeny Sandwich’’, ‘’Weasels Ripped My Flesh’’, ‘’Chunga's Revenge’’, ‘’Apostrophe (')’’, ‘’The Lost Episodes’’. Después Don Harris siguió su carrera en solitario, colaborando también con el grupo de John Mayall.  

Hay un rumor que dice que Sugarcane fue rescatado de una prisión. Según se relata, Frank Zappa admiraba su forma de tocar y lo rescató de la cárcel con la misión de salvarlo, salvar la carrera del violinista, además de reclutarlo para que forme parte de sus bandas en vivo. Sugarcane terminó tocando un par de conciertos en vivo con la banda de Zappa en 1970.

Durante esa década del 70 Sugarcane estuvo al frente de su banda ‘’Pure Food and Drug Act’’, que estaba integrada por Victor Conte en bajo, Paul Lagos en batería, y las guitarras de Randy Resnick y Harvey Mandel. Tras pasar varios años desaparecido por problemas psíquicos y abuso de drogas, fue hallado muerto en su domicilio el 1 de diciembre de 1999 a los 61 años.

Cod: #1633

Nico Gomez Y Su Afro Percussion Inc. - Ritual (1971)

Es ironico que este disco, tan embebido en la cultura latina, haya sido grabado por un holandés en su Holanda natal, pero es así, Joseph Van Het Groenewoud, mejor conocido como Nico Gómez, fue un músico y compositor nacido de los Países Bajos pero que pasó su juventud en las Antillas, Cuba y otras islas del Caribe, paso por esas tierras que dejaría una influencia decisiva en su estilo artístico y personal.

Desde la década de los 50 hasta los sesenta, Nico Gómez trabajo como director de orquesta para varios artistas como Chakachas y Francis Bay, al mismo tiempo que dirigió muchos conjuntos con sabor latino. Aunque su grabación, y lanzamiento, más memorable y buscado por los coleccionistas, probablemente sea su ‘’Ritual’’ publicado en 1971 bajo el nombre de Nico Gómez And His Afro Percussion Inc., un excitante obra de música funk con notable sabor afro latin, una obra exótica de gran nivel, muy bien ubicada en el género. 

Toques de funk, elementos de música latin como el mambo, o Bossa, elementos afro y cubanos, exotismo ritual afro y sonidos de rock psicodélico dan vida a un disco que, sin ser necesariamente una mera copia del estilo de Santana, se ubica como un artefacto destacado dentro del género ‘’latin’’ en la orientación de funk o rock.

No hace falta comparar a este disco con los discos de Santana, porque este artefacto cuenta con su propia aura y su propio merito, con una fusión muy esmerada entre la psicodelia y el mundo latino, mezclando, como es costumbre en los discos de este estilo, elementos de música latinas que muchas veces aparecen crudos y no fusionados a las guitarras eléctricas u órganos Hammond.

El trabajo es divertido en su totalidad ya que cuenta con invenciones ricas en estribillos, pasajes, ritmos funk a lo que muchas veces se le suman percusiones típicas, además de una variedad de propuestas que hacen transitar al oyente por momentos más movidos y otros más lentos y melódicos. Entre sabores de mambo, música chicana, samba brasilera, rock, psicodelia, y más elementos se conjugan en el sonido del disco para dar vida a un artefacto destacado del latin funk y la música latin de la época.

Tal vez otro de los logros del disco sea la fusión con los elementos psicodélicos, que aparecen en forma de guitarra eléctrica fuzz, con el típico sonido distorsionado sesentero, además de la aparición de los Hammonds  que terminan de darle esa aura de influencia sesentera, psicodélica y chicana; psicodelia que se entremezcla como pocas veces vista entre sambas y sabores de todo tipo, entre instrumentaciones y ambientes.

Tampoco podía faltar el aura ritual que el mundo afro y latin puede aportar, es más, el disco se llama así mismo, ‘’Ritual’’, reflejándose entre las auras de cada pista pero haciéndose carne especialmente en una pista llamada exactamente de la misma manera, ‘’Ritual’’, una pieza instrumental con sabores funk y adiciones de percusiones y líneas de viento, que terminan volcándose en una sesiones de percusiones entre baterías y bongos que dominan la pista.

Y tal vez el mérito más logrado del trabajo sea la forma en que este músico holandés capto la esencia latin afro cubana que absorbió en su estadía en estos países y que supo trasladar a su Holanda natal, con yeites típicos del estilo muy bien logrados como esos agregados vocales tomados al parecer de la influencia de Perez Prado y que son tan característico de esta música, además de los sabores y la diferentes mixturas logradas en el disco.

Cod: #1632

The Har-You Percussion Group - The Har-You Percussion Group (1969)

A fines de la década de 1960, los disturbios raciales azotaron muchas de las principales ciudades de los Estados Unidos; en Harlem, estos eventos obligaron a los educadores a repensar la educación y crear nuevas formas de la misma para así intentar atraer a los jóvenes y de esa forma también mantenerlos alejados de las calles. El programa ‘’Harlem Youth Opportunities Unlimited’’ fue creado como una serie de planes educativos que tenían en mente este proyecto de atraer a los jóvenes a la cultura. De este espíritu  surge ‘’The Harlem Youth Percussion Group’’ como un proyecto de formación y educación para jóvenes adolescentes, instruyéndolos acerca del mundo musical relacionado con el latin jazz, y el mundo afro cubano. En 1965 se une al proyecto el conguero Montego Joe para dar clases de percussion Afro-Cubana y jazz.

El grupo resultante de esa experiencia, al cabo de cuatro años de educación, grabó un primer y único álbum, en 1965, el homónimo ‘’The Har-You Percussion Group’’, proyecto que, pese a su nombre, no consistía solamente en percusiones sino que también había vientos, piano y bajo, la formación perfecta para la música que se pretendía hacer, afro jazz. El sonido aun suena crudo, incluso hay momentos en los que las sincronización de las percusiones no suena del todo cohesiva, pero eso parece solo algo anecdótico en medio de un sonido que contiene una fuerza espiritual llamativa.

Al escuchar estos sonidos lo primero que se podría pensar es que fueron creados por avezados músicos de nivel que manifiestan su sabiduría y sus orígenes musicales en un sonido con muchas implicancias socio culturales relacionadas al mundo latino, pero lejos se estaría de la realidad ya que esto fue creado por jóvenes adolescentes de entre 16 y 19 años de edad, lo cual sorprende debido a que el disco alcanza unos sonidos de una profundidad cultural alucinante, lo cual también es más aun sorprendente ya que los jóvenes músicos que crearon esto eran en su mayoría jóvenes afro estadounidenses, entre los que había también puertorriqueños, todos dirigidos por Montego Joe.

El trabajo abre con la pieza ‘’Feed Me Good’’, que es un blues, al parecer ubicado allí a forma de atraer al oyente de la época, ya que el resto del trabajo nada tiene que ver con el blues sino con el latin jazz, la música afro cubana y hasta la salsa, tanto es así que en la pieza ‘’Ngoma’’, lo jóvenes parecen haberse adentrado en un mundo ritualista afro, exótico y con fuertes relaciones con el espíritu del mundo afro, adentrándose en momentos solo de percusiones y cantos típicos.

También el acercamiento al jazz está muy bien logrado, las aplicaciones de viento tanto de saxo como de eventuales flautas son exquisitas y están muy bien ubicadas en el contexto con la fusión del mundo latino, aplicando desde introducciones, solos libres con acercamiento al free jazz, o líneas de vientos grupales.

Las siguientes son las palabras de Montego Joe que figuran en la contraportada del vinilo original:

"Si ustedes recordarán, hace varios años fueron los disturbios de Harlem, y los problemas con los jóvenes. Es necesario llegar a un plan para organizar a los jóvenes de Harlem, de tal manera que recibirían la formación, el respeto y las condiciones de vida que son esenciales para la vida creativa. Fue en este momento que un programa cuidadosamente planeado entró en existencia. Su nombre era "Harlem Youth Opportunities, Unlimited", HARYOU ACT.

Yo vine a este programa en 1965 y no de mala gana. Me había pedido el Sr. Julien Euell que era entonces Director Ejecutivo de la División de Arte y Cultura de HARYOU ACT. El Sr. Euell consideró que con mi experiencia profesional sería de gran ayuda para el joven negro de Harlem, en especial los que se interesaron profundamente en la música. Mi tarea consistía en enseñar percusión, tanto los ritmos afro y el jazz. Decidí combinar ambas cosas. Después de tres o cuatro años de formación y tratar de desarrollar estos jóvenes para el mundo del comercio, de repente decidi que estaban listos para grabar un disco, uno del cual estaría muy orgulloso. Sería una gran experiencia musical. Traería una gran satisfaccion.

El actual Director Ejecutivo de Arte y Cultura de HARYOU, el Sr. Leonard Parker, se acercó al Sr. Bernard Stollman sobre la idea de grabar estos jóvenes. Sentía que era una excelente idea. Y, por supuesto, se acordó que el dinero obtenido en concepto de regalías irían a un fondo de becas.

En este álbum hay una gran variedad de música, la mayoría basada en blues afro-cubano, y temas de jazz. La mayoría de los oyentes nunca se imaginaría que los jovenes negros y los puertorriqueños eran adolescentes, y aquí hay otra sorpresa. Aquellos de ustedes que están acostumbrados a escuchar este tipo de música en este álbum (afro-cubana y latina), se sorprendió por el hecho de que la mayoría de los jóvenes en este álbum son afro-americanos. A través de mi dirección y experiencia en este ámbito de la música, hemos sido capaces de llegar a lo que considero un álbum musicalmente muy interesante y colorido. Las edades de estos jóvenes van de 16 a 19 años.

Vitalidad, flexibilidad, profundidad, emoción, color y el sombreado. . . todo esto esta en la música. Será una gran experiencia musical para aquellos de ustedes que van a comprar y escuchar este álbum. La mayoría de las canciones fueron escritas por Nick Kirksey y David (Mousie) Edmead. Aunque somos un grupo, yo, el instructor, y los once hombres jóvenes en este álbum, Puerto Ricanos y afroamericanos, considero que todos nosotros una familia espiritual. Ellos tienen un gran amor y respeto uno por el otro, una cercanía que está ahí y se expresa más plenamente cuando tocan juntos. Me gustaría ir diciendo en la grabación que los temas de estos jóvenes a pesar de haber tomado forma latina, Afro-Cuban Jazz y Blues, que es su música. Casi todos los temas fueron creadas por ellos. Se pusieron los ritmos y los sonidos y melodías, y cuando grabaron, sucedió. Cuando hay esa interacción (y no siempre) es su música. "

Cod: #1631

Santana - Santana (1969)

Clásico de clásicos y un referente para el rock mexicano y mundial, Carlos Santana ha construido su reputación en base su fantástica forma de tocar su guitarra y a base de discos míticos que fueron fuerza importante en su época. Actualmente algunos lo cuestionan por sus intervenciones con músicos comerciales contemporáneos, pero es verdad que en su época este señor creó discos que muy pocos podrían hacer incluso hoy en día y alcanzó ciertas hazañas musicales irrepetibles. Prácticamente sentó las bases de una de las ramas de lo que se conocería como ‘’latin rock’’ (sea lo que signifique ese término ya que latino no significa una sola cosa ni abarca una sola regio o país, sino muchas), publicando una enorme cantidad de discos desde su surgimiento artístico allá por finales de los años 60s y con su posterior aparición en el festival de Woodstock que lo catapultaría a la fama mundial.

Santana era además muy consciente de su herencia latina y de todos los movimientos de su actualidad, por lo menos en su época, conocía a los congueros, a la salsa, sabía del latin jazz y de las incursiones de artistas de culturas exóticas extranjeras dentro de la música latina y afro latina. Esto opinaba de los congueros: “Cuando escucho a un gran tumbador como Armando Peraza, Mongo Santamaría, Francisco Aguabella, Tata Guines o Patato Valdés, no oigo las congas, oigo a la vida”. Por otra parte Santana también estaba adentrado en el jazz, tal vez al comienzo de su carrera todavía no lo había desarrollado como en sus álbumes sposteriores, pero ya al comienzo de su carrera mostraba ser un guitarrista con un repertorio técnico de ejecución e improvisación que se salía de lo convencional, reflejando ser un guitarrista de temer.

El primer álbum de la banda llegaría en 1969, lanzando por el sello Columbia, grabado en los estudios Pacific Recording de San Mateo, California, y producido por Brent Dangerfield y por la misma banda. Este sonido de este artefacto se ubica entre un hibrido de rock, con sabores latinos predominantemente marcado como las batucadas y los atascos y descargas, además de la psicodelia. Hay canciones más convencionales, aunque en su mayoría las piezas del disco son inventos de la banda, la cual descarga todo su poderío de sabores y percusiones latinas sobre un campo de composiciones cargadas de atascos instrumentales, con inventos como ‘’Soul Sacrifice’’, que fueron furor en el Festival de Woodstock, donde la banda se presentó dos semanas antes del lanzamiento de este disco.

Un componente importante de este disco es la batucada, esa tendencia de la banda en caer en atascos robustos y repletos de sabor, con congas y ritmos exóticos, plenos en solos de guitarra y con todo el sabor del rock de la época con la aparición de Hammond y todo su típico estilo para completar hasta el último rincón; por lo que muchas de las canciones del disco no son ejecutadas convencionalmente con rasgueos y percusiones típicos de las bandas estadounidenses, sino que poseían todo un repertorio de ritmos y agregados que distinguen a la banda del resto de sus contemporáneos y le otorgan a su sonido ese mote que con recelo se puede llegar a denominar ‘’latin’’, ‘’latin rock’’, o como sea que le hayan llamado. Véase los temas ‘’Savor’’, ‘’Jingo’’ o ‘’Soul Sacrifice’’ para ejemplificar perfectamente este concepto. “Jingo” fue compuesto originalmente por el percusionista nigeriano Babatunde Olatunji.

Particularmente todo el disco se caracteriza por esa noción de batucada, todos los temas son o contienen considerables partes de esos atascos a los que recaen con una facilidad muy natural, el atasco, la batucada, la descarga, aunque irónicamente el único tema que se sale de esto, ‘’Evil Ways’’, ejecutado adrede de forma más convencional, justamente fue el tema que alcanzó llegar al top diez de las listas estadounidenses. Tal vez el público norteamericano no estaba listo para estos sonidos, pero sin duda que logró captar la atención de todos, catapultando a la banda, y especialmente al guitarrista, a la fama mundial de inmediato.

En comparación con lo que sería la evolución del sonido de la banda en los posteriores trabajos, este primer disco se encuentra en un lugar seminal, todavía crudo pero pleno en las batucadas y los atascos, con la adición de  José “Chepito” Areas, un consumado timbalero y conguero muy conocido en su Nicaragua natal, lo cual le dio al grupo un impulso sonoro característico de la banda. Con dosis de blues, jazz, rock, sonidos afro, étnicos, eventuales sabores a salsa y hasta acercamientos a lo ritual, y en esa andanada de buscar los sonidos libremente improvisados e instrumentales, caracterizados por las improvisaciones libres colecticas o individuales en jams sessions interminables, las cuales, por indicación del entonces manager de la banda, Bill Graham, en ocasiones se disminuyeron, reformándolas para ser ejecutadas de forma más convencional, solo por eso el disco no suena más crudo aun.

El impulsor e ideólogo del sonido es el mismo Carlos Santana, sus intervenciones en guitarra eléctrica son excitantes, embriagadas en sabor y colores exóticos, aunque Santana no ocupa un lugar primordial todo el tiempo, aquí hay lugar para todos los ejecutantes, buenos solos de Hammonds, momentos de percusiones, atascos colectivos, improvisaciones solistas, funcionando todos en una simbiosis caracterizada por la batucada y manifestándose ala perfección en composiciones que no son para nada sencillas, un sonido que entre atascos, cambios, estrofas y solos suena bastante robusto y complejo, sin llegar a lo progresivo pero marcando un rumbo para nada fácil de imitar.

La carrera de Santa, tanto la banda como el guitarrista, fue en ascenso, con discos que fueron pilares en el género y siguieron marcando el rumbo en el mundo de lo que con mezquindad se denomina ‘’latin rock’’ pero que en realidad, por lo menos en el caso de Santana, es muy difícil de definir, ya que es una música caracterizada por la fusion y el encuentro de distintos sonidos, aunque sí muy influidos por el mundo ‘’latin’’ de la salsa, boogaloo y latin jazz. Ambigüedad y complejidad de fusiones y estilos que más tarde se acentuarían aún más en los álbumes posteriores del grupo, inmiscuyéndose aún más en fusiones mucho más estilizadas y complejas, hasta llegar a lugares de jazz fusión y jazz espiritual, característica espiritual que también se acrecentaría en el estilo del guitarrista, pero sin perder la banda jamás su toque y sabor afro que tanto la caracteriza.

Cod: #1630

Mongo Santamaria - Mongo '70 (1970)

Este seguramente sea uno de los acercamientos más estrechos del conguero Santamaria con la música de rock y especialmente de funk estadounidenses, gran parte del repertorio del disco contiene un boogalo con buenas dosis de funk y en un estilo norteamericano, aunque el estilo ‘’latin’’ marca también con su dosis exótica toda la producción, una buena conjunción de sabores se combina para dar este trabajo que no es de los más destacados del percusionista pero que es de los más entretenidos dentro de su acercamiento al funk. En ese sentido el disco funciona a la perfección, demostrando que el artista ya lejos estaba de las percusiones tribales del comienzo de su carrera solista, ya amoldándose a los sonidos contemporáneos de la época, dentro del espectro ‘’moderno’’ de los 60/70 con acercamiento al funk, toques de rock y una portada que le hace el guiño a la psicodelia, demostrando además, con un repertorio completamente propio de la banda, que era capaz de mostrase competente en el terreno del funk.

Y es que para no ser un artista necesariamente de funk, el álbum tiene unos sonidos que bien algunos de los tracks podrían figurar en compilados de mejores piezas del género, por ejemplo el primer corte del trabajo, ‘’Windjammer’’, exquisito funk. Para el funk propiamente dicho aplican buenos riffs y buenas bases sobre la que funcionan las descargas y los atascos y apareciendo las improvisaciones, aunque también hay otros sonidos embrionarios que funcionan entre el funk, el boogaloo y lo que con recelo se podría decir ‘’latin jazz’’, con sonidos más melódicos como en ‘’Yesterday's Tomorrow’’, o sonidos más latinos como en ‘’Adobo Criollo’’ que no está tan lejos de los sonidos de la salsa contemporáneo.

Las percusiones de Mongo en el disco son una delicia por supuesto y acompañan a la perfección a la música, como si supiera tocar algo el señor, pero en realidad todo el conjunto funciona perfecto para el género que ejecutan, siendo la banda la estrella principal del grupo, con buenos acompañamientos de Neal Creque al piano que es quien arregló seis de las diez pistas del disco, y apariciones de arreglos de viento y orquesta, flauta traversa, saxo, vibráfono, algún buen solo de guitarra eléctrica por allí y demás buenos aditivos a la salsa funky latina.

Fuentes de esta informacion biográfica: Mongo Santamaria: Sonando En Cubano y Ramón "Mongo" Santamaría por Israel Sánchez-Coll

Al maestro Mongo Santamaría se le conoció como el conguero más influyente en el desarrollo que ha tenido el Jazz Latino en los EUA.  El sonido del tambor de Mongo abarcó desde el típico  sonido cubano del son tradicional, hasta una variedad de ritmos como el Boogaloo, Guajiras Boogaloo, Rock, Soul, Pop, Salsa, Música Religiosa de la Tradición Afrocubana, Pachangas, Charangas, fusiones de Panchangas Twist, entre otros.

Son relativamente pocos los congueros con un sonido tan individual que uno podría distinguirlos entre la multitud, Ramón Mongo Santamaría era uno de ellos.  Le daba mayor importancia al timbre más oscuro de sus congas, y se quedaba un poco atrás del beat para crear un notable swing en su estilo de percusión afrocubana, dejó una marca indeleble en el jazz.  Su obra influyó tanto en sus contemporáneos como en músicos e intérpretes más jóvenes: Ray Barretto, Giovanni Hidalgo, Poncho Sánchez, Patato Valdés, etc.  El propio Tito Puente expresó alguna vez: “Mongo me adelantó en la rumba y el son más que si hubiera ido a una Universidad”.

La biografía musical de Mongo Santamaría lo ubica en un constante vaivén entre la ejecución de la música cubana más tradicional, e.g. el son, la rumba, el danzón, el bolero, la pachanga, y un estilo fusión muy propio de él, que combina el jazz con la música negra norteamericana soul y motivos y ritmos de origen cubano. 

Empero, Mongo, quien ha cursado la mayor parte de su vida artística en los Estados Unidos, es, en el fondo, un sonero de corazón. Defensor a muerte de la música de su país -al que visita de vez en cuando a pesar de las dificultades vigentes- y promotor del elemento Afro en la misma, Mongo se ha destacado por sus célebres críticas hacia la "salsa", a la que considera una imitación. A pesar de esta posición impopular, debemos destacar que Mongo ha sido admirador y promotor de las músicas autóctonas de otros países de la cuenca del Caribe, como Puerto Rico, República Dominicana, Colombia y Trinidad.

Cod: #1629

Shuggie Otis - Here Comes Shuggie Otis (1970)

Shuggie Otis es una leyenda de la música negra estadounidense, habiéndose criado en círculos de blues y jazz, siendo hijo de otro nombre de peso Johnny Otis, aunque al llegar a su adolescencia se toparía con la música de la contracultura desde el rock funky y el soul, esto lo completó como artista y le ofreció la oportunidad de crecer en una escena en la que encajó muy bien por sus habilidades como guitarrista, compositor, cantante y multiinstrumentista, hasta llamar la atención del mismísimo BB King, quien lo citó diciendo que Shuggie era ‘’su nuevo guitarrista favorito’’.

Shuggie nace en 1953, rodeado de músicos de relevancia de los ámbitos del blues y jazz que s padre Johnny Otis recorría como profesional. Como si de un prodigio se tratase, Shuggie se vuelve músico profesional a la edad de doce años, tocando en la banda de su padre, iniciado en la guitarra pero también en muchos otros instrumentos. 

La discografía de Shuggie no es particularmente extensa, habiendo publicado sus discos más importantes en la década de los 70s, época de la que luego prácticamente publicaría poco material en comparación a lo que había sido su carrera hasta 1974. Pero sin embargo sus discos son muy significativos y demuestran una habilidad llamativa para manejarse por la música soul y blues. En 1970 lanzó su primer álbum en solitario, ‘’Here Comes Shuggie Otis’’, producido por su padre Johnny Otis y lanzado por Epic Records. Precio a eso había sido presentado en sociedad discográficamente en 1969 cuando apareció en un disco de Al Kooper, como invitado.

Su primer trabajo solista es un álbum increíblemente variado, prácticamente contiene casi todos los sonidos que su época puede ofrecer, algo de rock, balada, boogie, blues, funky, góspel y soul, mucha música negra por un artista negro que respiró y nació en medio de esta música y que denota la practicidad que tenía (y sigue teniendo ya que el músico aún hoy sigue tocando) para manejarse por estos terrenos, las raíces de estos géneros que corren por sus venas y fluyen por los dedos en su guitarra, manejando muy bien los yeites de cada estilo que interpreta en el disco y siendo un gran solista en la guitarra blues y soul.

Todo el álbum permanece fresco aun hoy, con un repertorio de diez piezas muy entretenidas que hacen la delicia para el estilo de soul ramificado en muchas variantes, con creaciones ingeniosas, buenos arreglos, muy buenos músicos de sesión participantes, entre los que se encontrabajo su padre Johnny Otis, entre otros. Por si fuera poco, también se escucha a Shuggie en su faceta de multi-instrumentista, tocando la guitarra, armónica, piano, órgano, la celesta y el clavicémbalo. 

El álbum comienza con ‘’Oxford Gray’’, en lo que pareciera un sonido que se acerca a lo progresivo, comenzando con algo de blues rock con buenos solos, hasta pasar la pieza por una serie de arreglos internos entre arreglos acústicos y arreglos orquestales, uno de los momentos más destacados del disco. Los arreglos de orquesta se extienden incluso durante otras piezas en el disco, como ‘’Jennie Lee’’. 

Combinando y mezclando géneros en una misma cosa, Shuggie demuestra ser un entusiasta, un joven talentoso que con solo dieciséis años estaba llamando la atención de la escena, sin ser necesariamente un estricto músico de blues, pero tampoco de pop o rock, aunque en el estilo del disco estos géneros está presentes, incluso también algo de eventual sabor psicodélico, como bien sonaba en su época.

Shuggie siempre fue un músico de talento, sus habilidades lo llevaron a tocar con muchos grandes músicos, incluso el mismo Zappa lo felicito por su ejecusion de bajo cuando Shuggie grabó el bajo en la pieza ‘’Peaches En Regalia’’, del álbum Hot Rats de 1970. Pero también grabó con Paul McCartney (primer disco en solitario), Lenny Kravitz, Stevie Wonder y Sly Stone, entre otros. Solo publicó un puñado de discos hasta mediados de los 70, tal vez su punto más alto sea su maravilloso disco ‘’Inspiration Information’’ de 1974, en el cual estuvo trabajando un par de años hasta poder lograr un sonido ya evolucionado de su estilo que habla a las claras de su visión del funk y del soul.

Cod: #1628