Hola a todos, soy Juan, creador del Jardín Psicodélico, en esta oportunidad les traigo algo parecido a lo de siempre pero diferente, se trata de un compilado de música experimental psicodélica elegida exclusivamente para esta ocasión, un compilado en el que he estado trabajo ya desde hace algunos meses y que por fin ahora me he decidido a concluirlo en la elección final de los tracks y a subirlo y compartirlo aquí en el blog de las delicias. Ya hace tiempo que venía planeando algunos compilados para compartir en este blog y qué mejor manera que comenzar la sección de compilados con este rejunte de la música que más nos gusta en el blog, una elección de veinte tracks entre composiciones, piezas y experimentos psicodélicos que le hacen honor al blog y son una buena oportunidad para seguir sumergiéndonos en este rico género (o sub genero) que tanto nos fascina a muchos, que tanta historia tiene y tanta influencia ha dejado en la música y la cultura popular.
Si han seguido este blog supongo que sabrán de qué se trata la música psicodélica: unas pizcas de contracultura, una dosis de experimentación y delirio, unas gotas de ácido, un poco de espíritu contracorriente, mucho rock y pop sumado a la mezcla para sazonar, y el sonido bastardo estará listo para la delicia de los oídos. En el compilado hay de todo un poco pero siempre todo dentro del delirio y la búsqueda sonora hacia tierras de experimentación que trascienden la mera canción para posarse en lugares insospechados que podrán sonar extraños para los no asiduos en el tema.
Esta es una buena oportunidad para iniciarse en la cultura hippie y especialmente en la música psicodélica, saliéndose un poco de los ultra clásicos del género para descubrir que hay vida más allá de los iconos y referentes más populares. Aunque esto trasciende la canción, se trata de un compilado de composiciones muy adentradas en terrenos de psicodelia, lisérgia, experimentación sonora, donde puede aparecer algunos tracks con sesiones extensas de improvisación (como ‘’Brain Strain’’ de la banda Chillum), también aparece el sonido fusión con la música hindú (como el track ‘’Purple’’ del artista Bobby Callender), aparecen tracks con experimentación de estudio (como el track ‘’The End’’ de la banda finlandesa Topmost) y otros experimentos varios que abren aún más el espectro de qué es posible alcanzar en la música psicodélica (entre los que aparecen tracks como ‘’Flowers’’ de Toshi Ichiyanagi, o ‘’Yod He Vau He’’ de Ya Ho Wa 13.)
Debido a la naturaleza volátil de esta música, y su carácter tan fuertemente marcado por el misticismo, es que este compilado es perfecto para amenizar cualquier aquelarre o happening hippie acido, estos sonidos son perfectos para propiciar viajes de todo tipo, desde delirio con los sonidos más experimentales y hasta viajes introspectivos con los tracks con más acercamiento a lo místico y/o hindú. Es una buena selección de música psicodélica under para salirse de lo clásico del género, perfecto para amenizar cualquier aquelarre hippie, aunque hoy en día prácticamente somos muy pocos los que nos sentamos a escuchar estos sonidos, la juventud de hoy está en otra sintonía, hay psicodelia moderna o neo psicodélia pero está muy ligada al pop moderno y, pese a que se tiene noción de los movimientos del pasado, pocos son los que saben mantener viva la esencia de los sonidos más experimentales de aquella época; así que finalmente este compilado está dedicado a algún friki del género que se tome el tiempo para sentarse, escuchar estas cosas y gozar de la misma forma que lo hacemos nosotros al escucharlo y vivir con esto.
La música psicodélica nació del surgimiento del rock sesentero sumado a la experimentación con psicodélicos, con su apogeo hacia finales de los 60s, momento en el que brotaron de pronto un sinfín de bandas y artistas de todo tipo, calibre y talento. Muchas baladas icónicas ha dado el movimiento, muchas canciones que se eternizaron, además de muchos momentos emblemáticos, conciertos gigantescos y happenings ácidos en los que los jóvenes del momentos se introducían al consumo de psicodélico y a su supuestos efectos de ‘’despertar’’ hacia una nueva forma de ver y vivir la vida. Si eso sirvió realmente para algo en un sentido psicológico, metafísico o espiritual, lo analizaremos en otro articulo, pero por lo pronto analizaremos los efectos y repercusiones que tuvo en la cultura y la música popular, que por aquel entonces estaba pasando por el rock.
La creación artística del movimiento también se vio afectada por el consumo de dichas drogas y de ello resultó un arte nuevo hasta entonces, que supo tomar elementos de estilos del pasado para recrearlos en aquel presente y dar vida así a un estilo caracterizado por el uso de colores y el divague resultante. La contracultura no se basó únicamente en la creación de canciones. Mucha de la creatividad de la época fue volcada a la creación de música experimental, de ahí surgieron canciones pero también surgió una música que muchas veces no encajaba en el concepto y estilo de la forma que la canción popular tenía y tiene, naciendo así experimentos de todo tipo: desde experimentos con sonidos alterados en estudio, hasta fusiones instrumentales totalmente atípicas, fusión con música hindú, delirios, o extensas improvisaciones que daban como resultado sonidos netamente improvisados en el momento; característica varias que muchas veces también se combinaban entre sí para también dar vida a algo experimental.
Este fenómeno de lo psicodélico, la experimentación y las distintas alteraciones que alcanzó el rock hippie influyó a muchos otros géneros, sentó bases sobre las cuales la música popular a posteriori se manifestaría y sirvió como base y atrayente para que muchos vanguardistas se acercaran, desde la generación de poetas Beat, hasta el acercamiento de vanguardistas concretos, o incluso músicos de jazz, que por aquel entonces estaban plantando la semilla del jazz rock, se vieron influenciados por la ineludible andanada de bandas de rock que surgían y con ellas sus experimentaciones e innovaciones dentro del terreno de la música popular.
La psicodelia sentó las bases de una música nueva, una música popular nueva, dio nuevos ejemplos acerca de qué se puede hacer con la música, qué alcances tiene, estableció las bases para el estándar de pop, propulsó la improvisación hasta niveles insospechados, prácticamente trajo la música hindú al espectro popular de occidente, además de abrir las puertas para que nuevas formas de rock surgieran, tal vez una de las formas más experimentales que este género haya alcanzado jamás.
Cod: #1627
01) Topmost / The End / 1968
Qué mejor que comenzar por el final?
Este es un track por demás lisérgico, estrictamente psicodélico, nada de canción ni melodías, es un delirio místico propio de la experimentación de estudio, creado por unos jóvenes finlandeses de los que poco se sabe y que no han dejado discos en su haber salvo esta track publicado en su momento en forma de simple. Pareciera tratar el concepto del tiempo y recrearlo en la paradoja del concepto del final como forma de recomenzar algo, un ciclo, la vida, el día, quien sabe qué sea, mientras los participantes se ahogan en un paradoja atemporal de efectos agregados y una voz oscura recita lo inevitable, ‘’the end’’, un primo psicodélico lejano del ‘’The End’’ de The Doors, pero mucho más psicodélico y under, provenientes de una escena de la que poco se sabe peor que si esta es la psicodelia que hacían allí, seguramente iban por buen camino.
02) US69 / 2069-A Spaced Oddity / 1969
Esta es una de las pocas canciones del compilado, por demás ornamentada con todo tipo de agregados, desde percusiones alegóricas, efectos de estudio, distorsiones, incluso arreglos de cuerdas, fluyendo en una danza que se mantiene en un pulso constante e hipnótico, mientras una voz invita al viaje con su agradable melodía desde su canto. Es una buena canción que se ornamenta con buenos agregados, y con la aparición de los arreglos de cuerdas que elevan las sensaciones hacia lugares insospechados, aunque la cosa no termina allí, ya que cuando la canción se termina, esta se va diluyendo mientras que aparen algunos efectos siniestros de estilo concreto, de tipo de música concreta o electrónica, convirtiendo lo que era una colorida canción en un viaje hacia tierras inexploradas, efectos que no muchas veces se han acercado a la psicodélia pero que aquí lo hacen para el asombro y para la delicia del potencial oyente ávido de sonidos de ensueño. Es un track único en su tipo y por eso aparece en este compilado de música trippy.
03) Popera Cosmic / Aurore Cosmic / 1969
Aquí hay una belleza única en su tipo proveniente de un track que originalmente estaba ubicado en uno de los primeros lanzamientos psicodélicos jamás hecho en su Francia natal, un lanzamiento que marcó historia en el género, hizo su influencia y marco cierta tendencia para que futuros lanzamientos se inspiraran. El track en si de que se trata? Es una fusión como pocas, y aunque contenga elementos conocidos para el momento estos están reordenados de manera muy particular. La pieza comienza con sitares y elementos de música hindú casi dentro de un raga mismo, con el aire místico salpicando el ambiente y toda la magia aurea que este estilo pueda tener, aunque esto no se mantiene hasta el final ya que el mismo sonido va mutando sutilmente hasta transformarse en un atasco en el que van apareciendo baterías y guitarras eléctricas, transmutándose de un sonido hasta otro de manera que yo no quedan reminiscencias de lo hindú sino solo un atasco de rock con órganos y guitarras. Posteriormente aparecen algunos pianos para continuar con la destreza desplegada en la pieza. Si de viajes se trata este es un buen ejemplo de mutación y transformación en pos de un viaje instrumental como pocos en su época.
04) Twink / The Coming Of The Other One / 1970
El buen Twink y su música psicodélica en este disco que es emblema de su carrera, es más, tanto es así que es él mismo quien continua promocionándolo y publicándolo en la redes, si lo buscan por Facebook seguro lo encuentren. La elección de este track para integrara el compilado se hizo con el criterio bajo el que se eligió el primero de la lista (‘’The End’’ de Topmost), ya que el concepto propuesto es similar y la psicodelia alcanzada es de un delirio muy alto y profundo a la vez. Pareciera ser un trance, un ritual, como inmiscuyéndose en una cueva de aborígenes chamanes en pleno trance o mutación. Lo que se puede escuchar es básicamente eso, delirio ritual, con voces de ultratumba y unas percusiones diabólicas que invitan al delirio. Mientras tanto las voces parecieran estar sufriendo, de algo muy malo o de algo muy bueno, pero lo seguro es que se trata de un trance muy conmovedor, muy significativo, en una track como pocas veces se ha escuchado en la psicodelia.
05) The Aggregation / The Lone Windy Tunnel / 1969
Este es otro trip que consiste en un desarrollo que transita por diferentes motivos hasta llegar a su conclusión. Un sonido de similar calibre al segundo track de esta lista, el ‘’2069-A Spaced Oddity’’ de la banda US69, que arranca con una canción y termina diluyéndose en efectos de sonido, aunque en esta ocasión The Aggregation propone un trip a la inversa, con un viaje que comienza con efectos de sonidos y momentos delirantes, de desconcierto, penumbra, lo cual de a poco va mutando, transmutando, hacia el motivo de la canción propiamente dicha, que no es una canción sino una composición instrumental, que alcanzan su apogeo psicodélico en un juego entre melodía épicas de guitarras agregadas. Puede que el sonido tenga un motivo de fantasia y hasta lúdico, es que se trata de una banda que originalmente se formó para tocar en un parque de diversiones de Dysney, en alguna parte de California del sur, quienes son descubierto por un productor que tenía un pequeño sello discográfico, quien se contacta y les ofrece la oportunidad de lanzar su primer disco, el cual sería el único.
06) Toshi Ichiyanagi / The Flowers / 1968
Este es otro viaje muy particular, caracterizado por tratarse de una música de rock libre, y más particular se vuelve aun debido a que quien estaba detrás de esta idea musical era el vanguardista japonés Toshi Ichiyanagi, un vanguardista japonés muy importante en la vanguardia local, por lo que podemos deducir y darnos una idea bajo qué parámetros se planeó esta sesión de música libre, prácticamente sin restricciones ni moldes. Esta pieza forma parte del disco de Toshi Ichiyanagi llamado ‘’Opera From The Works Of Tadanori Yokoo’’, y es ejecutada por Yuya Uchida y su banda de rock The Flowers, el resultado es una extensa sesión de rock libre improvisado deveinte minutos de duración. Algunas veces alcanzando momentas más estándar de bases marcadas, aunque muchos otros momentos la banda se aboca a la libre ejecusion psicodélica por lo que el sonido se vuelve irreconocible, es un viaje, un trip, un delirio colectivo, una búsqueda de un nuevo sonido a partir del rock y la psicodelia. Es un trip único en su tipo que bien vale la pena tener presente.
07) Don Robertson / Dawn / 1969
Este track proviene de uno de los primeros discos del estilo new age, por lo que se pueden dar una idea de qué se trata, una música plenamente espiritual, un trip por excelencia por el cosmos metafísico a bordo de una cúpula celeste que navega la singularidad mientras se adentras cada vez en el misterio del ser y se encuentra con el exotismo introspectivo, o algo así. Es una música muy influenciada por el estilo hindú, por lo que el sonido consiste en un trip de cuerdas similar a un raga, aunque por supuesto también hay psicodelia, por lo que tenemos recitaciones de textos sagrados por una voz hipnótica que habla desde el fondo. El resto el resultado de la conjunción entre estos elementos y toda la invención experimental que de esto podría haber resultado. El autor de este track fue un ávido estudiante de música clásica y de músicas del mundo, plasmando todas sus visiones espirituales en su música que era la plataforma que reflejaba todas sus significaciones internas, el resultado es esta música espiritual.
08) George Harrison / Dream Scene / 1968
Aquí hay otro trip con un fuerte acercamiento de la cultura hindú, creado por un fantástico, George Harrison. Lanzado en noviembre de 1968, ‘’Wonderwall Music’’ de George Harrison fue el primer álbum en solitario lanzado por un miembro de The Beatles y el primer LP lanzado por Apple Records. El álbum original fue creado para ser encomendado para funcionar como la banda sonora de la palicula del mismo nombre ‘’Wonderwall’’ de 1968. Todo el disco es un trip que ronda entre el rock psicodélico y la música claisca hindú, creada de esa forma por Harrison para acercar la música hindú al público joven occidental. Era la conjunción de dos culturas altamente misticas y el resultado no defrauda, con muchos momentos de música folklórica hindú, mucha experimentación, fusiones, inventos, y todo lo que se podría de esperar de un Harrison experimentando con sonidos que lo cautivaban y muy metido en la psicodélica. Pura delicia.
09) Group 1850 / I Put My Hands On Your Shoulder / 1968
Este es un trip, y muy complejo por cierto, que transita por muchas partes y es una buena oportunidad en la que perderse en un mundo de delirio y algo de desenfreno. Comenzando desde la canción pero continuando esta por un mundo de delirio, rompiendo la canción y volcándose hacia terrenos que van mutándose y transitando por muchos lugares distintos. Se trata de un track de trece minutos de duración extendido en un trip psicodélico de gran experimentación que logra alcanzar una complejidad llamativa al transitar por buena cantidad de partes y momentos diversos. Tal vez lo más llamativo sea el rol que cumple la batería a lo largo de gran parte de la pieza, alcanzando momento en solo del mismo instrumento. El track pertenece al primer disco de la banda, ‘’Agemo's Trip To Mother Earth’’, de 1969, un disco innovador que con el tiempo ha ido alcanzando un reconocimiento como una de las propuestas más delirantes y psicodélicas de la Europa de la época.
Si de trips siderales y místicos hablamos entonces esta es el perfecto sonido para ejemplificarlo, propio del gurú del ácido lisérgico, Timothy Leary, quien por aquellos años estaba blandiendo la bandera del movimiento psicodélico, llevando al nivel académico dicho alucinógeno y participando de ingestas masivas. Dentro del delirio por el que transitó también se lanzó a publicar disco, y el resultado sonoro no quedaría atrás en las expectativas, siendo casi todas sus producciones discográficas auténticos viajes introspectivos en los que generalmente el autor recitaba textos para guiar al escucha en su viaje acido. ‘’The Trip, Freak-Out (Continued), Genetic Memory’’ es uno de esos tracks alocados, dos o tres tracks originales de la tirada de época unidos en uno solo, formando así un viaje entre sitares, efectos agregados de estudio, delirio, viajes por el cosmos y más de sus recitaciones que te trasportan hacia lugares insospechados.
11) The Fool - Voice On the Wind (1968)
Este buen trip psicodélico cuenta con un bagaje artístico funcionando por detrás ya que los ideólogos de este sonido era un grupo de diseñadores de moda y artistas abocados al arte de la época, habiendo sido descubiertos y habiendo llegado a Londres donde abrirían un estudio. Allí, entre sus tantas excentricidades, llegarían a diseñar vestuario para los Beatles, además de publicar un par de discos muy embebidos en los sonidos de la época, el estilo multicolor, el divague y la música experimental, manifestándose dentro del estilo folk. ‘’Voice On the Wind’’ proviene de su primer disco, y probablemente se trate de uno de los momentos más volátiles de su carrera música, comenzando con unos pianos para transmutar el sonido hacia algunas partes internas entre arreglos de cuerda y otros momentos delirantes.
12) Touch -
The Spiritual Death Of Howard Greer (1969)
La muerte spiritual Howard Greer ha de haber sido un evento
catalítico de fenómenos nocturnos, encuentros con la lisérgia y viajes
ocurridos en los estudios donde se grabó todo esto, aquelarres sobre los cuales
se comenta que iban a parar algunas personalidades. Touch, sin dares cuenta,
creó uno de los discos que se ubican entre los anales de la música de rock
progresiva, con su sonido muy empapado en la psicodelica pero esta desplegada
en piezas algunas realmente complejas, ‘’The Spiritual Death Of Howard Greer’’
es uno de esos momentos, un momento seleccionado de su único disco que ofrece
un trip penumbroso por las cavernosas catedrales de lo prohibido y lo místico,
mientras se lleva a cabo una celebración ritual de muerte y sobresalto, aunque
también de vida y resurrección, armados con todo lo mejor del poderío
psicodélico de la época y ofreciendo un trip de un goce psicodélico magnifico
por el cual hablar.
13) Bobby Callender - Purple (1968)
Este fue un personaje muy particular y un creador de músicas también particulares, aunque lamentablemente su discografía es muy breve, solo tres discos. Para su primer lanzamiento se arma de misticismo, influencia de la cultura hindú, instrumentaciones típicas y de sus visiones del mundo para crear un álbum memorable, ‘’Rainbow’’ de 1968. En el disco aparecen inventos varios provenientes de fusiones varias, y de esa colección sale este ‘’Purple’’, una pieza con forma y estirpe de raga, con sitares, tablas y tamburas, aunque también combinado con el sonido de grabaciones de lluvias, además de aparecer el mismo Callender cantando delicadamente unas letras. Un momento memorable, empapado en un misticismo muy álgido que de seguro será la delicia de los psiconautas de sonidos místicos.
14) Marks And Lebzelter - Essence Of It's Own (1968)
Entre las tantas excentricidades de la cultura hippie, un mote predilecto fue el de la experimentación con sonidos y efectos de estudio, y en ese terreno el dúo de artistas de Marks y Lebzelter lograron un disco que funciona muy bien dentro en esa área y que ofrece un trip de principio a fin como una experiencia alucinógena perfecta. Su disco fue el ‘’Rock And Other Four Letter Words’’ de 1968, siendo un disco que transitaba una enorme cantidad de momentos y estilos en un solo trabajo, y dentro de tal delirio aparecia la mistica ‘’Essence Of It's Own’’, un trip dentro de un trip, un viaje hacia el cosmos de lo interno o hacia las intimas concavidades del eterno sideral que se manifiesta tanto en la carne celeste como en las entrañas mismas de alma y del ser. El track es un viaje introspectivo como poco, la esencia de si mismo, la misma esencia que engloba a todos los seres y todas las cosas en una sola misma existencia, una sola misma cosa.
15) Friend
Sound - Lost Angel Proper st. (1969)
La banda estadounidense Friend Sound supo también hacer de
las suyas en terrenos de psicodélia hippie por excelencia, con su disco ‘’Joyride’’
de1969 en el que presentó varias innovaciones y experimentaciones, entre las
que aparecen dos pistas de extensa sesión, las cuales a su vez se ven alteradas
por distintos efectos agregados. El resultado es ese típico sonido explayado a
lo largo de una sesión extensa, cosa que al rock hippie le fascinaba, las
sesiones de rock libre donde todo podía ocurrir y que debido a su carácter delirante
eran el acompañamiento perfecto para las sesiones de trip o acid test que
llevaban a cabo en sesiones de tipo ritual, en aquelarres de delirio, sexo y
rock. Friend Sound pareciera capturar muy bien esa esencia de la época, con el
delirio como bandera y la experimentación funcionando de forma álgida en una
música de inquietudes varias.
16) Dream - Ain't No Use (1967)
The Dream fueron pioneros en la escena rock y psicodélica noruega, y pese a no tener una historia tan extensa y habiendo publicado un solo disco, marcaron tendencia con un primer alum psicodélico lanzado allá por 1967, con sonido que eran la delicia psicodélica. El grupo fue un supergrupo pero quien más logró destacarse fue su guitarrista, Terje Rypdal, quien años más tarde llamaría la atención en el mundo del jazz, haciendo carrera con discos fusion muy importantes para la escena loca de su país. ‘’Get Dreamy’’ es el debut discográfico de la banda y con este muchos momentos lisérgicos salían a la luz, especialmente el seleccionado para esta ocasión, ‘’Ain't No Use’’, toda una sesión de rock libre a la hippie, con buenos órganos, delirios eléctricos de la guitarra y una desfachatez que marcaban el rumbo en la epoca y era tendencia demostrando cuan profundo y amplio podía llegar a ser el rock.
17) Gal Costa - Objeto Sim, Objeto Não (1969)
Este probablemente sea el momento más lisérgico que haya salido jamás de la psicodelia latinoamericana, por lo menos de la psicodelia de aquellos años. Sin duda, Brasil, fue uno de los puntos en Latinoamérica en los que la psicodélia se manifestó más fuertemente, hasta con diversos puntos (no es extraño porque Brasil es un país enorme) y escenas en los que esta influencia provenida de Norteamérica se manifestó de maneras diversas. Entre sus referentes más elementales aparece Gal Costa quien, junto a otros grandes como Gilberto Gil o Caetano Veloso, etc, fundaron prácticamente el movimiento, presentando sus primeros lanzamientos discográficos dentro de esta estela que procuraba traer influencias soul y rock del extranjero para sumarlas a los motivos e instrumentaciones propias de la cultura local brasilera. ‘’Objeto Sim, Objeto Não’’ es un track ultra experimental que aparece en su segundo disco solita, ‘’Gal’’, de 1969, siendo una pieza que lo tiene todo, experimentación de estudio, orquestación, pop, funky, y más delirio de estudio, un trip asegurado.
18) The
Millennium - Karmic Dream Sequence #1 (1968)
‘’Begin’’ es un muy interesante disco de pop de la banda
estadounidense The Millennium, en su mayoría con todo temas pop suaves,
sunshine pop agradable, con algunos buenos momentos y melodías pegadizas. Begin
fue el segundo álbum en utilizar tecnología de grabación de dieciséis pistas
después del álbum Bookends de Simon & Garfunkel. Aunque haciendo un parate
en su estilo, y recordando a la psicodelia del momento, aparece en la lista un
track llamado ‘’Karmic Dream Sequence #1’’, otra canción sueva y agradable pero
ya con algunos agregados sonoros y atmosferas psicodélicas, una canción que
termina en otro momento de delirio con arreglos de algún instrumento típico
tipo japonés y otro efectos sonoros agregados. Un buen trip y una de las pocas ‘’canciones’’
propiamente dichas que aparecen en este compilado.
19) Chillum
- Brain Strain (1970)
Este es un manotazo de ahogado de una banda que estaba a
punto de disolverse y que en su ultimo intento se refundan en un ultimo
emprendimiento, funcionando como Chillum, y grabando un disco con todo aquello
que no pudieron hacer en sus disco más formales bajo el nombre de Second Hand,
puesto que aquí realmente experimentarían con rock y psicodélia. El homónimo ‘’Chillum’’
de 1970 sería su ultimo lanzamiento antes de disolverse entre la bruma matinal,
pero aquí presentaban cuan audaces podrían ser realmente. Esta pista ‘’Brain
Strain’’ es otro atasco glorioso de la era hippie, rock libre, psicodélia, música
de sesión, música libre de rock plasmado en un atasco de veintidós minutos de duración
que bien sirven para musicalizar tanto el delirio como el goce por la
psicodelia misma, haciendo honor a ese favoritohippie que era la extensa sesión, mote que con creces lograron cumplir.
20) Yahowa
13 - Yod He Vau He (1974)
Si de misticismo hablamos, Ya Ho Wa 13 fue un referente
ineludible para los sonidos de rock y psicodélia que se manifestaban dentro del
espectro de lo ritual, el mistisismo y las búsquedas cósmicas e introspectivas.
Father Yod fue un místico autoproclamado como líder espiritual, viviendo en una
comuna con una serie de joven que lo habían adoptado como su maestro y que habían
aceptado vivir bajo su estilo de espiritualidad y sexo libre. Esta comuna lanzó
muchos discos de forma autosustentada y publicados de manera también independiente,
apareciendo una desena de distintos lanzamiento, entre los que figuraban
algunos que no debería ignorarse. ‘’Penetration: An Aquarian Symphony’’ fue una
de sus tantas excentricidades musicales, un trabajo impregnado de misticismo y
psicodelia ritual, un sonido que funciona estrictamente como una suerte de
ritual cósmico psicodélico mediante el cual los música emprenden rumbo hacia lo
indefinido del cosmos y del ser. Un trip asegurado que lamentablemente figura
con baja calidad de audio, debido a las condiciones técnicas precarias del
momento de grabación, pero que aun así vale la pena tenerlo en la colección.
Este es otro ejemplo de esas mermeladas sesenteras/setenteras de la época que fusionaban estilos sin resquemos y sus músicas era un ejemplo de lo amplio que podían llegar, siempre dentro de lo que se manejaba en el rock de la época, desde psicodelia, blues, jazz, soul, además de los experimentos, fusiones y amalgamas que crearían en el entrecruce de esos estilos para dar vida a algo nuevo. Prácticamente este disco ofrece algo distinto en cada una de sus pistas, toda una aventura por distintos sonidos, buena versatilidad de los músicos para pasearse por distintos lugares y con una habilidad para sonar con los yeites propios de cada estilo.
En cuanto a la aparición del jazz, este es uno de esos trabajos de innovación dentro de terrenos de jazz rock temprano y dentro del encuentro entre jazz y psicodelia que también era un sonido poco común para la época y mucho más extraño aun ya que el jazz no tuvo grandes encuentros con la psicodélia misma. Aunque en realidad no se trata de un disco de un estricto jazz rock, ni mucho menos de jazz, género que aparece de forma escueta en el trabajo salvo por un par de pistas. Generalmente este disco aparece en las colecciones de jazz o páginas referidas el género pero poco tiene de jazz este sonido.
El jazz propiamente dicho, en su forma más estricta, aparece en ‘’Superbaby’’,que es una interesante composición de jazz rock con buenos atascos jazzeros y buenos solos con influencia del blues. Pero también aparece en las piezas como ‘’Canzonetta’’ que trata de un solo de contrabajo, jamas escucha eso en un disco hippie de la época, y el otro momento jazzero del disco ocurre en ‘’Foreign Release’’, un atasco de ejecución libre donde la banda se ahonda en lugares de experimentación, que rondas por lo psicodélico pero que también se acercan mucho a lo que sería el jazz libre o el vanguardismo, único en su tipo dentro de la psicodelia ya que pocos discos hippies contenían estos sonidos tan jazzeros.
No es un disco de un solo género, el disco es un ejemplo de todo lo que se escuchaba en la época, es un recorrido por muchos lugares. Un gran hallazgo proveniente de una banda que poca actividad tuvo y que poca carrera trazó luego de este disco, ya que los músicos se separarían rápidamente para seguir, en su mayoría, sus carreras en el mundo del jazz. Este oscuro artefacto sesentero, aun ligado a la psicodelia, es el único lanzamiento de Jeremy & The Satyrs, y también es la primera grabación de tres futuros músicos de jazz: el flautista Jeremy Steig, el tecladista Warren Bernhardt y el bajista Eddie Gomez tocando aquí en un quinteto con el guitarrista Adrian Guillery y el baterista Donald McDonald.
Con un amplio uso de la flauta por parte del líder de la banda Jeremy Steig, el sonido de la flauta se ramifica a lo largo de todas las piezas, proveniente desde el jazz pero con un sonido que se amolda a los estándares de la música de sesión psicodélica de la época. Además de Steig la banda se completaba con Warren Bernhardt en teclados, el baterista Donald MacDonald (quien tocó en el legendario álbum de Sabicas, ‘’Rock Encounter With Joe Beck’’), el extraordinario guitarrista Adrian Guillery y el famoso Eddie Gomez en el bajo. En 1966 se formaron los estadounidenses de The Satyrs como banda de acompañamiento del cantante de folk Tim Hardin. Jeremy & The Satyrs fue uno de los primeros conjuntos de fusión de jazz que grabaron en Reprise Records en 1968, EE.UU.
Este trabajo está dedicado especialmente a los amates de los sonidos de la época, porque lo tiene todo, todo lo que se escuchaba en el momento está sondad aquí, mucho soul, blues, algo de jazz, sonidos vanguardistas, buenos atascos, buenas improvisaciones, buena aparición de la armónica blusera y buena versatilidad de la guitarra eléctrica a la hora del soul. No es un disco que marcó tendencia pero sin dudas hay algo especial aquí. Muy variada propuesta, mucho por escuchar y degustar en cada una de las piezas que lo componen el trabajo.
Esta es una colección de gran nivel de temas en general muy entretenidos y llevaderos, entre los que aparece ‘’Something Going’’ y ‘’Happy’’ como los más destacados y que se llevan gran parte de la atención, pero el resto del disco no queda atrás siendo una colección en general de piezas muy agradables de escuchar, siguiendo siempre la misma línea de canciones pegadizas, con melodía particulares que dotan de un aire melancólico a toda la producción. Un rock psicodélico muy agradable que tomó mucho de la era hippie de San Francisco y la replicó a la peruana, con algunos agregados instrumentales típicos de la región y con la reversión de ese espíritu bajo los ojos de la creatividad de la banda, el resultado está a las claras, un sonido con un estilo propio que llamó la atención en su época.
Se trata de pop rock psicodélico con influencia de la psicodelia de San Francisco, influencias de la música tradicional peruana y además está elaborado bajo la idiosincrasia artística del grupo, con algunas baladas dulces, temas de amor, sonidos melancólicos, pero también con temas movidos y algunos temas de rock con buenas guitarras distorsionadas y buenos riffs, pero siempre cantado en inglés y además funcionando todo dentro de ese ánimo que propone la banda, como de melancolía o decadencia melancólica.
La influencia de la west coast psichedelia se debe a que el guitarrista de la banda, Bo Ichikawa, poco antes de la formación del grupo, había vivido medio año en San Francisco, donde había estado en contacto directo con la cultura local, el arte, los movimientos psicodélicos, las formas de vida del momento y además de, por supuesto, el rock que se hacía en el área por aquel entonces. En 1970, poco después de su vuelva al Perú, Ichikawa es participe de la formación de la banda que se iba a pasar a llamar Telegraph Avenue, nombrada de esa forma debido que él mismo nombre, la famosa avenida de San Francisco llamada Telegraph Avenue.
Después de ser expulsado de Los Holy's en 1969, Walo Carrillo junto Bo Ichikawa (primo de César Ychikawa de Los Doltons), formarón la columna vertebral del grupo, pronto se les uniría a Jerry Lam, bajista que venía de Los Belking's, además de sumárseles Chachi Luján. Aunque pronto después Jerry Lam viajó y en su reemplazo entró Alex Nathanson, quedando así conformada la banda. Cada miembro del grupo aportó sus canciones, y, junto a la influencia del rock de San Francisco como bandera, plasmaron sus ideas en un primer disco. En julio de 1971, el homónimo álbum debut de Telegraph Avenue apareció en el mercado en Perú y se convirtió en el disco de rock más vendido del año. Este primer álbum alcanzó grandes ventas durante ese año y fue muy reconocido en todo el Perú. En este período de tiempo compusieron más de veinte canciones, como ’’Fee’’, ‘’Hello miss moo’’, ‘’eople see me crying’’, ‘’Seeding on the wind’’, entre otras que nunca se grabaron.
Tras el lanzamiento del primer disco, Walo Carrillo es arrestado, a lo que sus compañeros pensaron que ya no iba a volver, por lo que los mismos decidieron buscarle un remplazo. Carrillo, al volver y darse con la sorpresa de que había sido reemplazado decidió emprender otro proyecto. Durante 1972, Alex Nathanson y Walo Carrillo, junto a dos músicos argentinos, formaron la banda Tarkus, una de las primeras bandas de heavy metal en Latinoamérica.
En 1971 Telegraph Avenue se separó eventualmente, para volver a juntarse en 175, formada en aquel entonces po Bo Ichikawa, Álex Nathanson, Chachi Luján, Walo Carrillo, a quienes se integró el guitarrista Germán Cabieses. Un retorno que pasó prácticamente desapercibido. Lanzaron un segundo disco llamado Telegraph Avenue Vol.2. Sólo hicieron algunas presentaciones en vivo. Luego Chachi y Germán se fueron a vivir al extranjero. Culminando así una brillante considerada por muchos como Época de oro del rock peruano, luego se vendría un lapso debido a conflictos sociales y políticos donde prácticamente nadie volvió a grabar hasta la década siguiente.
La escena psicodélica pernambucana, en el Brasil de los años 70s, dio frutos muy ricos en el género, con algunos discos que ilustran el quehacer folk de la región, y marcan un punto de referencia para la música psicodélica dentro del tropicalismo en todo su país. Entre los discos destacados de la región aparecen algunos ejemplos como ‘’Alceu Valença & Geraldo Azevedo’’ de 1972 por Alceu Valença y Geraldo Azevedo, ''Satwa'' de 1973 por Lula Côrtes & Lailson, ''Paêbirú'' de 1975 por Lula Cortes y Zé Ramalho, o ''No Sub Reino dos Metazoários'' de 1973 por Marconi Notaro. Y en esa colección de trabajos de la región aparece otro que parece destacarse, uno de los más tardíos de la región, el homónimo ‘’Flaviola E O Bando Do Sol’’ del artista del mismo nombre, publicado en 1976, con un estilo tropicalista que parece haber perdurado en su momento hasta varios años después de su aparición y fulgor popular.
Dicha escena estaba liderada por un colectivo de artistas fundado por Lula Côrtes e integrado por pintores, escritores, poetas, filósofos y músicos, entre los que aparecían nombres clave para el quehacer artístico de la región como Zé Ramalho, Marconi Notaro, Zé da Flauta, Lailson, entre otros. El colectivo vivía en una suerte de limbo artístico y espiritual girando en torno al típico espíritu joven de la época, girando en torno a la producción artística, el consumo de alucinógenos, la vida bohemia, las producciones auto gestionadas, el rock y la contracultura, etc, siendo esta escena un oasis en su país debido a la fuerte represión que vivía la cultura local por la dictadura militar que estaban sufriendo en esa época, dictadura que reprimía prácticamente toda la cultura y los medios hasta tal punto que los diarios tenían que poner recetas de cocina en sus portadas ante la incapacidad de poner noticias. La producción del mismo colectivo se vio afectada por esta censura.
Liderado por Flavio Lira (alias ''Flaviola''), con una banda que incluía a Zé da Flauta, Robertinho de Recife y Lula Côrtes, en 1976 el colectivo se enlista en otro de sus tantos trabajos, ’’Flaviola E O Bando Do Sol’’. El trabajo permanece dentro de la categoría del estilo tropicalista del momento pero en general lo más psicodélico propiamente dicho que hay en el disco es la pieza introductoria llamada ‘’Canto Fúnebre (Abertura)’’, la cual da pie al comienzo del disco y deja abierta una puerta de colores pero también de decadencia, siendo el resto del trabajo una colección de canciones folk de variada gama. Aunque estas canciones tienen su roce con lo psicodélico, en la aparición de la flauta que adorna dulces melodías por muchos momentos, reflejándose en algunas melodías alocadas, o también retornando esa oscuridad del comienzo del disco.
En esencia es un disco de folk, música brasilera, con aparición de bosa nova, baladas, MPB, además de otras entonaciones algo oscuras propias de la inventiva del autor, ya que estas y las demás interpretaciones parecen estar elaboradas bajo la visión del autor, por lo que se aplican algunos ritmos por momentos alocados, momentos oscuros, aunque también momentos divertidos y alegres que contratan con la eventual oscuridad, alegría típica de la MPB. Un aire de angustia existencial se cierne sobre el disco, desde el instrumental de apertura Canto Fúnebre (Canción fúnebre) hasta Desespêro (Desesperación), una canción sobre la soledad y la futilidad de la existencia.
No es un álbum que inspire mucho más, lejos está de otros trabajos del colectivo como la fusión con estilo del mundo de ‘’Satwa’’ o lejos de la experimentación psicodélica muy amplia de ''Paêbirú''. ‘’Flaviola E O Bando Do Sol’’ es una colección de interesante música acústica pasando por la bossa y la MPB, con toques eventuales psicodélicos que le dan cierto sabor pero que no lo acercan a una obra más de corte experimental, la psicodelia parece haber sido una excusa para publicar en realidad un disco de canciones, aunque hay varios pasajes del disco en los que se puede encontrar cierta experimentación.
Este es otro ejemplo de la psicodélia brasileña del colectivo de músicos underground de Recife, con Flávio Lira (alias ''Flaviola'') en el papel principal, junto a Lula Côrtes, Pablo Raphael, Robertinho de Recife y Zé Da Flauta. El trabajo permaneció durante muchos años en las sombras hasta que el sello ‘’Mr Bongo’’, en 2011, relanzó el trabajo y lo volvió de vuelta al espectro público, previo había habido una reedición pirata por el sello ‘’World Psychedelia Ltd.’’ del año 2005. El disco Fue otro triunfo artístico y coronó un notable estallido de creatividad durante un periodo corto de tiempo. Pero también marcó el final de la comunidad. Côrtes y Zé Ramalho pelearían en una amarga disputa, mientras que Zé da Flauta y Robertinho de Recife comenzaron a perseguir carreras en solitario.
Ya en los últimos momentos del grupo, Lula Côrtes diseño un último trabajo para establecer el fin artístico del colectivo, volviendo a unir a muchos de ellos en un solo proyecto, ‘’Rosa De Sangue’’, grabado en 1980 con su nueva Mountains Band. A Côrtes y al trío de Ze Rosas, Wellington y Luis Henrique se unieron en el estudio viejos amigos como Alceu Valença, Flaviola, Zé da Flauta y Paulo Rafael.
La música de este extraño personaje ha logrado alcanzar cierto runrún con algunos momentos memorables dentro de su corta discografía de tres trabajos solistas, siendo un creador que siempre actuó desde una visión que utilizó al pop y la psicodelia de la época para trascender muchos motes, creando sonidos bien elaborados, con fusiones, o por lo menos con conceptos y experimentos en terrenos de la canción.
Robert Callender, mejor conocido como Bobby Callender, fue un artista afroamericano bastante enigmático del cual no hay mucha información, se sabe que era poeta, letrista, compositor y cantante, proveniente de Boston, EEUU. Fue una figura bastante enigmática y mística de la psicodelia de finales de los 60s, un músico con una marcada influencia espiritual, una búsqueda que lo llevaría a relacionarse muy íntimamente con la cultura hindú, búsqueda espiritual que se reflejaría en su música y en los conceptos que exploraría, conceptualmente su universo musical ofrece toda la originalidad propia de su libertad artística. Los dos primeros discos que lanzó tienen esta marcada característica de conceptualismo en lo que a los estilos y motivos respecta.
En su primer trabajo solista, ‘’Rainbow’', lanzado en 1968, había experimentado arrimándose mucho a la psicodelia y creando amalgamas dentro de esos motivos, con un estilo fusión con el estilo hindú, R&B, y barroco, en un conjunto de 9 composiciones con letras que dictaban un estado de ánimo relacionado con los colores orquestales de un arcoíris e historias anecdóticas sobre la naturaleza, el yo espiritual y la sociedad en 1968.
Pero para su segundo trabajo se aleja de la psicodelia más lisérgica, aunque siempre dentro de su influencia de la cual heredó la fusión con lo hindú o la espiritualidad misma, ahora plasmándose en piezas con mucha poesía, recitación, y continuando también con los motivos orquestales por los que parece que tenía debilidad y los utilizaba muy bien; demostrando también que era un músico de conceptos y elaboraciones por el desarrollo de la misma música en un invento que combina motivos varios en una concepción del trabajo plasmado de un sinfín de muchas piezas cortas de variado índole.
"The Way", de 1971, fue creado en realidad como banda sonora para una producción teatral de ballet / narrativa hindú en vivo basada en el ‘’Primer Libro de Experiencias’’ Hindú, que fue retratada en el escenario por actores y bailarines indios destacados. Producida por Alan Lorber, se presentó en varios lugares de Nueva York en 1971. La hermosa y fluida "Historia de Rasha & Dhara" es el tema central de la obra. Los destacados participantes en el disco en su grabación de estudio, y que aparecen en ambos primeros álbumes del autor, incluyen al difunto sitarista Collin Walcott, ex líder de Oregon y Codona; Donald Robertson, tamboura; órgano, piano y clavecín de Paul Harris; con la sección rítmica más occidental con el baterista Bernard Purdie; los guitarristas Eric Gale y Hugh McCracken de Wings de Paul McCartney.
Esta segunda entrega del autor está dividida, originalmente en su tirada primer en vinilo, en una enorme cantidad de piezas, las cuales en su mayoría no alcanzaban a durar un puñado de segundos, apareciendo entre medio las canciones propiamente dichas. La idea del trabajo fue concebida como obra conceptual y por ende toda la elaboración del mismo está presentada de esta manera, con recitaciones, piezas instrumentales, coro, orquestación, buenas canciones con aire pop, y movimientos internos que retratan el transcurso del mismo disco hacia una desarrollo evolutivo que originalmente se creó en fusión de una obra de teatro y que por ende también es capaz de transportar al oyente del disco por una senda progresiva similar. En las reediciones posteriores del disco en formato cd la diversidad en cantidad de tracks se vio reducida debido a que algunas fueron pegadas entre sí con el afán de acortar la lista por el problema que eso podría conllevar, y porque eso se aleja de las concesiones comerciales de la actualidad.
Es un disco raro en su concepción y que promete una aventura dentro del sonido pop y soul, ya lejos del fusión psicodélico de su primera obra, ambas conceptuales. Un trabajo propio de un artista que hasta entonces no defraudaba y no extrañaba por sus trabajos siempre conceptuales y bien logrados, aunque esto no sería una constante en su discografía ya que además de estos primeros dos discos tan solo publicaría un disco más, para desaparecer de la escena, habiendo poca información sobre su vida o su carrera. Solo quedan tres discos, de los cuales por lo menos sus primeros dos son aventuras conceptuales, piezas bien elaboradas y con un estilo espiritual muy marco que salpica su producción armónica, melódica y lírica.
Janko Nilovic permaneció toda su carrera como un músico under, trabajando para sellos discográficos de biblioteca que generalmente son sellos que publican producciones musicales alejadas de los estándares comerciales, siendo en su mayoría lanzamientos abocados al desarrollo artístico mismo, sin concesiones limitantes y generalmente bajo ideas o conceptos artísticos que marcan el quehacer de la música.
Nilovic es un compositor, arreglista, director, pianista, percusionista, vocalista y productor, nacido en Estambul en 1941, se naturalizó francés en 1973. Ha publicado muchas obras, la mayoría de ellas en etiquetas de biblioteca que no están disponibles para la venta al público. Su obra abarca desde la música clásica, el jazz y el funk hasta el pop, psicodelia y el easy listening. El productor de hip-hop Dr. Dre probó gran parte de la pieza de Nilović «Underground Session» para su tema «Loose Cannons» del álbum Compton. El productor No ID muestreó la canción de Nilović «In the Space», para «DOA (Death of Auto-Tune)» de Jay-Z, en el álbum The Blueprint 3.
Dentro de una discografía muy fructífera y variada Nilovic publicó varios lanzamiento bajo su concepto de ‘’Impressions’’, como su ‘’Pop Impressions’’, ‘’Supra Pop Impressions ‘’ o ‘’Soul Impressions’’, y en esta serie de lanzamientos conceptuales aparecería su ‘’Psyc Impressions’’, siendo el primero de esta serie de álbumes conceptuales que giraban en torno a este concepto y siendo uno de los primeros lanzamiento de su carrera. ‘’Psyc Impressions’’ aparece en 1970 bajo el sello de biblioteca ‘’Editions Montparnasse 2000’’.
El joven sello ‘’Montparnasse 2000’’ buscaba nuevos compositores para ampliar su joven catálogo y le ofrece a Nilovic un contrato de grabación de diez discos en primer lugar, que luego continuarían con diez discos más. El sello le ofrece la oportunidad para que Nilovic eligiera el género y el estilo a grabar, y bajo esa libertad el autor se dirige hacia uno de los sonidos del momentos, el jazz rock.
‘’Psyc Impressions’’ es una creación que fluye con muchos sabores, en general con un estilo jazz rock, elaborado desde una concepción de easy listenin, o sea con piezas todas de corta duración, además se suman elementos de big band jazz, funk, rock y pop. Por el nombre del disco podría suponerse un acercamiento a la psicodelia (‘’Psych’’), idea que no está del todo desarrollada en lo musical, más allá de algunas guitarra distorsionadas y un sabor en general al rock de la época. Nilovic no solo era multiinstrumentista sino también tenía habilidades como arreglista, habilidad que deja en evidencia en este trabajo, con unas líneas de viento que dibujan florituras en la mayoría de las piezas, y aunque estas sean todas de corta duración, no superando por muchos los dos minutos de duración por cada track, aun así se encarga para mantener fresco el sonido y de despliegan toda una imaginería compositiva llamativa.
Nilovic recuerda sobre el disco con estas palabras: ‘’No creía que eventualmente fuera un éxito, pero a medida que pasaban los días, un gran evento cambió el curso de mi carrera. Conducía mi super Jaguar 3.8 litros (blanco) en dirección a mi casa en el Bois de Boulogne, y puse Europa 1 en la radio. Qué gran sorpresa: escuché la primera pieza de este disco y de repente un momento de pánico se apoderó de mí. Entonces, estacioné allí mismo y me dirigí a escuchar la segunda pieza. Algunas lágrimas de alegría aparecieron cuando todo el disco, ambas caras del disco, salió al aire. Hasta aquí, algunas de mis canciones, incluida una en colaboración con Michel Jonas: ''Les nuits sans lune'' que tuvieron éxito en ese momento, y otras canciones se estaban reproduciendo en la radio, ¡pero nunca imaginé escuchar mi disco completo como compositor! Así que de repente, dejé los arreglos de los cantantes y me dediqué por completo a la música instrumental.’’
Al mismo tiempo que producía una sucesión de álbumes en MP 2000 bajo el título colectivo Impressions , ampliamente utilizado en documentales de televisión, trabajó como organista en la producción parisina de Hair , utilizando miembros del reparto en algunas de sus grabaciones. También lanzó discos en otros sellos, utilizando seudónimos como Andy Loore y Johnny Montevideo , y a mediados de la década de 1970 comenzó a trabajar en Bélgica donde produjo el álbum Funky Tramway , una de sus grabaciones más exitosas. Arregló las canciones de Michel Jonasz y Gérard Lenorman.
