Craig Vincent Smith fue un músico americano, compositor y actor. Se graduó en junio de 1963 y rechazó ofertas académicas para dedicarse de lleno a la música, ese mismo años fue reclutado por Michael Storm y Tom Drake para unirse a Good Time Singers, grupo con el que lanzaría un disco. Entre 1966 y 1967 formó parte de otro grupo, Chris & Craig, formado por él y Chris Ducey. Firmaron con Capitol Records, grabando varios demos durante el verano de 1966. Su primer sencillo, "Isha", fue escrito por Ducey y lanzado en julio de 1966. Originalmente un dúo acústico, durante sus sesiones posteriores de 1966 comenzaron a experimentar con una banda completa, y en noviembre de 1966 fueron teloneros deThe Mothers of Invention de Frank Zappa. Fue allí donde Smith pude hacer conexiones con músicos talentosos como Gábor Szabó y los Beach Boys, pero no pudo trascender y aprovechar la oportunidad de tener esas conecciones. Alrededor de 1968 comenzó su etapa de viajero, decidió irse solo en un viaje de mochilero rumbo a Asia, pasando por India, con solo una guitarra y una mochila, llegando a Turquía en octubre de 1968, posiblemente a través de Austria y Grecia. En este etapa comienza a consumir drogas, marihuana y LSD, comienza a experimentar, y comienza a tener problemas psicológicos. Smith posiblemente pasó algún tiempo en un manicomio afgano, donde se cree que desarrolló una esquizofrenia aguda. No se sabe si Smith alguna vez llegó a la India, aunque él y su diario de viaje afirman que visitó la India, se reconectó con el Maharishi y se fue a Nepal. Smith regresó a los Estados Unidos a fines de 1968 o principios de 1969, pero pronto emprendió un nuevo viaje, a América del Sur, pasando un tiempo en Perú, Ecuador, Bolivia, Argentina y las Islas Galápagos de Chile, periplos donde experimentó los efectos del peyote. Después de experimentar con drogas mientras viajaba, sufrió problemas de salud mental que empeoraron con el tiempo. Smith afirmaba tener poderes místicos, y pensaba que era un mesías. Profetizó que sería "Rey del mundo" para el año 2000. Afirmó ser una reencarnación de Jesús, Buda y Hitler, su comportamiento se volvía cada vez más errático.
Dentro de esta vorágine de demencia, delirios, viajes y drogas, crea dos álbumes solistas, ‘’Apache’’ e ‘’Inca’’, publicados ambos en el año 1972. Para esa ocasión se presenta bajo el nombre de Satya Sai Maitreya Kali, tal vez sea otro de sus delirios místicos, pero este estado en que se encontraba lo lleva a experimentar un poco con música y a componer sus propio material, canciones algo psicodélicas, inspiradas en sus experiencias místicas con las drogas, dentro del estilo del folk, folk rock y el rock psicodélico. Las canciones son en su mayoría cortas, muchas siendo de pura guitarra acústica y voz, piezas algunas con un aire misterioso y volátil, con melodías bellas y suaves. Aparecen algunos efectos y el sonido general tiende a ser considerablemente psicodélico. Apache fue lanzado en su propio sello ‘'Akashic Records’', e ‘’Inca’’ fue lanzado unos meses después, en el verano de 1972, no como un álbum independiente sino como una continuación de Apache, publicado bajo su nuevo sello '’United Kingdom of America Records’'. Si bien musicalmente los dos trabajos siguen la misma línea psicodélica, "Apache" es en relación a su sucesor "Inca" menos electrificado, más no por ello menos psicodélico, de hecho y como reza su portada, está dedicado a Jimi Hendrix. En ambos discos, es Satya Sai Maitreya Kali quien ejecuta todos los instrumentos y canta. Además, se hizo cargo de la fotografía y dirección de arte. Después de que se lanzaron los álbumes, Smith vendió su automóvil con la intención de ir a Etiopía. El 22 de abril de 1973, Smith atacó a su madre en la casa de la familia, a causa de esto pasó alrededor de tres años en distintas prisiones, tiempo en el que un juez le asigno tratamiento médico y psiquiátrico intenso. Fue liberado de prisión en junio de 1976. Los próximos 35 años los pasó sin hogar, pasando por varios hospitales psiquiátricos hasta alrededor de 1980. Smith murió el 16 de marzo de 2012. Su familia se negó a recolectar sus cenizas, y finalmente fueron recolectadas por el periodista Mike Stax.
En 1968, Brian Jones, de los Rolling Stones, viajó a la ciudad de Tangér, Marruecos, con su novia Suki Potier y un técnico de sonido, George Chkiantz; allí se conectó con el escritor y artista Brion Gysin y el autor Paul Bowles, quienes a menudo pasaban un tiempo en Marruecos, con la intención de realizar grabaciones de música ceremonial local. Gysin los llevó a las montañas para conocer a los músicos del pueblo de Jajouka (que significa "algo bueno te llegará"). Jones había hecho su primer viaje a Marruecos en 1966, sin embargo este país siguió atrayéndolo, y volvió a hacer sucesivos viajes para conocer las culturas ancestrales locales, especialmente su música. Y así que, en 1968, la estrella de rock regresó de nuevo, acompañada por el ingeniero de grabación George Chkiantz, quien trajo una máquina grabadora portátil de cinta a batería. Mohamed Hamri llevó a Jones y Chkiantz a la ladera donde residían los Maestros Músicos, y los interpretes recrearon su música durante una sesión de un día. Jones visualizó sus grabaciones no como algún tipo de documentación, sino como la base para un álbum de rock. De vuelta en Londres, recortó la duración de estas largas horas hipnotizantes e hipnóticas canciones y añadió fases estéreo, eco y otros efectos. Aparte de eso, mantuvo la música lo más auténtica posible, incluso absteniéndose de cantarla o tocarla él mismo. Así que en realidad es más un álbum de Master Musicians of Jajouka que un álbum de Brian Jones . Asediado por problemas legales relacionados con las drogas y obstaculizado por problemas personales que lo convirtieron en una responsabilidad profesional, él mismo fue llevado a la masacre. El 8 de junio de 1969, Jones fue confrontado en su casa por Richards, Mick Jagger y Charlie Watts, y fue despedido de los Stones. Menos de un mes después, fue encontrado muerto en su propia piscina. Tenía 27 años.
Los Rolling Stones publicaron las cintas de Jones en 1971, bajo el nombre de ‘’Brian Jones presenta The Pipes of Pan en Joujouka’’, en su propia impresión personalizada. Se trata de un documento de música tradicional marroquí que logra efectos de trance a través ejecuciones hipnóticas, insistente percusión, canto vocal misterioso y sonidos de instrumentos locales. Originalmente dividido en dos partes de LP sin título e ininterrumpidas (aunque se desglosan y se titulan oficialmente en la reedición del CD), se debe tener en cuenta que se trata simplemente de extractos editados de interpretaciones que pueden durar horas, y por lo tanto solo ofrecen una muestra del evento en vivo total. Aunque la primera parte en particular se basa en la implacable energía de los clímax rituales, aquí hay actuaciones discretas y diferentes, algunas con cantos femeninos, otras vocales masculinas menos intensas, y otros pasajes de instrumentos no acompañados que suenan como flautas. No es sorprendente que no se vendiera bien, pero profetizaría un profundo interés entre otros músicos de rock por los sonidos de las músicas del mundo, y disfrutó de una larga vida después del trabajo de otros. Algunos interesados más en la música de Jajouka viajaron a Marruecos con sus propias máquinas de cinta. En 1972, el estadounidense Joel Rubiner grabó en una de las aldeas. Otro interesado fue el músico y periodista Robert Palmer, quien en enero de 1973, trajo a Jajouka, al compositor y saxofonista de vanguardia, Ornette Coleman , donde la pareja grabó durante horas con los Maestros Músicos. Un fragmento del trabajo, la canción "Midnight Sunrise", se incluyó en el armolódico álbum de jazz y rock de 1977 de Coleman, Dancing in Your Head . Dos álbumes de material se dice que permanecen inéditos. Los Rolling Stones invitaron a Master Musicians Of Jajouka con Bachir Attar a grabar el tema "Continental Drift" en su álbum Steel Wheels en 1989, dos décadas después del fallecimiento de Jones.
Stomu Yamash'ta nació en 1947 en Kyoto, Japón, con el nombre de Yamashita Tsutomu. Es un baterista, percusionista, teclista y compositor japonés de jazz y de rock. Con frecuencia aparece citado como Stomu Yamashta o Stomu Yamash'ta. Su padre fue el director de orquesta japonés, Kiyoharu Yamashita (1907-1991). Stomu estudió música en la Universidad de Kioto, en la Juilliard School, y en Berklee, formación que le permitió alcanzar una reputación internacional como compositor e intérprete de jazz rock fusion, rock, electrónica, así como proyectos multimedia para el teatro, música para ballet y bandas sonoras cinematográficas. Llegó a Europa a principios de la década de los 70, trabajando brevemente en Francia en proyectos multimedia de teatro (por ejemplo, el precursor de "Red Buddah Theatre" y "El hombre del este") antes de trasladarse por el Canal a Inglaterra. A lo largo de la década de los 70, YAMASH'TA grabó la mayoría de sus álbumes de los 70 en el Reino Unido, pero lamentablemente muy pocas de las grabaciones de Island Records se han publicado en CD. En esos primeros años de su estadía en Europa, exactamente en 1971, publica uno de sus primeros trabajos solistas Red Buddha, que representa el comienzo de sus exploraciones musicales de por aquel entonces comienzo de su carrera, avocado totalmente a la percusión y a la experimentación percusiva. Red Buddha es en realidad el nombre de un teatro en París, para el cual se grabó este álbum. Yamash'ta había estado estudiando las tradiciones del jazz del oeste, y lo habían llevado a Europa, donde una nueva mentalidad exploradora parecía adornar la maleza brillante de cada ciudad importante. Red Buddha es el primer documento, y probablemente es el menos accesible de Stomu, pero sin embargo es un logro sorprendente, ya que en su mayoría solo hay instrumentos de percusión que completan las dos caras de este álbum. No hay sintetizadores, no hay guitarras, ni nada más que no tenga que ver con instrumentos de percusión, aquí es todo percusivo, con algunos instrumentos más exóticos que otros, con los cuales construye ambientes en ensueño demostrando la versatilidad y la imaginería puesta al servicio de la construcción percusiva.
El trabajo consta de dos extensas pistas de alrededor de quince minutos cada una, y ocupan cada una las respectivas caras del vinilo. La música de este registro es absolutamente instrumental y experimental, no pareciera seguir ningún patrón, pero tampoco pareciera ser improvisada, se dice que fue compuesta y que todo lo ejecutado está perfectamente planeado de antemano. Aunque no parezca esta música es académica, no tanto ligada a lo intelectual, por la calidad experimental de las ejecuciones y las inclusiones de los instrumentos, que no obedecen ningún parámetro reconocible y se van sumando en una cacofonía percusiva enigmática. Tal vez por lo que más se lo reconozca en su carrera es porque entre 1975 y 1978, Stomu fue el líder de un supergrupo de jazz rock llamado Go, con Steve Winwood, Al Di Meola, Klaus Schulze, y Michael Shrieve, un grupo compuesto por estrellas. Sin embargo, antes de formar Go, Yamash'ta jugó un papel en la formación de músicos que posteriormente fueron más conocidos por tocar en importantes grupos de jazz de los años 70 en el Reino Unido, por ejemplo, Brand x e Isotope. Yamash'ta atrajo a músicos como Morris Pert y Gary Boyle para su proyecto "Red Buddah Theatre". Yamash'ta reclutó también al ex Soft Machime Hugh Hopper, para lo que se uniera al proyecto que luego publicaría al álbum de jazz rock ‘’Freedom Is Frightening", de 1973. En 1974 Yamash'ta formó la banda East Wind. Realizó composiciones para el Royal Ballet británico, y escribió varios temas para el film de David Bowie, El hombre que vino de las estrellas, interpretando también la música de la banda sonora compuesta por Peter Maxwell Davies para la película de Ken Russell, The Devils, así como la de John Williams para Images, de Robert Altman (1972). Ha compuesto, además, varias bandas sonoras, siendo la más conocida, One by One (1974). Después de dejar Europa en 1980, Yamash'ta se retiró a un templo budista en Kyoto. Tal retiro fue breve y luego lanzó una serie de grabaciones que emplean sintetizadores, sonidos grabados pregrabados, instrumentos orquestales y percusión. De estas grabaciones, la llamada "música espacial" del disco de 1983 "Sea and Sky" está disponible en CD. Sigue lanzando álbumes de vez en cuando en este género electrónico / ambiental. Su 'Space Theme' fue utilizado por la BBC en la Guía de la galaxia del autostopista (serie de radio).
Krokodil era el nombre de una fenomenal banda suiza, pero para esta ocasión, el baterista de la formación del grupo decide dar sus primeros pasos solistas y se incursiona en su primer trabajo separado de su grupo de origen, adentrándose en terrenos musicales mucho más amplios y exploratorios que los que llevaba con el grupo en sí. Krokodil Solo, lanzado en 1971, fue publicado en paralelo mientras Dude Dürst trabajaba con su banda Krokodil, aquí el baterista se presenta como el músico principal, y con sus percusiones construye el cuerpo primordial de todo el sonido; a todo tiempo está presente su batería que, a forma de ritual oscuro, vas desplegándose en diferentes matices sueltos y amplios, que se combinan con los distintos agregados sonoros que van pareciendo. El trabajo consta solamente de dos piezas, dos largos tracks que funcionan con un sonido ritual, exploratorio, muy amplio, experimental, música rock experimental, percusiva, con miras a aprovechar la oportunidad solista para salirse de los carriles convencionales y buscar nuevas formas sonoras, ya que el sonido no se puede tildar como canción, se trata más que nada de arrebatos e improvisaciones extendidas en el tiempo.
Aparecen otros instrumentos como saxo, flauta, piano y gongs, dando un tono melancólico en algunas partes, realzando el carácter de ritual, aplicando algunos efectos espaciales y espirituales al asunto sonoro y dándole matices y otro cuerpo a las sesiones, también hay partes de rock pesado, con guitarras eléctricas, pero en general, el cuerpo musical principal es construido por una batería que es la encargada de llevar, la mayoría del tiempo, adelante las extensas improvisaciones y aunar los distintos agregados sonoros que se van presentando, en un despliegue de solos y habilidades múltiples, un monologo percusivo exclusivo que completa la mayor parte del sonido. Ambientes espaciales y psicodélicos oscuros se trazan en una interacción de arrebatos experimentales e improvisados, sesiones que representan una música mucho más experimental que la música de Krokodil misma, de donde proviene Dude Drust; colores y sensaciones varias, algunas partes más duras, otras más místicas, pero que siempre culminan en lo mismo: la batería y sus habilidades, yeites, arreglos e improvisaciones. La banda encargada de esta grabación estaba integrada por Brew Bruckner en guitarra, Düde Dürst en batería y percusiones, Jonas Häfeli en flauta y saxo soprano, y Terry Stevens en bajo, piano y percusión. Este representa un trabajo fujaz y experimental de un músico que en paralelo a su banda se animó a experimental y romper algunas estructuras ofreciendo un sonido de sesión, algo extraño pero oscuro y muy entretenido.
En 1973, los poderes visionarios de Rolf Ulrich Kaiser (productor alemán, fundador de sello discográfico Ohr, una figura de influencia fundamental en la escena krautrock) actuaron como un catalizador para una auténtica combinación de ácido, música y espiritualidad: el místico proyecto musical: Lord Krishna Von Goloka. Para esta aventura sobre tierras mágicas y espirituales encargó especialmente la presencia del artista y poeta checo Sergius Golowin, un personaje mistico por demás, un especie de guru lisérgico, quien ese mismo año publicaría su libro ‘’Magie der verbotenen Märchen’’, un tratado sobre brujas, hierbas y hongos mágicos. Kaiser pidió a Golowin que se uniera a los músicos que ya estaban preparados para el proyecto, Entre los que se encontraban Klaus Schulze, miembros de Wallenstein, y Witthüser & Westrupp. ‘’Lord Krishna Von Goloka’’ fue concebido como un auténtico experimento dentro de un estilo que por entonces estaba en su apogeo: la experimentación con electrónica, la música electro acústica, con influencia contracultural norteamericana, experimentación con drogas, etc. Un trabajo que está a la altura de lo que uno puede llegar a esperar, de antemano, al ver la calidad y el calibre de los músicos intervinientes. Este lanzamiento es una muestra directa de lo más fino del krautrock, un tránsito por tierras electro-acústicas, con su dosis lisérgica y sus ambientes de ensueños. Se trata de tres extensas piezas instrumentales, de un sonido orgánico, pastoral, un sonido de sesión que se pierde en ambientes cósmicos y electrónicos.
El mundo intelectual y espiritual del ocultismo, las leyendas populares y el chamanismo de Sergio Golowin fueron la base del proyecto. Fue responsable de las letras, que consistían en recitaciones de encantamientos en alemán sobre las composiciones de múltiples texturas instrumentales. Simbólicamente el álbum es bastante místico, misterioso, con recitaciones hipnóticas de lecturas religiosas estilo hindúes, sumado a otras recitaciones espirituales de escritos personales del mismo Golowin; un éxtasis lisérgico propio de la experiencia acida, el exotismo propio de tantos elementos lisérgicos juntos. Kaiser realiza una gran producción con efectos en las voces de Golowin, reverberándolas y manipulándolas para que suenen de forma espacial. Golpes con el piano, tambores rituales, susurros, flautas que acompañas el ambiente; toda una autentica cacofonía psicodélica puesta en marcha en un ambiente espacial de ensueño. El resultado final es un reflejo fiel de los estilos que cada participante aporta, un ensamble que variados y reconocidos músicos de la escena alemana de la época: Jerry Berkers en guitarra electrica y acustica, bajo, bongos y voces corales y Jürgen Dollase en piano, melotron, vibráfono, triagulo y guitarra (ambos provenientes de Wallenstein), Klaus Schulze en batería, órgano, melotron y efectos electrónicos, Bernd Witthüser en guitarra acústica y Walter Westrupp también en guitarra acústica, flautas, tablas y percusión (ambos provenientes de Witthuser & Westrupp), además de Jörg Mierke en guitarra eléctrica, órgano, percusión, flauta, efectos electrónicos, congas, triángulos y voces.
Después de salir de un concierto de los Stooges, en 1971, Doug Snyder y Bob Thompson instalaron un estudio en su cocina e intentaron grabar un disco a la menare del estilo del concierto que habían presenciado pero llevándolo al extremo más heavy posible. Así es como este dúo de Ohio, compuesto por un guitarrista y un baterista, decidieron grabar un álbum y poner en marcha todo lo fantaseado. Después de graduarse en 1964, Snyder fue a la Universidad de Cincinnati para estudiar diseño industrial y Thompson viajó a Wilmington College para estudiar arte. Mientras estaba en la universidad, Snyder asistió a conciertos del área que influyeron en la forma en que tocaba la guitarra. Snyder acredita a Velvet Underground y MC5 como algunas de sus influencias. Snyder y Thompson siguieron siendo amigos en la universidad, pero no empezaron a tocar música juntos hasta las vacaciones en la cabaña de la familia de Thompson en 1970. Según Snyder, esta improvisada sesión de improvisación hubiera sonado fuera de lugar en Daily Dance. Pasarían dos años más antes de que los dos hombres encontraran el sonido correcto. Publicado por primera vez de manera independiente en 1973, Daily Dance vio la luz bajo una publicación privada e independiente con una tirada de solo 500 copias, grabado en la cocina del baterista Thompson, en la pequeña ciudad rural de Washington Court House; es un documento instrumental e improvisado, un trabajo que se volvió de culto dentro del ámbito del under locar, convirtiéndose de inmediato en una leyenda clandestina y favorita entre los gustos de, por ejemplo, Carla Bley.
El sonido es netamente improvisado, el dúo explora las posibilidades sonoras explotando sus instrumentos y extrayéndoles hasta la última gota sonora, con una guitarra con efectos de distorsión y una batería que completa el espacio y el tiempo; juntos estos instrumentos se unen en una arremetida netamente instrumental que logra alcanzar atascos realmente congestionados y repletos de ruido. Funcionan dentro de una zona de exploración y experimentación sonora, pareciéndose a nada en su época, fusionándose de manera elocuente en forma de ruido, acoples, improvisaciones y solos indeterminados, un uso salvaje de los instrumentos con los que completan hasta los últimos rincones de la grabación y saben sobrecargar el audio con una cacofonía interminable. Este tipo de grabación finalmente logra una especie de calidad religiosa, donde lo que se pensaba como una posibilidad se convierte en una realidad innegable, presionando más allá los extremos de las posibilidades técnicas y convirtiendo las limitaciones en recursos altamente creativos. Aunque no todo es ruido desenfrenado para ellos, también hacen uso del silencio, apareciendo algunos momentos donde juegan con la espacialidad y el sonido en bajo volumen, contraponiéndose totalmente a la ejecución caótica y brindando un espacio para reflexionar luego de todas los interrogantes planteados instrumentalmente. Aunque se recogieron varios avisos favorables cuando se publicó "Daily Dance" en 1973, solo una pequeña cantidad de las 500 copias iniciales vendidas. Esto apenas detuvo al dúo, quien persistió y se ha mantenido musicalmente activo desde entonces. Snyder se mudó a la ciudad de Nueva York, donde finalmente se unió a la banda experimental de post-punk Sick Dick & The Volkswagen en el bajo hasta su desaparición en 1983. Mientras tanto, Thompson permaneció en Ohio y dividió su tiempo entre el diseño y la construcción de su casa solar de efigie humana pasiva. , agricultura y actuaciones en vivo con Pharoah Sanders y el músico de blues de Chicago, Snapper Mitchum. En 1987, Snyder lanzó su álbum en solitario "The Conversation" con la ayuda de los antiguos miembros de Sick Dick y Thompson uniéndose a una canción.
