‘’Henry Cow’’ es el nombre de un grupo inglés de rock progresivo y experimental, fundado en mayo de 1968, en la Universidad de Cambridge, por los multi-instrumentistas Fred Frith y Tim Hodgkinson. El elenco de músicos integrantes del grupo fluctuó bastante a lo largo de la década que llevaron juntos, funcionaron como un auténtico colectivo musical y artístico, unidos por la idea de explorar caminos compositivos desde una visión libre y experimental. Otros miembros casi recurrentes de la formación fueron el baterista Chris Cutler , el bajista John Greaves, y fagotista/oboe Lindsay Cooper. La banda desde un comienzo tomo una actitud totalmente ‘anti comercial’, por así decirlo, se mantuvieron a distancia de la corriente principal del negocio de la música, esto se vio reflejado en su música, ya desde el primer disco que lanzarían mostrarían los caminos tremendamente experimentales y vanguardistas que estarían dispuestos a transitar, su música es una mescla absoluta entre free jazz, rock de la época, música académica y gran calidad compositiva, ya que los fundadores de la banda estaban estudiando música a nivel profesional, aunque también estaban influenciados por el rock experimental de Frank Zappa, Captain Beefheart o Soft Machine.
Los orígenes del grupo tienen lugar a finales de los 60s, en la Universidad de Cambridge, Inglaterra, cuando Fred Frith y Tim Hodgkinson, dos compañeros universitarios, se conocieron y congeniaron rápidamente, por el sentido experimental musical que tenían en común. Ambos comenzarían a actuar juntos en bares de blues, elaborando sus propios sonidos en base al blues y el jazz. A los pocos meses, luego de algunos cambios en la formación, la banda quedaría formada como un trio, ya que se les uniría Andy Powell en bajo. Powel estaba estudiando música en el King's College bajo enseñanza de Roger Smalley, un copositor y pianista ingles que influiría rotundamente a la banda en sus comienzos, al hacerles esuchar a bandas como Captain Beefheart y otras bandas experimentales, y al proponerles que compongan sus propias piezas de larga duración Para 1971, la banda vuelve a sufrir de algunos cambios en su formación, quedaron conformada como un cuarteto, y comienzan a realizar una serie de conciertos en el calendario de la universidad. En abril de 1972, el saxofonista Geoff Leigh se une a la banda, quedando esta conformada como un quinteto, para ese entonces el grupo ya había captado notoriedad en Londres y la zona, en los circuitos universitarios locales, generando una movida alternativa que involucraba a poetas, filósofos y musicos experimentales, y realizando una serie de conciertos y eventos en la zona. Henry Cow comenzó a recibir algo de atención de la prensa y del entonces emergente Virgin Records. Después de mucha negociación y deliberación, Henry Cow firmó un contrato con Virgin, en mayo de 1973. Dos semanas después de la firma del contrato, Henry Cow comenzó a grabar su álbum debut, ‘Legend’, en los estudios Virgin's Manor Studios, en Oxfordshire.
Les tomó tres semanas de duro trabajo, pero al final lograron concretar este fino y pulido trabajo, que se basa de un maravilloso sonido vanguardista, jazz rock progresivo, suavemente ecléctico y profundamente complejo, una sinfonía jazzera de rock avant-gardista, sin duda es un música con un nivel superlativo al común usado dentro del rock, y superlativo aun al usado dentro de mucho del rock progresivo que conocemos.
Es un sonido caótico y desenfrenado, que se va construyendo y reconstruyendo en base al caos, a la incoherencia e inobediencia de cualquier parámetro existente, y a la vez es totalmente coherente, lucido, sabe muy bien hacia donde se dirige, es un avant garde que pese al caos es totalmente armónico y por momentos suave. Es otro trabajo claramente difícil de escuchar, por la complejidad del todo, las progresiones se desatan desde el principio al fin, en un rock en donde el minimalismo compositivo esta elevado a la enésima potencia. Con pequeños arreglos o dibujos en guitarra se van formando los temas, mientras algún saxo va tirando notas, y eso va mutando hacia otras malformaciones progresivas donde puede aparecer una batería con algún bajo, o algún otro pasaje donde predomina solo alguna guitarra o algún saxo. La concepción de ‘’riff’’ creo que no se encuentra en este álbum, no hay algo que se repita tendenciosamente, o talvez sí, pero como un patrón caótico, y no como un riff que se ejecute pautadamente. ‘’Legend’’ es imposible de tomar o describir, este trabajo es la inseguridad viva, es la muerte de la música comercial, es la muerte, al ser tan experimental es muy difícil decidir cuál es la pieza más llamativa del disco, de hecho ello imposible, ya que todo el álbum en sí mismo es la gran pieza, que no comienza ni termina jamás, como si fuera un pedazo de algo supremo que fue incrustado en un disco de pasta y puesto a la venta en las disquerías de la época. Allá por la segunda mitad del disco se escucha algo que pareciera asemejarse a algo en concreto, ‘’Teenbeat Reprise’’, es una pieza de jazz fusión, donde claramente toman un camino algo conocido, con baterías y bajos, guitarras saturadas e implementos en piano, aunque no crean que van a estar cómodos en esa pieza, ya que es igual de caótica que el resto del disco. El caos es el lema, si no se sienten inseguros al escuchar este disco, entonces aun no lo han entendido. Para promocionar su nuevo fichaje, Virgin organizó una gira por Reino Unido para Henry Cow y Faust, otra banda de la etiqueta. Durante esta gira, Henry Cow comenzó a preparar la música para su segundo trabajo.
Durante una gira por los Países Bajos, en diciembre de 1973, Geoff Leigh dejó el grupo, tomando su lugar Lindsay Cooper. Con él, terminaron de grabar y lanzaron su segundo disco, ‘Unrest’, y para finales de ese mismo año, 1974, comenzaron en la preparación de su tercer disco.
Para esta altura la banda ya se había adentrado en caminos sonoros extremadamente experimentales, su música era desafiante e intransigente, y esto a menudo condujo a que se les acusara de hacer deliberadamente su música inaccesible. Comenzaron a ser practiamente ignorados en su propio país, e incluso Virgin Records, que uen un principio había buscado bandas experimentales, ahora les mostraba desinterés en sus sonidos, la etiqueta nunca habría imaginado el monstruo que crearía al darle vida al por aquel entonces joven grupo de entusiastas vanguardistas. Espiritual, política e ideológicamente hablando, la banda siempre se mantuvo por canales poco convencionales y propios, y aquello que surgía de ellos como intención autentica, ahora se potenciaba aún más, ya que comercialmente eran ignorados y esto hacia que debieran tener que arreglárselas desde una visión alternativa dentro de los circuitos. Abandonaron las agencias y gestores y dejaron de buscar la aprobación de la prensa musical. ‘Henry Cow’ rápidamente se convirtió en autosuficiente e independiente. Esto conllevo una conmoción para el grupo, pero pronto encontrarían en la Europa continental su nuevo hogar, siendo acogidos en muchos otros países. comenzando por Italia, dando conciertos en Roma, lo que les abriría las puertas a mas contactos en Francia y Escandinavia, pasando años fuera de su país de origen. En 1977 vuelve a Londres, e intentan de nuevos conciertos pero descubren que la relación con la escena era exactamente igual, y peor aún con Virgin, la etiqueta había virtualmente cancelado la venta de sus discos en la mayoría de los países en los que la banda había tocado. Por todo esto, sumado a algunos problemas entre los integrantes de la banda, pronto se fueron encaminando hacia su fin, acordando su disolución permanentemente, decisión que no anunciaron abiertamente. Continuaron juntos por otros seis meses, en los que organizaron un pequeño festival, invitando a bandas amigas que habían hecho por su gira por Europa. En marzo de 1978 ‘Henry Cow’ invitó a cuatro grupos europeos, ‘Stormy Six’ de Italia, ‘Samla Mammas Manna’ de Suecia, ‘Univers Zero’ de Bélgica y ‘Etron Fou Leloublan’ de Francia, a ir a Londres y actuar en un festival que ellos mismo organizarían, un evento (que más que evento fue el nacimiento de un movimiento) se denominó RIO (‘Rock in Opposition’), y su lema fue ‘’bandas que las compañías no quieren que escuches’, un festival compuesto por grupos progresivos que, al igual que ellos, se negaba a someterse a la hegemonía del estándar rock que quería imponer la industria norteamericana e inglesa, bandas que hacían su propio estilo y a menudo cantaban en su idioma natal, eran bandas musicalmente diversas y libres pero el precio de esa libertad era que fueran ignorados por las disqueras, debían luchaban por sobrevivir. Así RIO se convirtió en un colectivo de bandas unidas en su oposición a la industria de la música y las presiones para comprometer su música. ‘Henry Cow’ se disolvió en 1978, su último concierto se celebró en Milán, el 25 de julio de ese mismo año. El grupo, disuelto a los diez años de su fundación, se separaba, sin antes dejar una indudable huella en el rock de la época y el rock experimental, generador de movimientos alternativos, siempre manteniendo un compromiso con la libertad música, con sus sonidos vanguardistas que alcanzaron un lugar de elite dentro del rock, y eso fue lo que más le dolió a las compañías de la industria, ‘Henry Cow’ había tomado su propio camino anti comercial y lo hacía con una música nueva, experimental, y lo peor de todo, para ellos, música de elite que refleja una profunda libertad y genialidad.
La historia de ‘’Catapilla ‘’ comienza por finales de los 60s, allá por el oeste de Londres, Inglaterra, fueron una banda de corta duración de rock duro y progresivo, originalmente la banda estaba compuesta por Jo Meek en voz, Malcolm Frith en batería, Hugh Eaglestone en saxo, Dave Taylor en bajo, Graham Wilson en guitarras, Robert Calvert en saxo y Thiery Rheinhart en instrumentos de viento, saxos especialmente. Ya desde un comienzo supieron captar la atención de los sellos de la época, por su impactante y particular sonido, su jazz rock experimental llamo la atención de Orange Music, una empresa de gestión de bandas que consiguió que el grupo de una audición para productores y gente de la industria. Patrick Meehan, manager de Black Sabbath, tomo la banda y los hizo grabar, aunque antes de que entraran en estudio, Jo Meek dejo la formación y en su lugar entro su hermana, Anna Meek. El autotitulado homónimo primer álbum de la banda, producido por Meehan, fue lanzado a finales de 1971 para Vertigo Records. Se trata de un hibrido, o como uno de los nombres de los temas indica, ‘’una fusión embrionaria’’, un sonido de hard rock con varios elementos combinados, pasajes funk rock y arreglos bien contundentes que hacen del sonido algo llamativo. Es un trabajo que sale del convencionalismo del hard rock, y sabe ofrecer algunas alternativas instrumentales adicionales. Una particularidad llamativa es que, de los cuatro temas que componen el disco, dos de ellos comprenden una duración particular. El primero de ellos, ''Naked Death'', de 15 minutos de duración, trata de un tema pesado, con buenos arreglos y con la particularidad que cuenta con una zapada, una improvisacion, una sesion de diez minutos de duracion en medio, con solos de saxo y guitarra eléctrica. El otro tema llamativo del disco es "Embryonic Fusion", una bestialidad de 24 minutos duración, en la que todo tiene lugar, con una complejidad llamativa, en un sin fin de pasajes y arreglos y cambios de intensidades. Sin ser netamente progresivo se las ingenia para ser una pieza muy compleja, sin perder jamas la rusticidad y el sonido pesado, con pasajes instrumentales, en un sonido, como su nombre lo indica, ''embrionario''.
Ese sonido tan particular tiene un valor intrínseco muy alto, ya que erigen al rock hacia un nivel muy interesante de complejidad y fusión, y lo colocan en un estándar muy alto, sin dejar de lado las características clásicas del rock pesado, todo aquello que generalmente no se encuentra presente en el promedio de la música ‘'compleja’', como lo son los solos rasposos de guitarra eléctrica cargadas de fuzz, los riffs pesados y los pasajes improvisados; todo eso no deja de estar constantemente presente en el sonido. La voz de Anna Meek merece un párrafo aparte, la voz principal es llevada a cabo por una dama con una voz exquisita, también particular, dulce, masculina y potente, y le agrega al sonido un carácter aún más enigmático, genuino y mítico.
Es un disco pesado y bien elaborado, la presencia de los arreglos de viento le da mayor frescura al sonido y lo acerca tímidamente al jazz-rock, sin precisamente caer en esa etiqueta. En un disco emocionante, áspero, embrionario, con buena dinámica y una concepción de los temas fuera de lo común. Tras el lanzamiento de dicho primer álbum, la banda se embarcaría en una gira de promoción, por Inglaterra, junto a otros músicos de la misma etiqueta Vertigo, como Graham Bond y Roy Harper, pero por problemas en la relación de los musicos, ‘Catapilla’ abandono la gira, y se adentro de vuelta en estudio para trabajar en su segundo disco. Para finales de 1972, el segundo disco de Catapilla seria lanzado, llamado ‘’Changes‘’, para dicha ocasión la banda sufriría algunos cambios, con la sustitución de Eaglestone, Frith y Rheinardt por Bryan Hanson en batería, Ralph Rolinson en teclados y Carl Wassard bajo. Poco después del lanzamiento de dicho álbum, la banda se separaría definitivamente.
‘’Alcatraz’’ es una oscura banda, procedente de Hamburgo, Alemania, nacida a principio de los 70s. Originalmente estaba integrada por cinco miembros, Ruediger Berghahn en voz, Klaus Holst en guitarra, Klaus Nagurski en flauta y saxo, Ronald Wilson en bajo y Jan Rieck en batería y percusión. Desde sus orígenes comenzaron tocando en lugares pequeños, haciendo covers de bandas algo pesadas como Ten Years After, Vanilla Fudge, Uriah Heep y Black Sabbath, pero pronto se verían influenciados por bandas más jazzeras como Soft Machine. El resultado de esas influencias se vería marcado en el sonido de la banda, un mezcla de rock pesado con largas improvisaciones Su álbum debut es el más conocido, ‘’Vampire State Building’’, lanzado en 1971. En el caso del sonido que desarrolla la banda en este trabajo, una particularidad que tiene es que no fusionan los estilos, sí los acercan y los combinan de alguna forma, en un mismo tema, o disco, pero las diferencias están bien delimitadas, hay partes más soft y jazzeras, y otras partes más bien duras y pesadas. El resultado de esto es un rock oscuro, pesado y jazzero a la vez, en el que guitarras duras se mezclan con saxos, guitarra psicodélicas sonando sobre bases jazz mas soft y/o saxos improvisando sobre bases con riffs mas duros.
Un disco en el que se respira un cierto oscurantismo vampírico, ocultismo psicodélico, con un atmosfera dulcemente jazzera, y una rusticidad que los pone en un lugar kraut autentico, aun sin la banda intentar definitivamente serlo. No son ambiciosos pero a la vez lo son, elaboran un sonido sofisticadamente digno y por momentos exquisito, que nace desde esa visión tan particular que tenían del sonido y las mezclas. En el sonido hay también presentes elementos de folk, rock psicodélico y hard rock. El prog no se hace presente en mayor medida, salvo en el caso del tema ‘’Change will come’’, una pieza progresiva de gran nivel, que muestra otra cara de la banda. Se detuvieron por mucho tiempo después del lanzamiento de su primer disco, regresando recién a finales de los años 70s, con una serie de nuevos lanzamientos, ‘’Energie Programm In Rock’’ de 1978, ‘’ No. 4’’ de 1987, y otros tres trabajos lanzados esporádicamente en los siguientes 25 años. Alcatraz fue incluida en la ''Nurse with Wound list'', una lista que dicha banda creó para compilar a todas las demás bandas y artistas que la influyeron artisticamente.
La historia que compete a la banda ‘’Komintern’’, es una progresiva y alternativa, ya que esta banda, por cierto francesa, nace dentro del circuito underground de 1970, en la escena rock de dicho país. La banda nació originalmente alrededor de mayo de 1970, compuesta por Serge Catalano en batería, Francis Lemonnier en saxo y voz, Michel Musac en guitarra, Olivier Zdralik en bajo, teclas y vocales y Pascal Chassin en guitarra. Numerosos músicos pasaron por la banda, incluyendo a Richard Aubert en violín y baterista. También pasaría por la banda a Gilbert Artman, quien luego formaría ‘’Lard Free’’, y otros como Michel Bourgheix, u Olivier Zdralik, quien se convertiría en miembro clave de ‘’Malicorne’’. Deliberadamente su estilo es provocador y manifestante, políticamente comprometido, alternan la parodia, burla, puesta en escena teatral, tanto en su música como en su actitud. Durante su corta carrera, la banda alcanzaría a lanzar un solo disco, llamado ‘’Le Bal Du Rat Mort’’, el cual saldría a la venta en noviembre de 1971. En él los músicos demostrarían estar cerca en el estilo de bandas contemporáneas como Maajun, y muchas otras bandas francesas inspiradas en un progresivo un tanto bizarro y frenético estilo Zappa, con toques de East of Eden, folk antiguo y música de protesta, sátira compositiva, repleta de agregados e influencias. Una cantidad inimaginable de estilos están presentes en el sonido de este album, desde fragmentos de algo parecido a tango, música de cabaret, música de comedia, hasta jazz, folk rock y un rock oscuro y experimental que es más bien propio de la banda con melodías entremezcladas estilo típicas del folklor francés, todo en un brebaje muy progresivo.
Es un álbum oscuro, difícil de escuchar, arduo por momentos, con un marcado costado melódico, y otro costado más bien bizarro y alocado. Un progresivo bizarro, avant prog, por momentos terriblemente complejo, como en el caso de ‘’Bal Pour Un Rat Vivant’’, el primer tema del disco, que es tan complejo y extenso que se vuelve muy difícil de entender, es una suite aplastante de progresivo muy cambiante, instrumental, con cambios de tempo y ritmo pero a la vez siguiendo una línea en el sonido, como contando una historia que por más que cambie de escenarios sigue siendo lo mismo, bueno, así suena ese tema, incluso transitando por diversas partes, algunas más folk, otras más oscuras y atípicas, u otras partes bien más rockeras y duras. Aunque también cabe aclarar que pecan un poco de inexperiencia; la torpeza, aquí, no es un elemento estructural positivo, como en otros casos. La codificación de las piezas denota la falta de conocimientos, la banda no tiene ideas claras y por momentos la piezas se pierden en tantos pasajes, sub pasajes y partes interminables. Eso no quiere decir que no sea un disco disfrutable, es un sonido muy particular, para degustar de a poco, para apreciar progresivamente… El grupo continuaría junto hasta 1975, durante ese periodo sufriría innumerables cambios en la formación, no editarían más trabajos, y se desintegrarían al ir sufriendo el alejamiento progresivo de los diferentes integrantes del grupo.
Si hablamos de ‘’Dedalus’’ hablamos de una muy buena y oscura banda italiana de jazz rock. Los orígenes del grupo tienen lugar allá por Italia, a principio de los 70s, originalmente integrada por Fiorenzo Michele Bonansone en teclado, cello y voz, Marco Di Castri en guitarra y saxo, Furio Di Castri en bajo, y Enrico Grosso en batería. El grupo nunca estuvo entre las bandas más destacadas de la escena de su país, pero supo en su momento copar escenarios con muy buenas presentaciones en vivo. Ya desde un principio logran cierta notoriedad, tocan como teloneros de ‘’Amazing Blondel’’ lo que les otorga cierto renombre que los acerca a varias etiquetas, pero muchas los rechazan por considerar de ‘’demasiado inteligente’’ a su música. En 1973 la banda participa de festival ‘’Avantgarde and New Trends’’, de Nápoles, siendo señalada como la verdadera revelación del momento, este existo inesperado los coloca en la mira de varias compañías disqueras. Sin embargo, en ese momento, la banda decide tomar una especie de venganza y rechaza a las principales firmas, para irse de esa forma con una pequeña y floreciente etiqueta proveniente de Milán, llamada ‘’Trident Records’’. ‘’Dedalus’’ surgía por derecho propio para instalarse en la corriente principal del jazz rock de su país. Su primer álbum, el homónimo ‘’Dedalus’’, fue lanzado en 1973, y con él una interesante gama de piezas de jazz fusion saldrían a la luz. Este álbum homónimo consta de composiciones exquisitas de jazz-rock instrumental, piezas compactas y dinámicas, con una suavidad particular, obra de Cesare Monti, un sonido influenciado por artistas como Nucleus, Miles Davis, Soft Machine, Karlheinz Stockhausen y muchos otros innovadores de la época.
Sin duda es un álbum atrapante, tiene características atípicas que lo hacen único, con una complejidad y una producción muy buena, llamativa para ser de una banda ‘’menor’’, o no tan conocida. La tranquilidad del sonido, el toque jazzero en las bases y tempos, el buen sonido, los toques electrónicos que van desperdigando en las piezas, las sesiones de jazz libre, son condimentos que están presentes siempre y que, al ser desplegados en piezas tan atípicas, sin duda llaman mucho la atención. El sonido tiene cierta intencionalidad electrónica y experimental, no se termina de encaminar hacia esos lares pero demuestra cuales son las intenciones de la banda, ya contiene algunos de los toques de vanguardia, efectos de sonido, partes con ruidos, distorsiones eléctricas y electrónicas, elementos hacia los que se encaminarían definitivamente en el segundo álbum que lanzarían, "Materiale per tre esecutori e magnetico nastro", de 1974. En dicho segundo álbum la banda se enredaría rotundamente con la experimentación electrónica y el avant garde, la cual comprendería casi todo el álbum. Un año más tarde Furio Di Castri dejaría la banda, tras esa salida lanzarían el segundo álbum. Ya hacia finales de los 70s la banda dejaría de funcionar, reagrupándose nuevamente para principio de los 90s, en dicha etapa la banda constaría de un trio compuesto por Bonansone, Di Castri y Grosso, de esa formacion saldría un tercer album, ''Pia Visione’’, de 1997. Después de muchos cambios en la formación, en el 2002 la banda pasó a llamarse ‘’Dedalus Bonansone’’, y de dicha etapa tardía saldría un cuarto disco, ‘’Nomos Apache Alfa’’, más precisamente del 2004.
‘Orquesta de las Nubes’, es un grupo vanguardista y experimental, un trio nacido en España, formado en 1980 y liderado por el polifacético Suso Saiz, un compositor experimental, guitarrista, arreglista, bajista y productor musical, y uno de los pioneros de la música de vanguardia en este país, nacido en Cadiz, en 1957. Saiz cursó estudios de guitarra en el Real Conservatorio de Música de Madrid de 1972 a 1977. Hizo experiencia en grupos de jazz y estudió con el músico electro-acústico Luis de Pablo. Se formó con base más clásica pero pronto comenzaría a tomar caminos más experimental y vanguardistas, su música recorrería caminos inexplorados antes, caracterizándose por su tremenda imaginaciones, la espontaneidad y extravagancia. La formación de la banda se completa con, María Villa, cantante soprano y productora, y Pedro Estevan, percusionista. El proyecto surgió con un concepto musical libre y experimental, con la idea de desarrollarse por caminos de vanguardia, utilizando elementos poco convencionales para establecer las bases de su sonido. Su primer disco fue '’Me paro cuando suena' ‘, grabado en Enero de 1983, en los estudios ‘Trak’, y lanzado ese mismo año. Un disco compuesto por distintas secciones diferenciadas e independientes las unas de las otras, en las que cada una se distingue por su sonido particular y su intencionalidad especifica.
Realmente se trata de música poco convencional, elaborada en base a estructuras e ideas estrictamente vanguardistas, propias de la banda. En general tiene una característica como de sesión o ritual, ya que las distintas piezas circundan repetitivamente por yeites percusivos e instrumentales, un tanto oscuros y se mantienen de esa forma hasta que terminan. Sería difícil encasillarlo un género en particular, talvez seria folk experimental, o new age, todo engarzado y mantenido con una intencionalidad un tanto avant garde, desapresurada y rustica pero prolija, con agregados de todo tipo, algunos gemidos, y sonidos extraños, percusiones atípicas y ruidos percusivos, arreglos suaves en guitarra eléctrica, vibráfonos, etc… Afortunadamente el disco está elaborado bajo esa directriz de libertad compositiva, por lo que, por momentos nos encontramos con jazz llevado a cabo solo por voces, también vemos pasajes percusivos tipo tribales, o también melodías suaves y voces hipnóticas revoloteando el área. Suenan anticuadamente modernos, rústicamente espirituales, suavemente desgastantes, hipnóticamente minimalistas; gustosos al oído, incluso si este está poco acostumbrado a sonidos tan poco convencionales. Cuando el disco termina queda una especie de sensación extraña, por haber transitado por tantos diversos pasajes y sonidos, sin duda es un álbum para escuchar y re escuchar varias veces, y degustar detenidamente. El grupo permaneció junto hasta el año 1989, durante ese tiempo lanzaron otros dos álbumes más, ‘’ El Orden Del Azar’’ de 1985 y ‘’Manual Del Usario’’ de 1987. En 1993 aparece un último disco de la banda, en este caso un recopilatorio titulado 'Orquesta de las nubes 1981-1993'.
La banda de jazz rock ‘Izvir’ nació en Ljubljana (Eslovenia, ex-Yugoslavia), alrededor del año 1971 y funcionaron hasta alrededor de 1978. Durante el tiempo que permanecieron juntos participaron de muchos festivales relativamente pequeños, de rock de la zona, por Ljubljana y ciudades aledañas. Los miembros de la banda fueron: Marko Bitenc en voz y percusión, Marjan Lebar en bajo, Slavko Lebar en guitarra, Andrej Petkovic en bateria, Franc Opeka en guitarra, Davor Petric en guitarra, y Andrej Konjajev en órgano, piano y voces. Lamentablemente no se sabe demasiado sobre la banda. Antes del lanzamiento de su único disco, lanzaron un single con dos temas, del cual quedan muy pocas copias. Luego, en 1977 lanzarían su primer y único álbum, el homónimo Izvir, que hoy es considerado como una pieza rara, difícil de encontrar para coleccionistas. Se trata de un fenómeno del jazz rock esloveno, es un trabajo muy bueno de jazz rock, con influencias hard rock, progresivas y de jazz-funk, tipo Herbie Hanckoc. Es, por momentos, complejo, y cuenta con una excelente elaboración, muy bien plasmado en cuanto a las progresiones, llamativo y con una muy buena fluidez. También se distinguen otras influencias, un tanto krautrock, y eso se ve en una de las piezas principales del disco, "Sel je popotnik skozi atomski vek", el primer tema del disco, que ronda alrededor de los 12 minutos y transita por una amplia gama de intensidades y arreglos, recuerda un poco a sonidos alcanzados por ‘’Kraan’’.
El sonido del disco tiene una atmósfera muy particular, circula por un ámbito bien rockero, donde las guitarras, teclados y voces funcionan de una forma compacta y aplastante, plagado de buenos riffs y agregados en clavinetes y teclados que le dan un carácter más completo al sonido. Se manejan por unos canales en los que aun en los momentos menos llamativos el disco suena bien, agradable, llevadero, sumado al hecho de que es constantemente cambiante, pasando por distintas intensidades con mucha facilidad. Es una progresión compleja y a la vez agradable, con una impronta rockera y funky, que le agrega a los pasajes un feeling especial. Los solos bien rockeros, plagados de improvisaciones, tanto de teclados como de guitarras, no se dejan esperar, y en cada tema hay por lo menos un pasaje dedicado a la improvisación. Todas las piezas del disco es altamente contundente y efectiva. Una pieza de las mas llamativas del disco es el tema ‘’Izvir’’, el que le da nombre al disco, tiene una percusión muy particular, ya mismo empieza con un tempo muy acelerado, y se mantiene a esa velocidad casi siempre, es una percusión que roza con la música disco, un tema realmente poderoso y totalmente atípico. El disco no tuvo una gran repercucion comercial como otras bandas eslovenas. La banda funcionó hasta alrededor de 1978, luego de la desintegración los miembros emigraron a otras bandas eslovenas, algunos de ellos, especialmente 4 miembros de Izvir, fueron hacia la banda ‘Predmestje’, también proveniente de la misma ciudad. Luego de la separación, jamás volvieron a juntarse.
Hablar de ‘’White Noise’ es adentrase en un mundo de cambios de frecuencia, generadores de señal, superposición de cintas, y coordinadores ‘’azimuth’’, pues el ámbito que explora la banda es uno experimental y electrónico. La banda fue formada en el año 1968 por David Vorhaus, un músico, bajista, inventor, técnico y compositor, quien por aquellos años estaba trabajando como bajista para algunas orquestas sinfónicas inglesas. Una vez establecido en Londres, para alrededor de 1968, comenzó a desarrollar su interés por la electrónica experimental, los cual lo llevaría a desarrollar sus propios inventos electrónicos e incluso su propio estudio electrónico experimental, que contaria con elemento primarios de electrónicas, ademas de algunos instrumentos inventados por el mismo. Al poco tiempo se pondría en contacto con la gente indicada con la cual elaborar grandes cosas, conocería a Delia Derbyshire, otra pionera electrónica, compositora y pionera en el desarrollo electrónico, quien por aquel momento se encontraba trabajando para el ‘’BBC Radiophonic Workshop’’, un taller radiofónico creado por la BBC con el fin de desarrollar la música y la tecnología electrónica avocada a la música, estaba ubicado en los ‘’Maida Vale Studios’’ en Delaware Road, Londres. Vorhaus también contactó con el compositor Brian Hodgson, y juntos crearon los estudios Kaleidophon, donde grabarían sus próximos trabajos. Pronto una nueva banda comenzaría a tomar forma, por lo que terminarían contactando al percusionista Paul Lytton y los vocalistas John Whitman, Annie Bird y Val Shaw, para completar la formación. El grupo grabó los dos primeros temas con la intención de elaborar solo un single, pero fueron persuadidos por Chris Blackwell, de Island Records, para crear un álbum completo. Al resto del disco lo grabaron en los estudios Kaleidophon y les tomo alrededor de un año de trabajo. Luego de un año de trabajo logran terminar y lanzar su primer LP, el emblemático de culto ‘’An Electric Storm’’, una obra de psicodelia experimental que fusiona la electrónica de punta con una experimentación de vanguardia, considerado a menudo como uno de los primeros álbumes en fusionar la música electrónica y el pop, lanzado antes de la llegada de sintetizador Moog. Este álbum marcaría también el fin de la colaboración de Delia y Brian con White Noise, no sin antes haber imprimido toda su personalidad en el sonido del grupo.
Todos los sonidos experimentales que exponen en esta obra son producto de una producción e investigación sonoro-electronica primaria pero puntillosa, desarrollada con cintas y utensilios electrónicos primitivos, con los cuales se hacía más lento y arduo el trabajo pero gracias a los cuales la elaboración era más artesanal aun. El álbum ofrece una amplitud musical adelantada a su tiempo, a la vez que ofrece una faceta un tanto tardía, talvez por el uso de elementos electrónicos primitivos, es por eso que el sonido tiene un aspecto como de retro-futurista, con voces y psicodelia pop, experimentación electrónica prodigiosa, todo eso puesto a la orden de la psicodelia. El sonido del disco es multifacético, oscuro, erótico, por demás electrónico, vanguardista, desenfadado, inmiscuido sin complejo alguno en su propio mundo de sonidos surrealistas y cambios bizarros y oscuramente circenses, donde las voces (por momentos gemidos) juegan el mismo papel que la instrumentación, y la experimentación es la instrumentación misma, se alteran voces, se mesclan cintas, se crean paredes de sonido, se agregan solos de batería ultrasonicos, e incluso se traen sonidos de otros mundos…
El corte ‘’The Visitations’’ es la pieza más larga del disco y la pieza maestra, un track de 11 minutos que combina todos los efectos en uno solo, saltos de cintas, voces alteradas, gritos y una mutación electrónica constante.
Este disco es un ingrediente básico para los amantes de la música cósmica y el space rock, al igual que debe serlo para los amantes de la psicodelia experimental y el avant garde. Inicialmente no fue un éxito comercial, pero con los años demostró ser un clásico de culto, llegando a vender cientos de miles de copias en todo el mundo. Tras la marcha de Derbyshire y Hodgson, para dedicarse a otros proyectos, Vorhaus lanzó un segundo álbum, ‘’ White Noise II - Concerto for Synthesizer’’, en 1974. Fue grabado en su propio utilizando aún más la EMS VCS3, así como prototipos de secuenciadores . Tres disco mas serian lanzados, ‘’White Noise III - Re-Entry’’ de 1980, ‘’Inferno ’’ de 1989 y ‘’Sound Mind’’ lanzado en el 2000. ‘’White Noise’’ actualmente sigue vigente, en el Reino Unido y otros países europeos, con una formación que comprende el dúo de David Vorhaus y Mike Painter.
‘’Som Imaginario’’ fue una banda brasileña originada a finales de los 60s, nacida, como tantas otras, en pleno surgimiento del movimiento de ‘’tropicalia’’ (música brasilera + psicodelia). El grupo nace originalmente como un proyecto para acompañar al cantante Milton Nascimento en su show solista "Milton Nascimento y el sonido imaginario". Con la participación de músicos como Wagner Tiso antes de su carrera solista, o Frederyko (o Fredera), también pintor, escultor y periodista, ocupando la guitarra. La composición del grupo sufrió varios cambios, ya que muchos músicos pasaron por su formación, algunos de renombre e influencia, como Tavito en guitarra, Robby Silva en batería, Joe Rodrix en voz y piano, Marco Antonio Araujo, Laudir de Oliveira, Nana Vasconcelos, entre otros. Su homónimo álbum debut apareció en 1970, el cual capturaba un sonido innovador y excitante, un estilo netamente propio, elaborado con materia prima variada, para dar forma a una tropicalia altamente nutrida y colorida, según dicen, un sonido influyente para la escena brasilera de la época. El estilo de la banda nace de la mescla de jazz, rock, blues, pop, psicodelia, (incluso algún toque de flamenco en algún tema) hasta música popular brasileña y bossa nova, con fuertes influencias de los Beatles, implementos eléctricos estilo Hendrix, influencias de funk estilo Sly Stone y otros elementos tomados de otras bandas de tropicalia contemporáneas, como Os Mutantes o Caetano Veloso.
La mayoría de las piezas son cortas, no superan los 3 o 4 minutos cada una, son como pequeños experimentos psicodélicos que se van mesclando y entre mesclando con distintos sonidos y armonías, en las que se distinguen, como dijimos antes, varios tipos de influencias. El disco es altamente experimental, comprometido con la innovación, su sonido no se encasilla en la mera influencia norteamericana o británica, sino que buscan un lugar que trasciende ese mero mote y le da vitalidad a la música brasilera, la coloca en un alto lugar, incluso se mantiene en un lugar de vanguardia dentro de la tropicalia misma, con muchos yeites psicodélicos de la época y pasajes experimentales, y a la vez con una frescura lisérgica propia y única debido a la gran cantidad de condimentos que le suman. Es un disco llevadero, fácilmente escuchable para el público psicodélico, experimental pero no cerrado sino que también muy seductor, lisérgicamente seductor y atrapante, y creativo. Si nos encamináramos a encontrarle, caprichosamente, un estilo determinado al disco, podríamos decir que (talvez) finalmente se trata de una heavy psicodelia, con buena guitaras acidas desparramadas por todos lados, pero con un toque un poco más suave debido a las distintas influencias. Tanto el primero como el segundo álbum de la banda siguen líneas psicodélicas, con influencias pop. Luego del lanzamiento del segundo álbum, José Rodrix dejaría la banda, e ingresaría a la formación Wagner Tiso (ex W-Boys jazz band), quien tomaría el lugar de líder, para lanzar un tercer álbum, "A Matança do Porco", un trabajo instrumental que toma caminos distintos, hacia fusión y sonidos sinfónicos, marcando dos etapas marcadas y distintas de la banda.
