Formada a finales de los años 60, en lo que fue la antigua Checoslovaquia, hoy Republica Checa, The Blue Efect fue una banda de las más populares en su país. Surgen en Praga, en 1968, dirigidos por el vocalista y guitarrista Radim Hladík, quien terminaría siendo un miembro constante del grupo durante la carrera inicial y durante dos décadas en adelante. Pese a que las bandas del país estaban muy por detrás, musicalmente hablando, de las bandas de la época norteamericanas o europeas (entre otras), y pese a la Cortina de Hierro que imperaba en Europa en ese momento y a las tormentas políticas que tuvieron que afrontar, The Blue Efect surgió como una de las bandas más exitosas en su país, y en toda Europa del Este. En 1970 publican su primer disco, Meditace, bajo la primera formación del grupo, en la que aún permanecía Vladimír Mišík, el primer cantante que tuvo el grupo, a él se le sumaban Radim Hladík en guitarra, órgano y sitar, Jiří Kozel en bajo, Vlado Čech en batería y Milos Svoboda en guitarra; sumado a ellos algunos músicos que aportaron flautas, coros y arreglos de cuerdas. En su corta estancia en la formación, Vladimír Mišík alcanzó a participar de la grabación de este primer trabajo, una obra muy acertada que se maneja dentro del círculo del típico rock psicodélico y blues rock de la época. Dentro de este estilo ofrecen una serie de canciones pop rock, con un estirpe blusero neto y un aire psicodelico, con buenos arreglos en guitarras que denotan toques jazzeros y buena versatilidad, lo que le da un sonido agradable a las canciones. También aparecen diversos elementos que se presentan en las canciones, arreglos de cuerdas y arreglos corales. En ‘’Blue Efect Street’’ aparecen sonidos de sitar. Las primeras canciones de la lista, el origina lado A del vinilo, están cantadas en checo, ya la segunda mitad del trabajo, el original lado B del vinilo, están cantadas en inglés. No lo llamaría un álbum esencial pero una excelente antesala para comenzar a introducirse en sus siguientes trabajos.
Es un álbum con un sonido bastante pulido para tratarse de una banda recién formada, aunque todavía no incursionarían dentro de terrenos jazzeros, como en sus álbumes posteriores. Este álbum brilla tanto por su impecable producción como por sus letras (en su mayoría, pensamiento filosófico sobre diversos aspectos de la vida y la muerte). El grupo desarrolla un estilo, que luego potenciaría realmente, intentando mantener sus cabezas por encima del agua creciente de 'normalización' en la época, en su país, como prohibiciones a las bandas, opresión sobre ideas libres y antisocialistas, prohibición de nombres y letras en inglés, etc. El estilo de su álbum debut, más dentro de lo psicodélico y la canción, permanecería como un ejemplo de sus primeras incursiones dentro del estilo y sería solo una excepción, ya que de allí en adelante se inmiscuirían totalmente dentro del jazz fusión y el rock progresivo, incursionando en músicas mucho más complejas y experimentales, esto tendría lugar incluso en el mismo año de publicación de su debut, ya que en ese mismo 1970 publicarían un segundo álbum, ‘’Coniunctio’’, junto a otra banda Checa, Jazz Q Praha, incursionando en sonidos totalmente experimentales.
El grupo permaneció en actividad durante toda la década de los 70s, en las que publicó varios álbumes más, dentro del jazz fusión y el rock progresivo. Entre ellos se destacan varios títulos de gran calidad: el experimental ‘’Coniunctio’’ de 1970, ‘’ Modrý Efekt & Radim Hladík’’ de 1975, que presenta una mezcla enérgica de rock sinfónico, o "Svitanie" de 1977, que se considera la verdadera obra maestra de la banda. Lanzaron su último álbum en 1981 y luego desaparecieron silenciosamente. En 2004 Radim Hladík inició el "renacimiento" del grupo y The Blue Effect comenzó a tocar en vivo nuevamente.
‘Atomic Rooster’ es un clásico del rock de los 70s, y si no es así debería serlo, ya que nos ha dejado un buen consorcio de grandes temas, de buena potencia y buenos arreglos, una historia bien nutrida, y un hard rock progresivo que ha sabido conquistar oídos en su época, y los sigue conquistando hoy en día. La historia del grupo comienza en allá por 1969, como un típico power trio de la época, formación integrada por el teclista y principal compositor Vincent Crane (fallecido en 1989), ex componente de The Crazy World of Arthur Brown, el cantante y bajista Nick Graham y el batería Carl Palmer, quien había conocido a Crane tras participar en una gira americana con los Crazy World. Luego de asegurarse un lugar en los clubes londinenses y de haber hecho una buena fama con su particular sonido, la banda entra en estudio a grabar su primer disco, el homónimo ‘Atomic Rooster’, lanzado en 1970. Un primer disco con un sonido un tanto atípico para lo que lanzarían más adelante, un poco por causa de la formación que componía la banda en ese entonces. Atomic Rooster ha sido una banda cambiante en cuanto a sus miembros, y esos cambios han sabido marcar las distintas etapas y sonidos por los que transcurrió el grupo, sin duda esta primera formación, un power trio, estableció el sonido primario del grupo, el cual más adelante crecería aun mas, alcanzando momentos más altos de elaboración y de fama. El gran sonido de Atomic Rooster ya es bien conocido, alta contundencia y siempre grandes temas, siempre Vincent a la cabeza de la creación y como alma de la banda, no es un tecladisco vistuoso estilo Emerson, pero siempre se ha mantenido fresco y cresativo, sus punzantes arreglos siempre presentes en el más puro sonido del grupo, con sus aplastantes y salvajes solos de teclado y esa dinámica tan atemporal y propia de él, que se acopla de maravilla a las magníficas sesiones de bajo y batería, de gran nivel aportadas por Palmer y Graham, la base percusia, siempre está en un tempo particular y contantemente cambiante, en plena sincronía con los teclados.
Teclado y batería forman la base principal de todos los temas del disco, (ademas del bajo, por supuesto) el resto del espacio es rellenado por algunos arreglos en trompetas o instrumentos de viento, algunos pasajes con flauta y algún otro solo, al vacío, de batería. Los temas no son excesivamente complejos pero son muy satisfactorios, el sonido que alcanza la banda lo llega a sonidos míticos pero sin duda se trata de un disco (y los siguientes que lanzarían) de culto, de gran nivel y con una sonoridad autentica y muy propia de la banda, ofrecen una mezcla única de influencias que combinan jazz-funk, con hard rock, góspel y arreglos progresivos. Luego de lanzar su primer disco, Graham abandonó la banda para unirse a Skin Alley, al igual que Carl Palmer que se iría a Emerson, Lake & Palmer. Sus reemplazos fueron el guitarrista y cantante John Cann y el batería Paul Hammond, con estos miembro la banda alcanzaría momentos de mayor fama, otro buen momento de la banda seria también la etapa en la que la voz pasaría al mando de Chris Farlowe, aunque por otro lado creo que el sonido jamás volvió a tener tanta presencia percusiva como en los primeros años, en los que Karl Palmer ocupo el lugar de la batería. Durante el transcurso de su carrera, Atomic Rooster editó 7 álbumes de larga duración, aunque la época dorada del grupo tuvo lugar a principios de los años 70: sus últimos y ya tardíos trabajos Atomic Rooster (1980), o Headline News (1983) pasaron desapercibidos.
Robert Callender, mejor conocido como Bobby Callender, fue un artista afroamericano bastante enigmático del cual no hay mucha información, se sabe que era poeta, letrista, compositor y cantante, proveniente de Boston, EEUU. Fue una figura bastante enigmática y mística de la psicodelia de finales de los 60s, un músico con una marcada influencia espiritual, una búsqueda que lo llevaría a relacionarse muy íntimamente con la cultura hindú, búsqueda espiritual que se reflejaría en su música y en los conceptos que exploraría, conceptualmente su universo musical ofrece toda la originalidad propia de su libertad artística. Los dos primeros discos que lanzó tienen esta marcada característica de conceptualidad en lo que a los estilos y motivos respecta. '‘Rainbow’', lanzado en 1968, es el primer álbum que publicaría, un trabajo grandilocuente que nace de la mano propia de Callender quien es el mayor arreglista del proyecto, además de aportar las letras poéticas, el concepto de los temas y la voz, en cada una de las piezas, moldeadas a su imagen. Para llevar a cabo su música contó con el apoyo de una cantidad innumerable de músicos, entre los que había, un pianista, dos músicos con formación en música hindú, tres bajistas, dos guitarristas, dos bateristas, y otra buena cantidad de músicos divididos en otros instrumentos como chellos, trompetas, oboe, etc, además de los violines que se agregan en algunos pasajes de algunos temas, especialmente en el tema ‘Autumn’’.
Una autentica orquesta encargada de dar forma a un proyecto psicodélico llamativo y muy particular, ya que fusiona pop y folk con géneros del medio oriente, sonidos de sitares y melodías típicas, con toques también pastorales y sunshine pop, toques folk y arreglos sinfónicos de cuerdas. Se anima a transitar también, por momentos, por el rhythm & blues y pop barroco, combinado todo con una sutil complejidad que, si se la sabe apreciar, puede llegar a ser muy llamativa.
Varios de los temas del disco saben brillar por su complejidad, que normalmente se presentan, en el disco, de forma sutil y delicada, una fusión de géneros que no escatima en esfuerzos y sabe fusionar el oriente con el occidente, el pop con el sitar, el rhythm con el jazz, sin salirse nunca de su atmósfera de delicadeza y suavidad poética. La calidad de la fusión de estilos es muy fina, que suenen del todo bien o sean entretenidas siempre, eso no se puede precisar, tal vez no, pero sin duda se trata de una pieza psicodélica exquisita y de gran nivel, fina, delicada y con un potencial lisérgico muy profundo, una psicodelia que en teoría insinúa un arcoíris (‘rainbow’, como el nombre del disco), pero que a la vez tiene una oscuridad propia. Un trabajo de pop psicodélico muy bien elaborado, como el costado psicodélico de los Beatles, con esa marcada influencia hindú (en los Beatles, por parte de George) pero interpretada con una visión más poetica. Muy psicodélico para ser pop, demasiado fusionado como para tratarse de temas tan cortos. Un sonido desapresurado, despreocupado por el avance del tiempo, que se reconstruye contantemente, bastante lento y melódico en general.
Todos los temas del disco son piezas de elaboración casi artesanal, por ejemplo, el tema ‘Symphonic pictures‘ es tan exquisito como complejo, transita por psicodelia, pasando por el rhytmh & blues, para ir a sonidos con percusiones un tanto tribales, para luego pasar a arreglos sinfónicos de cuerdas y luego volver a un pop medio barroco, todo en un mismo tema, una visión adelantada para 1968.
El tema ‘'Purple’', el cuarto tema del disco, que dura 11 minutos, otro tema que refleja la marcada tendencia hindú del sonido, corta un poco con la dinámica de los temas y ayuda a establecer definitivamente la mística o magia que posee el sonido hacia una marcada dirección rumbo a sonidos hindúes. La calidad de la fusión de géneros es llamativa, siendo que el disco no alcanzó a llegar ni a un mote de ‘’clásico olvidado’’, o algo por el estilo, entre los amantes de estos género, por lo que concluyo que es una auténtica joya psicodélica olvidada. Luego del lanzamiento de dicho primer disco, lo seguiría su segundo disco, llamado ‘The Way (First Book Of Experiences) ‘, en el que teóricamente también explora una fusión de géneros muy variada, completando así dos trabajo, de su autoría, de gran nivel. He encontrado por ahí otro disco llamado ‘le musee de l'impressionnisme’ también bajo el mismo nombre, pero no tengo idea si se tratara del mismo artista. Más que eso no se sobre el artista, ni tengo idea donde estará en este momento, si es que sigue vivo, así que voy a cerrar esta reseña con un escrito que el mismo Callender puso en la contraportada de su primer disco: "Mi arco iris de colores refleja el pasado y el presente. Cada cambio ha sido indicado por el espectro de mi vida y sólo él sabe los colores ocultos de mi futuro"
Segundo disco de la gran banda ‘Embryo’, una banda que es sinónimo del krautrock mismo. Los orígenes del grupo tienen lugar en Alemania, surgiendo en medio de una movida musical importante, que daría lugar al nacimiento de muchas agrupaciones emblemáticas. La banda fue fundada en 1969 por el multiinstrumentista Christian Burchard (batería, vibráfono, santur, teclados) y Edgar Hoffmann (saxo, flautas). La agrupación se ha caracterizado por el innumerable numero de musicos que han pasado por sus filas, alrededor de 400. Algunos, como Charlie Mariano, Trilok Gurtu, Ramesh Shotham, Marty Cook, Yuri Parfenov, Alan Praskin, X.Nie,Nick McCarthy y Mal Waldron, lo han hecho en numerosas ocasiones. Miembros habituales del grupo han sido Edgar Hoffmann (saxo, flautas, violín), Dieter Serfas (batería), Roman Bunka (guitarra, laúd árabe), Uwe Müllrich (bajo), Michael Wehmeyer (teclado), Chris Karrer (guitarra, violín, saxo), Lothar Stahl (marimba, batería) y Jens Polheide (bajo, flauta). En 1970 tiene su debut, con su primer álbum, un trabajo mas bien reservado pero muy interesante para explorar los sonidos primarios de la banda. En 1971 lanzan ‘Rache’, su segundo álbum, el cual a pesar de ser lanzado solo un año después de su disco debut, la banda demuestra una clara evolución y desarrollo en su sonido y en las fusiones que circundan. A excepción del baterista y un saxofonista, a alineación de la banda cambiar rotundamente para este segundo álbum, y por ende la instrumentacion también, en este segundo álbum no hay guitarras y el saxo aparece muy esporádicamente, en cambio, las flautas y los teclados (sintetizadores y mellotron) se han hecho cargo y participan en una batalla por el espacio contra la batería y el bajo ‘Rache’ es un trabajo de krautrock con un intenso toque hard rock, a puro sintetizador. ‘Embryo’ es una de las facciones más rockeras dentro del krautrock, y este disco es una muestra de ello, un krautrock con mucha sesión improvisada, muchos pasajes instrumentales en temas hard rock bien dinámicos y contundentes. Los sintetizadores juegan un rol principal en el sonido y aportan otro de los factores llamativos y atractivos del disco, los buenos solos en sintetizador desparramados por todos lados.
También se trata de uno de los ejemplos tempranos de fusiones con lo denominado como ‘world music’, ósea géneros y estilos tomados de distintas influencias étnicas. El juego de batería se destaca también, y suman además percusión alternativa con bongos, talvez sea por eso y por algún otro factor en las melodías que hace que el sonido se acerque, seguramente de forma inconsciente, hacia aires de rock latino. También se acercan un poco al flamenco, especialmente en el tema ‘Spain Yes, Franco Finished’, un tema claramente político, que intenta reflejar el estado y el sufrimiento causado por el dictador Franco en España, con su sonoridad y escalas tan particulares y cercanas al flamenco. Los temas afortunadamente son variados y en su mayoría bastante extensos, un promedio de 6 o 7 minutos cada uno, para temas que están plagados de sesiones instrumentales improvisadas. Las últimas tres pistas se recrudecen aun más, hacia caminos kraut más intensos y cerrados, más atemporales, momento en el cual la banda alcanza el punto más profundo en su sonido, a fuerza de una fusión muy inusual entre percusiones atípicas (volviendo un poco a las reminiscencias con el latin rock), mescladas con un contrabajo y una guitarra eléctrica que va tirando sus yeites jazzeros. Embryo es considerada como una de las bandas más importantes del jazz-rock aleman durante la década de 1970, durante estos años no han parado de lanzar disco, en los cuales explorar una innumerable cantidad de sonidos. No han dejado de tocar durante los últimos 40 años, han lanzado discos durante las décadas de los 70s y 80s, y desde mediados de los 90 en adelante, con Christian Burchard siempre a cargo y un siempre cambiante elenco internacional de músicos incluyendo talentos del norte de África, India, China, etc., así como de vez en cuando con los mejores nombres del jazz como Mal Waldron y Charlie Mariano y luminarias de la escena krautrock. En julio del 2008, Embryo recibió el Premio Alemán de la Música del Mundo RUTH 2008 durante el TFF.Rudolstadt Festival, un certamen de músicas tradicionales, de raíz y mundial que se celebra todos los años en julio en esa ciudad de Turingia.
‘Espiritu’, banda progresiva argentina, es una de las primeras bandas argentinas en incursionar en el rock sinfónico, y forma parte de la buena camada de bandas progresivas argentinas que surgieron en el apogeo del rock argentino de los 70s, junto a otras como Ave Rock o Crucis. Los orígenes de la banda tienen lugar allá por 1968, cuando Osvaldo Favrot (Guitarra y voz) forma un trío, junto a Diego Fraschetti en batería y Daniel Bernareggi en bajo, el trio se llamaba originalmente ‘Onda Corta’. Ese mismo año ingresa a la banda Fernando Bergé en Voz líder y guitarra rítmica. Después de numerosas presentaciones en vivo el grupo es contratado por la compañía discográfica EMI en la que edita un simple y participa en dos LP (Primer Festival Beat y Emisión Beat 70), también actúan en el Festival Beat de la Canción Internacional de Mar del Plata (En el que Arco Iris gana con Blues de Dana) En 1971 Bergé es reclutado en el ejército, momento en el cual la banda queda momentáneamente inactiva. Bergé conoce a Carlos Valentín Goler (baterista) en la Banda del ejército en la que ambos tocaban el tambor. A fines de 1972, cuando salen del ejército ambos mantienen una reunión con Favrot para rearmar el grupo ‘Onda Corta’ al cual se integra nuevamente el bajista Bernareggi. Con esa formación comienzan los primeros ensayos cerca de Parque Chacabuco. Bernareggi no puede seguir el ritmo de los ensayos debido a problemas laborales y se retira de la banda.
En uno de los ensayos a principios de 1973 Claudio Martínez, batero amigo de la banda, se les une pero para ocupar el lugar del bajo, por ese tiempo también deciden cambiar el nombre de la banda por el de ‘Espíritu’, propuesta que es bien recibida por todos y queda finalmente. Ya con la banda formada debutaron en el Teatro Lasalle, el 10 de julio de 1973, junto a Litto Nebbia, y pasaron sus primeros dos años de gira, sus presentaciones en vivo eran promocionadas mediante el boca-a-boca. Se empeizan a hacer conocidos por sus impactantes presentaciones, aplastantes desde la música y con recurrentes puestas en escenas que combinaban vestimenta y luces. El 28 de Setiembre de 1973 la banda firma contrato con Microfón Argentina SRL, grabando inmediatamente su primer simple con los temas "Soy la Noche" y "Hoy, Siempre Hoy" que es editado a fines de 1973 por el sello Talent y con Jorge Alvarez como productor discográfico (Productor de Sui Generis, La Pesada del Rock, y otros importantes grupos y solistas).- "Soy la Noche" es incluido en el LP. Rock Para Mis amigos Vol. 3 y es muy difundido por radio.
A principios de 1974 y dado que el tema "Soy la Noche" había recibido una gran aceptación por el público de rock, y buenos comentarios de los músicos de la época, Espíritu comienza a trabajar en un ambicioso proyecto para su álbum debut. Se trataba de una obra conceptual de 50 minutos de duración cuyo nombre era "Crisálida" en referencia a la etapa intermedia entre larva y mariposa y comparándola con los cambios experimentados por un ser humano. David Lebon tiene un breve paso por la banda, para ocupar los teclado, pero la abandona rápidamente para irse con Polifemo, en su lugar contactan a Gustavo Fedel, un excelente pianista proveniente de la música clásica el cual congenia rápidamente con el grupo, el cual para esa altura ya tenía compuesto buena parte del primer disco.
En 1975 ingresan al estudio Phonalex a grabar su primer trabajo, el cual estaba pensado como una obra conceptual, que no tenia silencios entre los temas, sino que los mismos se sucedían consecutivamente unos con otros. Norberto Orleac fue el ingeniero de sala y Billy Bond también participó, como manager de grabación. ‘Crisalida’ sale a la venta, y con él, buenos pergaminos no tardan en llegar, siendo nombrado como segundo mejor disco del año, es que se trataba de una obra esplendida, con un excepcional sonido para la época y una calidad musical elevada, una partida de rock sinfónico al puro estilo Yes o Genesis, aunque obviamente con su sello particular. El trabajo, como ya hemos dicho, es conceptual, se puede ver en la estructuras de los temas, en la poética de las letras, en la fiereza de la interpretación, en la potencia de los pasajes y en una frescura y cualidad únicas, implícitas en las armonías, es un disco hermoso y profundo, que está a la altura de cualquier banda inglesa o italiana. Sobresalen las aplicaciones con guitarra acústica y las paredes electrónicas provenientes de los buenos arreglos en sintetizadores, aplicadas sobre bases intrincadas y laberínticas que generan las guitarras eléctricas y la batería. Un sonido sinfónico poderoso, efectivo y contundente, que juega a entremezclar sinfónica instrumental, con una marcada mescla progresiva que combina de forma eclíptica distintos pasajes, folk rock, hard rock. Una marcada característica progresiva clásica, altamente disfrutable, desde el primer al último segundo. Aquí tenemos a uno de los trabajos progresivos más increíbles del rock argentino, una obra que surge de forma inesperada y que nace de músicos muy talentosos pero totalmente desconocidos hasta su momento. Lamentablemente, la vida de la banda es corta, luego del lanzamiento de su primer disco, a la banda se la tildaba de ‘sorpresiva’, alcanzando un cierto grado de notoriedad por la prensa, siempre trabajando intensamente en las puestas en escena en sus shows. Hacia finales de 1975 y verano de 1976, realizan una gira por la costa atlántica organizada por su manager en ese momento Daniel Grinbank.
Al regreso de la gira la compañía discográfica empezó a presionar al grupo para que entrara a grabar en 15 días su segundo álbum pero solo estaban compuesta y ensayada una parte de disco. Esto afectó la estabilidad interna porque el resto de los temas debían haber sido compuestos por los demás integrantes y ya no había tiempo para hacerlos. La producción propone sacar a la venta un LP con un solo lado con música, dejando el lado B completamente liso y sin temas. Bergé y Favrot se oponen a esto componiendo en una semana el material que faltaba para completar la placa. De esta manera la obra "Libre y Natural" se transforma en el único tema del álbum y el comienzo de la separación del grupo. En marzo de 1976 se termina la grabación de "Libre y Natural" y en ese mismo mes se presentan durante tres días en el teatro Astral junto al grupo Alas. En mayo de 1976 Espíritu se separa. Ciro Fogliatta ingresa a "Polifemo" (segundo tecladista de Espíritu que pasa a este grupo).- Bergé y Favrot forman "Aspid", uniéndoseles luego Claudio Martínez pero en su instrumento original, la batería. Aunque no desaparecerían de la escena ya que el grupo se volvería a únir entre 1982 y 1983. Luego pasarían otros 20 años para que el grupo vuelva a armarse, entre 2003 y 2004, etapa en la que Favrot sería el único integrante original de la banda.
Miguel Ángel Peralta, más conocido como Miguel Abuelo, fue un mitico músico, poeta y cantante argentino, que formò parte de la primera camada de pioneros del rock argentino, de la camada fundacional del rock argentino y del rock en español, nacio en Munro, Argentina, el 21 de marzo de 1946 y fallecio en la misma ciudad, el 26 de marzo de 1988. El futuro músico nunca conoció a su padre. El pequeño Miguel pasó su primera infancia viviendo en un orfanato hasta los 5 años, cuando finalmente el director del establecimiento lo acogió en su propia casa. En el año 1966, Miguel Abuelo conoce al escritor y periodista Pipo Lernoud, a Mauricio Moris Birabent y a Pajarito Zaguri en la Pensión Norte, donde ensayaban Los Beatniks, una de las bandas fundacionales del rock argentino. Miguel vivía cantando bagualas y escribiendo poemas. Se une a la gente deLa Cueva, un bar-teatro de la calle Pueyrredón de Buenos Aires, en los largos "divagues" nocturnos que dieron origen al rock argentino, con Litto Nebbia (Los Gatos), Javier Martínez (Manal), Mauricio "Moris" Birabent, Pajarito Zaguri, Pipo Lernoud, Tanguito y otros, intercambiando poemas e ideas musicales. En 1968 Miguel formó Los Abuelos de la Nada, inspirado en una frase del libro de Leopoldo Marechal, El Banquete de Severo Arcángelo que decía: "Padre de los piojos, abuelo de la nada". Reuniría con la ayuda de su amigo, el poeta Pipo Lernoud, la primera formación de Abuelos, reclutando músicos en Plaza Francia (lugar donde la juventud hippie argentina solía congregarse a fines de los 60). La banda estaba conformada por Eduardo "Mayoneso" Fanacoa (teclados), Miky Lara (guitarra rítmica), Alberto "Abuelo" Lara (bajo) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería) y, ante la falta de una guitarra líder, Claudio Gabis, futuro guitarrista de Manal, colaboraría con la grabación del primer single de Los Abuelos de la Nada: "Diana Divaga", publicado porCBS en 1968. Sin embargo, el papel de la guitarra sería ocupado, para la cara B del single ("Tema en flu sobre el planeta") por Norberto Aníbal Napolitano, más conocido comoPappo. Esta primera generación de Abuelos de la Nada estaría más ligada a la psicodelia de su época.
Los Abuelos de la Nada en su primera formación solo editan un simple con los temas "Diana Divaga" y "Tema en Flu sobre el Planeta". Abuelo como solista publica además dos simples: "Oye Niño"/ "¿Nunca te Miró una Vaca de Frente?" y "Hoy seremos campesinos" /"Mariposas de Madera". Esta primera etapa de los Abuelos es corta: hacia el año 1969 Miguel se desentiende del grupo y cede el liderazgo a Pappo, orientándose entonces el grupo hacia el blues, tras lo cual la agrupación hace un par de presentaciones y se desarma. En 1970 Miguel forma una nueva banda, llamada El Huevo, junto con Pomo Lorenzo y Carlos Cutaia, pero dicha agrupación no dura ni trasciende. Miguel se siente frustrado, y harto además del tenso clima social que se vive bajo la dictadura de Juan Carlos Onganía, por lo cual decide viajar a Europa para escapar de dicho sistema político opresor. Sin haber registrado ningún álbum, Miguel Abuelo emigra a Francia más precisamente, alrededor de 1972, y es en ese viaje donde conoce a Edgardo Cantor, un músico electrónico argentino con quien hizo una amistad rápidamente y fue éste quien le presentó al productor judío Moshe Naim, quien por aquellos años producía a nuevos talentos de la música francesa y entre otros, a Paco Ibanez, una clásico intérprete español. Moshe Naim le propuso al Abuelo hacer una prueba en un estudio de grabación y si era de su agradado, editarle un Long Play. Fue tal el asombro que le causo Miguel Abuelo, que a los días ya estaban inmersos en la grabación de un primer disco para el sello del Isrealita. Ese disco que estaban grabando quedó en la nada, ya que a medida que Miguel grababa una y otra canción, conoció a otro argentino, Daniel Sbarra, quien se sumó a la grabación. Recuerda Daniel Sbarra que: "Sonábamos tan bien, que Miguel impulsivo como siempre fue quien me dijo "loco, hagamos un banda, dejemos esto acá, yo hablo con Moshe y le digo que grabemos en otro estudio, con todo nuevo, nuevas canciones y nuevos músicos...". Así es que al poco tiempo Miguel se ve envuelto en una nueva banda, la cual originalmente se llamaba simplemente ‘’Nada’’, banda formada en Francia e integrada por músicos argentinos y uruguayos, todos exiliados como él. La formación estaba compuesta por Carlos Beyris en cello y coros, Pinfo Garrigo en bajo y coros, Daniel Sbarra en guitarra y coros, Diego Rodriguez en batería y por supuesto, Miguel Abuelo, en guitarra y voz.
Luego de la grabación, la salida del disco se demoró porque hubo algunos problemas con los temas y hubo que remasterizarlos todos de nuevo. Por lo tanto Moshé Naim decidió a que pesar de no tener el disco editado, la banda saliera a presentarlo por la costa francesa. Shows muy buenos, con excelentes críticas de los medios pero muy mal promocionados. "La gente no sabia si iba a ver un concierto de rock iba a un circo, por eso cuando comenzábamos con el primer tema se iban. Iba gente grande que no entendía nada de rock. La gira estuvo muy mal promocionada", sentencio el guistarrista. A los pocos conciertos, NADA se disolvió por problemas entre los integrantes de la banda, sobre todo entre Miguel y Daniel. El homónimo ‘Miguel Abuelo & Nada’, lanzado en 1975, es un formidable álbum perdido, una obra brillante que logra sorprender por su sonido tan particular, su gran performance y por las características bajo las que se pergeña, cuenta con elementos progresivos que nace en base a un hard rock muy personal de Abuelo, y que nace por las suma de pasajes pesado, más elementos de folk rock. Un trabajo delicado y a la vez duro, con un brillo oscuro propio y una identidad propia, que sabe muy bien lo que es en sí misma y hacia dónde se dirige. La predominancia eléctrica de la guitarra y las progresiones es exacerbada hasta el absurdo, como rock como con un carácter proprio, muy bien elaborado y sofisticado, que no hace más que reflejar el enorme talento y peculiaridad del arte de Miguel Abuelo. Por otros elementos como las letras poéticas y un concepto total un tanto líricamente surrealista, además de elementos psicodélicos y efectos de sonido también surrealistas, la complejidad de alguno de sus temas y la calidad de los mismo, ambientes pastorales, eléctricos y dramáticos, por estas y más características conceptuales se podría decir que se trata de un álbum art rock. Además Miguel, en este álbum, por contar con buena producción, ha podido expresar de forma más cruda y realista aun su concepto y arte tan propio, en donde el mismo establece las pautas, los cambios y la complejidad de los temas, como el caso de ‘recala sabido forastero’, que es un tema con un sonido simple, de guitarras acústicas, pero que a la vez es complejo, y misterioso. Además de sumar algunos efectos sonoros oscuros y un tanto surrealistas, que se escuchan entremezclados por ahí, lo que hace más particular al sonido. Esta reedición en cd contiene, además del disco en sí mismo, una serie de singles provenientes de la etapa temprana de la carrera de Abuelo, singles de las primeros años de ‘los abuelos de la nada’, temas como ‘Diana Divaga’, entre otros. El disco salió editado en 1975 bajo el nombre de "Miguel Abuelo et nada", lo cual molestó aún más a la banda, ya que no era un disco solista de Abuelo, sino una banda que se llamaba Nada. Pero, la idea de Moshé era tenerlo nuevamente a Miguel Abuelo en sus filas de artistas y poder retomar el proyecto y cumplir así con sus propósitos comerciales. Miguel volvió, en 1978, grabó 4 temas y se volvió a ir. El álbum jamás ha sido editado en Argentina, ni en Sudamérica.
A principios de 1981 regresa a la Argentina, con la ayuda de Cachorro López, con quien además planeaban formar una nueva banda que revolucionara la escena rock local: ‘’Los Abuelos de la Nada’’, ellos ven la oportunidad de resurgir de la mano de Miguel como cantante y Cachorro como bajista. Pronto reclutan a los demás integrantes y comienzan la reconstrucción de la banda. Su primer LP homónimo, editado en 1982, es producido por Charly García, quien los apoya, consiguiéndoles shows y contactándolos con la agencia del mánager Daniel Grinbank. Durante la década de los 80s los abuelos editan varios discos y se instalan con gran popularidad en la escena pop rock argentina y hasta alcanzan una cierta masividad en América Latina. Lamentablemente sólo cinco días después de cumplir sus cuarenta y dos años, el 26 de marzo de 1988 a la 15:40 hs, Miguel Abuelo muere en la clínica Independencia de la localidad de Munro, por complicaciones causadas por su infección de VIH, tras una operación de vesícula llevada a cabo unos pocos días antes. Su muerte, junto a otras que se produjeron por esos años, como la de Alejandro De Michele (1983), Lucan Prodan (1987) y la de Federico Moura (1988), marcan el fin del rock nacional post-Malvinas de la década de los '80. Según sus familiares, Abuelo fue cremado y sus cenizas tiradas al mar, en Mar del Plata (en la zona donde actualmente se encuentra la playa nudista de Moria Casán), por su hijo Gato Azul y su sobrino Chocolate Fogo, quienes cumplieron así con la voluntad de Miguel.
Hoy hablaremos de Steve Hillage, nacido el Agosto de 1951, es un mítico guitarrista de rock inglés, asociado con la escena de Canterbury, que participó en grandiosas bandas como Arzachel, Gong, Uriel y Khan. Tiene una gran carrera y una nutrida historia como músico. Siendo aún un estudiante secundario, se unió a su primera banda, una banda de rock blues llamado Uriel, con Dave Stewart (tecladista), Mont Campbell y Clive Brooks. La banda se separó en 1968 ya que algunos mimbros pasaron se fueron a Egg, aunque eventualmente se volvieron a unir, bajo nombres falsos, para grabar el mitico ‘Arzachel’, un álbum de rock psicodélico de gran consideración y calidad, en 1969. Ese mismo año también comienza sus estudios de música en la universidad de Kent, en Canterbury, donde se hace amigo de bandas locales como Caravan y Spirogyra. Mientras tanto escribía canciones y, a finales de 1970, había acumulado suficiente material para un álbum, sus amigos de Caravan lo pusieron en contacto con su manager Terry King, quien consiguió que Hillage firmara para Deram, para hacer asi una demostración de su material, al cual grabo con la ayuda de su amigo Dave Stewart, miembro de Egg. A principios de 1971. Formo parte de la alineación de ‘Khan’, junto al bajista y vocalista Nick Greenwood, (ex integrante de Crazy World Of Arthur Brown). Aunque elbaterista Pip Pyle (futuro Gong y Hatfield and the North) participó en las primeras etapas, el line-up final se estableció con la inclusión del organista Dick Heninghem y el baterista Eric Peachey. Tras una serie de conciertos a lo largo de 1971, Khan comenzó a grabar su álbum debut en noviembre, momento en el cual Heninghem había dejado la banda, lo que obligó Hillage a traer a su ex compañero de banda Dave Stewart para tocar las partes del teclado. En Mayo del 72 lanzan el primer disco de Khan, ‘Space Shanty’.
Para entonces, los desacuerdos musicales entre Hillage y Greenwood culminaron con la salida de este último de la banda. Hillage decidió formar un nuevo line-up con una formacion ligeramente diferente, recontratando a Eric Peachey en batería, llamó a Dave Stewart (de Egg) de nuevo, para los teclados, y sumó a Nigel Griggs, en el bajo.
Las nuevas composiciones de Hillage y Stewart se añadieron al repertorio, "I Love Its Holy Mystery" o mejor conocido como ‘’Solar Musick Suite’’, tema que formaría parte del primer disco en solitario de Hillage, ‘Fish Rising’, lanzado en 1975. Khan se separaría finalmente para 1972. Hillage también participo por momentos de la formación de Egg, en la grabación que la banda haría para plasmar su álbum ‘The Surface Civil’, de 1974. Inmediatamente se une a Kevin Ayers, y participa en la grabación del cuarto disco del músico, Bananamour, de 1973, con al cual también se iria de gira por el reino unido y Francia, durante dos meses. Al terminar la gira Hillage se queda en France, ya había hecho contacto con la banda Gong, la cual lo había atraído mucho, y de la cual terminaría siendo miembro.
En enero de 1973 participó en las sesiones de ‘Flying Teapot’, y poco después se graduaría, pasando a ser miembro a tiempo completo de la banda. La formación de Gong quedaría perfeccionada, con Hillage, a los cuales se sumaba con Daevid Allen ,Gilli Smyth , Didier Malherbe, Tim Blake, Mike Howlett y Pierre Moerlen, formación que grabaría dos álbumes más, ‘Angel's Egg’ y ‘You’. En los últimos momentos de la carrera de la banda, Hillage intenta tomar el mando creativo del grupo, tras la partida de David Allen, pero la propuesta no prosperó mucho, y la banda termino desintegrándose para 1975, aunque Hillage, mientras era miembro de Gong, a la vez trabajaba en su disco solista, recibiendo el apoyo de sus compañeros en la interpretación de varios instrumentos, y aprovecha la separación de dicha banda para comenzar su camino en solitario. Así es como en 1975 lanza su primer disco en solitario, que ya venía grabando desde la época de Gong, ‘Fish Rising’, un trabajo formidable, muy complejo y elaborado, progresivo y con un toque psicodélico a la vez, un trabajo que está entre vanguardia de los mejores trabajos progresivos que hay. Cada tema es atrapante, auténticas excursiones sonoras, con cambiantes pasajes que se suceden con una facilidad increíble, con marcados pasajes instrumentales y jams en los que predomina la guitarra eléctrica de Hillage y sus formidables solos.
Por muchos estados de ánimo de los pasajes, recuerda a Gong, por la participación de Dave Stewart en teclado eléctrico el sonido también recobra cierta memoria Canterbury, y por la interpretación de la voz por el mismo Hillage, el sonido también se acerca a lo que hizo con Khan, aunque a diferencia de dicha banda, Fish Rising ofrece un sonido menos desestructurado, y más espacial y volátil, mas crudo por los viscerales solos que le agrega Hillage. La principal atracción del track list del disco, son a la vez las dos piezas principales, ‘Solar music Suite’ y ‘Aftaglid’, dos temas que no bajan de 15 minutos de duración cada uno, dos piezas formidables, especialmente por el primero, destacables artilugios progresivos, composiciones exquisitas, buena implementación de sintetizadores, etc. La década de los 70s seria, para Hillage, muy fructífera y destacable, luego del lanzamiento de su primer disco, seguiría con ‘L’, su segundo trabajo, de 1976. En 1977 seguiría con ‘Motivación de radio’, y en 1978 lanzaría ‘Green’, su tercer disco, co producido junto a Nick Mason, proveniente de Pink Floyd. En la segunda parte de su carrera, desde finales de los 70s, comienza a estar en contacto con bandas del floreciente movimiento punk. Durante la década de los 80s, Hillage trabajó como productor musical , trabajando para artistas como It Bites , Simple Minds , Murray Head , Nash La raya vertical , Real Life , Cock Robin , Tony Banks y Robyn Hitchcock. En los 90s se acerco al movimiento electrónico, se sumó a la banda ‘System 7’, una banda británica de dance electrónico. En la década del 2000, especialmente en el 2006, volvió a juntarse con miembros de Gong, con los cuales saldrían de gira. La cual volvería a repetirse en 2008, además de otros trabajos de grabación y producción, junto a mas giras cerca del 2012, que uniría en la misma banda a miembros de Gong.
‘’Polyphony’’ fue una banda de corta vida proveniente de Virginia, Estados Unidos, que tuvo su momento alrededor de los primeros años de la década de los 70s. La banda estaba integrada por Martin Ruddy en bajo y voz, Christopher Spong en bacteria, Craig Massey en teclado y voz, Glenn Howard en voz y guitarra y Chatty Cooper en percussion. En 1971 lanzan su primer disco, el cual sería el único que alcanzarían a generar, ‘’Without Introduction’’, en el cual fusionan sonidos sinfónicos progresivos tempranos con algunas tendencias psicodélicas, todo dentro de su propia creación. La música es altamente talentosa y con pasajes épicos, bastante compleja, un maravilloso rock progresivo de alto vuelo, en el que los teclados cobran un lugar primordial, un sonido ‘Emerson, Lake and Palmer-esco’ con esos típicos cambios constantes y arreglos sinfónicos grandilocuentes y parafernalicos, pero además con el agregado de la guitarra eléctrica que le da un toque más pesado al sonido. Es a la vez melódico y algo disonante a veces. Varía los tempos, compases y desarrollos composicionales y mantiene interesante en toda su totalidad, además de una rusticidad que le da un toque aun más autentico al sonido.
El primer tema es mas clásico en cuanto a las influencias prog y los lugares a los que aborda, con un sonido que recuerda a Krimson, Nice o hasta Floyd. La segunda pista “Forty Second Thing In 39 Seconds” es un pequeño estallido experimental de moog, bastante corto y particular, también recuerda a los épicos sonidos de Keith Emerson. Ya en los siguientes temas se encaminan por pasajes más rebuscados en cuanto a la estructura y las melodías, ya con un sonido muy particular que tiende a inventos propios de la banda que nacen de mesclas de algunos elementos ajenos, como percusiones tipo rock latino onda Santana, además de extraños riffs de guitarra, toques medios blues rock y buenos juegos con los tempos y las armonías. Luego de haber pasado, el disco, muchos años en la oscuridad, ha sido reeditado en cd, para placer de los coleccionistas y amantes del género. Lamentablemente esta ha sido otra banda que no tuvo mucha suerte, no contaron con una buena producción, y encima en reediciones posteriores hubo algún que otro error en el listado de los temas. Lamentablemente no supieron tener suerte y al poco tiempo del lanzamiento del disco la banda se separaría. Un trabajo lastimosamente corto, ya que en total alcanza los 37 minutos de duración, pero una gran cosecha progresiva al fin, comparable con otros trabajos progresivos poco conocidos pero de gran calidad y misticismo, como los discos lanzados por los daneses de ‘’Ache’’, o el trabajo lanzado por los británicos de ‘‘Odin’’.
‘’Rainbow Band’’ se formó en la primavera de 1970, en Dinamarca, como resultado de un proyecto de supergrupo formado por grandes músicos de dicho país. El grupo fue formado por el guitarrista Peer Frost (proveniente de la banda Young Flowers), el cantante Lars Bisgaard (proveniente de Maxwells), el baterista Carsten Smedegaard (proveniente de Beefeaters), y por Bent Hesselmann, Niels Brønsted y Bo Stief, tres musicos con formación jazz que habían tocado en el Montmartre Jazzclub, de Copenhague. Se reunieron con la idea de hacer rock progresivo con un estilo jazz, influenciados por gente como Burnin' Red Ivanhoe y Traffic, entre otros. Entre Julio y Agosto, de 1970, comienzan a grabar su primer álbum, el cual sería lanzado a finales de ese mismo año. Así es que lanzan en Diciembre del 70, el homónimo ‘’Rainbown Band’’, un gran trabajo de blues-folk-rock con toques prog y jazz, tirando a la onda de The Flock. Un disco con una buena contundencia y gran potencia, buenos pasajes blues rock, buenos riffs, una interesante voz y arreglos vocales, momentos contundentes y buenas canciones, el primer tema, ‘’where do you live’’, es altamente pegadizo y con un feeling muy agradable, un sonido muy entrador perfecto para esos momentos en los que no sabes que escuchar, un sonido perfecto para cualquier momento.
Los temas tienen una contundencia y simpleza aparente, pero a la vez se conducen hacia caminos de improvisación, y por momentos de buenas construcciones dentro de la misma dinámica que tiene el sonido. No son muchos temas pero son muy buenos en general, para completar el combo, hay un tema de 15 minutos, ‘living on the hill’, con una buena zapada eléctrica en medio, y el ultimo tema ‘rainbow song’, que es mas una pieza experimental en comparación con el resto de los temas, mística, volátil y con algún efecto de sonido dando vuelta, perfecta para cerrar un grandísimo disco. Luego del lanzamiento de dicho primer disco, la banda lo regrabaría y relanzaría dos veces más. Dicha versión de 1970 sería la primera edición. La segunda reedición seria la de principios de 1970, cuando Lars Bisgaard dejaría la banda para ser reemplazado por Allan Mortensen (proveniente de T ears), nuevo vocalista que participaría de la grabación de dicha segunda reedicion del disco. Y la tercera y ultima reedicion fue lanzada creo que ese mismo 1970, pero bajo otro nombre, ya que la banda había tenido que cambiar su nombre por el de‘’Midnight Sun’’, debido a que una banda canadiense ya tenía el nombre registrado. La reedición del cd que compartimos en esta ocasión viene con doble disco, con dos versiones del disco, no estoy seguro cual será cada una, imagino de la versión de 1970 debe estar incluida. Mas tarde reemplazaria al vocalista por Frank Lauridsen, con el cual grabarian, entre el 72 y 75, tres discos mas, también entre el estilo de rock prog con toques jazz.
‘’Cinderella’’ es una banda danesa que tuvo su momento entre los primeros años de los 70s, un power trio cuasi progresivo, bien rockero, en una línea blues rock contundente y poderoso. La banda estaba compuesta por Allan Vokstrup en bateria, Henning Kragh Pedersen en guitarra y voz, y Søren Hilligsøe en bajo y voz. En 1970 alcanzan a lanzar un EP de 7 pulgadas con un par de temas, y cuando la banda estaba lista y pronta a lanzar su primer disco, para el sello Spectator Company, en 1972, tristemente la compañía se incendia, incluidas cintas maestras de los trabajos, por lo que el disco verdadero jamás vio la luz. No fue sino hasta 1990 cuando Spectacular Records recopila viejos tapes de la banda y los lanza en un disco, en formato vinilo. El materia es todo proveniente de viejos demos que había dejado la banda tiempo atrás. En realidad se trata de una típica banda de hard rock, influenciada por los grandes de la psicodelia, que decidió seguir el camino de muchos e ir hacia sonidos ya conocidos dentro del rock. En ese sentido, si el disco hubiese podido ser lanzado en tiempo y forma, talvez no sería tan llamativo, pero el hecho de que perdieran su trabajo en las llamas justo antes de ser lanzado al público, y el rescate de la disquera que lanza demos antiguos, eso talvez le dé un toque de heroísmo al asunto.
Musicalmente son correctos, más que eso, muy buenos y altamente disfrutables para el oyente rock. El título del disco dice algo como ‘’danish progressive rock’’, lamentablemente el sonido de la banda lejos estaba de ser progresivo, eso sí, los temas cuentan con una buena calidad de elaboración y buenos esfuerzos de la banda para generar un sonido propio, al volcar buenos solos, interesantes pasajes instrumentales y una potencia poco común. En el 2006 se lanza un cd recopilatorio, que combina lo mismos temas lanzados anteriormente, más otros EPs y algunos temas en vivo, de un concierto que la banda dio en 1972. Los temas 1, 2, 4, 5, 7, 8 and 9 fueron grabados en el ‘Spectator studio’, en 1970, y los temas del 10 al 14 fueron grabados en vivo, de un show que dieron en Studenterforeningen, Copenhagen, en 1972. Lamentablemente, dicha reedicion en cd, viene con un folleto con la historia de la banda pero en danes! no se entiende un pomo, pero bueno, viene con algunos bonus para apreciar más el trabajo de la banda, con su heavy psicodelia al mango, blues rock pesado y hard rock en guitarra eléctrica. Denotando una influencia directa de Led Zeppelin, con algunos riffs muy típicos de ese estilo, e influencia también de Hendrix, del cual hacen un par de cover en el disco, entre otras influencias como Vanilla Fudge, Cream o los Doors.
‘’Elektriktus’’ fue un raro proyecto italiano de electrónica experimental, el cual ha pasado desapercibido y casi olvidado a través de los años, hasta hoy en día, cuando se rescató su único disco, gracias a una reedición en cd. El proyecto nace de la mano del italiano Andrea Centazzo, un excelso músico, percusionista, director de orquesta y compositor de música minimalista y experimental. Su formación nace en el jazz, como percusionista. En 1974 lanza su primer álbum solista, ‘’Ictus’’, en donde también demuestra sus habilidades con la flauta, sintetizadores y la voz. En 1976, luego de haber lanzado dos discos más, siempre dentro del free jazz un tanto experimental, Centazzo se ve atraído por los movimientos electrónicos que se llevaban a cabo en Alemania e Inglaterra. Su entusiasmo hizo que, con los primeros ahorros que consiguió en sus primeras presentaciones, consiguiera su primera grabadora de cuatro pistas y un par de teclados analógicos primitivos. Así empezó a componer y trabajar en su estudio en torno a sonidos experimentales, desarrollados en torno a los limitados recursos técnicos con los que contaba. Así es como, ese mismo año, lanza ‘’Electronic Mind Waves’’. El productor de su primer álbum no quería tener estilos tan distintos a nombre del mismo artista, por lo cual, ese lanzamiento electrónico figuraría bajo el nombre de ‘’Elektriktus’’, nombre que nace de la mezcla entre ‘electronic’ e ‘Ictus’. Este es otro trabajo electrónico, cuasi artesanal, elaborado a base de sonidos experimentales electrónicos que rondan dentro de un ambiente kraut.
Una colección de ocho piezas un tanto oscuras y misteriosas, en donde las atmosferas tiene un lugar recurrente, mezcladas con distintos efectos y sonidos que van convergiendo, por momentos destellando, durante el transcurso de las sesiones. Un sonido por el estilo de ‘Deuter’ o ‘Cosmic Jokers’, entre otros, que demuestra una gran influencia del berlin school, pero que a la vez tiene algunos toques originales, como la implementación de distintos elementos: en un tema hay una base en batería, en otros son solo atmosferas, el segundo tema, ‘first wave’’, que comienza con algunos destellos eléctricos y después se empieza a escuchar un contrabajo que va improvisando, y que denota un poco los toques jazzeros que le está implementando el mismo músico desde su propia experiencia.
Muchos elementos tomados de sonios alemanes pero desarrollados de una manera muy personal, decodificados y rearmados según las ocurrencias de Centazzo, quien se encarga de grabar cada uno de los instrumentos. Los estados de ánimos y pasajes son cambiantes, pasan por distintos matices, algunos temas son más eclécticos e inestables, otros más atmosféricos y oscuros, debido a un manejo impecable de los secuenciadores, y por lo general hay una sensación de distintos patrones avanzando constantemente. Los temas transcurren así, en ambientes bien cambiantes los unos con los otros, lo que le da un toque de frescura al trabajo, con muchos sonidos por descubrirle. Un sonido dedicado a los amantes de la música electrónica minimalista, los sonidos kosmische y ambientales. Lamentablemente ese no sería uno de los proyectos destacados en la carrera de Centazzo, debido a la poca promoción y distribución que tuvo el disco, no se lo conoció mucho y fue casi olvidado, y ni siquiera se sabía bien a quien pertenecía el proyecto ya que el nombre de Centazzo no figuraba en ninguna parte. Luego de este lanzamiento, Centazzo, volvería al jazz y lanzaría una innumerable cantidad de discos, tantos en los 70s como en las décadas posteriores, incluyendo conciertos, lanzamientos de discos grabados en vivo, etc, una discografía que llega hasta nuestros días. Durante los ultimos 20 años, Centazzo ha estado trabajando para crear experiencias multimedia, que combinan música en vivo con imágenes de video, mezclando instrumentos tradicionales con la última tecnología digital. Sus dos últimos trabajos multimedia, ‘Mandala’, proyecto en solitario (inspirado en el universo budista) y ’Eternal Traveler’ (inspirado por Leonardo da Vinci) consiguieron gran aclamación de público y crítica, tanto en EE.UU. y Europa.
Michael Hoenig, nacido el 4 de enero 1952, en Hamburgo, es un compositor alemán, ingeniero de sonido y músico electrónico, uno de los tantos compositores alemanes que se desprenden de la innovadora y prospera escena electrónica underground alemana durante los años 60s y 70s. Como editor de la revista clandestina ‘’Love’’, hacia finales de los años sesenta, Hoenig fue parte de la escena del rock progresivo en Berlín, apoyando a grupos como Tangerine Dream , Ash Ra Tempel y Agitatión Free. Su interés por la vanguardia musical y los generadores de sonido, llamò la atención del bajista de Agitation Free, Michael Guenther, quien lo invitpo a Hoenig a formar parte de la banda, en febrero de 1971.
En marzo de 1975, Hoenig fue contratado para reemplazar a Peter Baumann en Tangerine Dream, para una gira por Australia. Al volver Baumann a Tangerine Dream, Hoenig pasó a colaborar con Klaus Schulze en el proyecto de corta vida, Timewind. En 1976 tuvo una breve colaboración con Manuel Göttsching de Ash Ra Tempel; una grabación de una de las sesiones fue lanzada en 1995 bajo el título " Early Water". En 1977, lanzó su primer álbum en solitario, ‘’Departure From The Northern Wasteland’’, bajo el sello Warner Bros. Records, es un álbum que nace en medio de la escuela electrónica de Berlín, un trabajo de electrónica ambiental, que ofrece sonidos electrónicos bellos, contemplativos e inspiradores, distribuidos en cuatro piezas, en su mayoría instrumentales.
En general el sonido del álbum es bastante melódico, rozando por momentos algunos pasajes sinfónicos, muy ambiental, bastante simple o minimalista, calmo pero melodramático, con una tensa electrónica que describe paisajes épicos y fríos. La primera pista del disco es sin duda lo mejor del trabajo, una sesión electrónica secuencial progresiva, que se va construyendo a base del ensamble de sutiles riffs. Dentro de su ambiente electrónico, esta pieza tiene su lenguaje y su estructura, la cual claramente no se basa en convencionalismos, pero aun así se distinguen introducciones, desarrollos, momentos culminantes más tensos, momentos más calmos, etc. En las demás pistas explora más los ambientes, con secuenciadores y mellotrones, acercándose a sonidos del Tangerine Dream de mediados de los 70s. Luego del lanzamiento del disco se muda a Los Ángeles, donde se establece con su propio estudio de grabación, y comienza a trabajar produciendo bandas de sonidos de varias películas. En 1987, lanza su segundo álbum en solitario, ‘’Xcept One’’. Hoenig es mayormente conocido por sus bandas de sonido, y trabajos musicales para juegos de pc. Sus álbumes en solitario, no lograron llamar tanto la atención de grandes bandas de la vanguardia electrónica berlinesa, pero aun así se dio el lujo de tocar y trabajar con muchos de ellos y de dejarnos algunos sonidos electrónicos que son una delicia, perfectos para sumar al jardín de delicias psicodélicas.
Aunque su nombre apenas se pronuncie entre el ámbito y la historia del kraut y la electrónica, lo cierto es que Gunter Schickert fue un artista importante y vital en el género, por su desarrollo electrónico, por inventos y aplicaciones con la guitarra eléctrica sobre la electrónica. Su trabajo y desarrollo lo llevó a trabajar con los mejores del género, como Klaus Schulze. Schickert es un músico alemán, nacido el 25 de abril de 1949. Desde chico aprendió a tocar la trompeta, pero luego encontraría en la guitarra su lugar de desarrollo. Comenzó su carrera a finales de los 60s, inmiscuido en el ámbito del free jazz berlinés, pero no fue hasta principio de los 70s cuando comenzaría su carrera y desarrollo en el mundo electrónico. En 1973, fundó el trío ‘’GAM’’, junto al guitarrista Axel Struck y el percusionista Michael Aleska, ocupando Schickert su lugar en guitarra, voz y trompeta. Este grupo creó una especie única rock espacial, y grabó unas jam sessions en 1976, los cuales fueron lanzadas recién en 1986, en casete. En este momento Schickert también estaba creando música para una compañía de teatro, e incluso tocando en vivo en escenarios en algunas de las producciones. Su camino lo llevó a cruzarse con Klaus Schulze, quien quedó impresionado por el talento de Schickert, razón por la cual lo contrató como telonero de sus giras, ademas de trabajar de apoyarlo desde un principio en el lanzamiento de su primer disco en solitario, junto a otro trabajos que los músicos lanzarían en conjunto, debido al feeling o proximidad que había entre el estilo de ambos, bien electrónicos y experimentales.
Es así como en 1975 lanza su primer álbum en solitario, ‘’Samtvogel’’, producido y editado por el mismo, realizado a lo largo de tres meses de trabajo con medio caseros y primarios de producción y grabación. Aun asì se las arreglò para lanzar su propio trabajo en un numero en un número limitado de copias del lp, el cual sería re editado al año siguiente, bajo la etiqueta alemana ‘’Brain’’, un sello discográfico alemán de krautrock.
Schickert en su música denota una fuerte influencia de la escuela berlinesa electrónica, con una marcada influencia de músicos como Göttsching y por supuesto el mismo Schulze, pero a la vez sabiendo darle a su trabajo una frescura exquisita y un toque único. Utiliza elementos típicos del momento, como implementaciones con guitarra eléctrica y desarrolla un sonido electrónico en el que el eco y un tempo atípico van marcando los rumbos de las sesiones. ‘’Samtvogel’’ comienza con ritmos experimentales en guitarra, creando capas que se construyen en una deriva psicodélica, sin embargo, el paisaje sonoro de la guitarra es agresivo y punzante, y altamente experimental. Las implementaciones electrónicas con sintetizadores no tienen tanto lugar, es un trabajo instrumental, en su mayoría en guitarra, con una producción con efectos de sonido atemporales y superposiciones de distintas capas sonoras. Creo que en escuela electrónica de Berlín (y en la electrónica en general) el minimalismo siempre tiene lugar, por el simple hecho de la capacidad atmosférica que tienen los sintetizadores y la posibilidad de generar grandes sonidos en base a repertorios que musicalmente no son tan complejos, y esta característica está de alguna forma presente en este disco, que hace uso repetitivo de algunas técnicas específicas y recursos. Aun así es un trabajo fresco y muy artesanal, creado a base de sonidos experimentales en guitarra elaborados por él mismo y con muy pocos recursos técnicos, muy personal y altamente explorativo. El disco está compuesto por tres pistas, la segunda pista, ‘’Kriegsmaschinen, Fahrt zur Hölle’’, pese a no ser la más extensa, es la más interesante y exquisita, un collage supremo de pistas en guitarra y algunos efectos en el trato del sonido, altamente recomendable. En los años 80, Schickert siguió trabajando en la producción teatral y participo en un par de banda, ‘’No Zen Orchestra’’ y ‘’Ziguri Ego Zoo’’. En 1982 lanza su tercer trabajo en solitario, ‘’Kinder in Der Wildnis’’, en el cual explora algunas gamas musicales más amplias. En los años siguientes su trabajo fue destacado en algunas compilaciones de música electrónica, ademas de algunas reediciones de sus trabajos junto a Klaus Schulze, aunque sus trabajos son poco y difíciles de a localizar, Schickert es un innovador que merece más atención.
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