31 jul. 2016

Orange Peel - Orange Peel (1970)

Esta banda alemana nace en Hanau, con una corta vida que se extendió desde 1968 a 1971, integrada por Peter Bischof  en voz y percusión, Leslie Link en guitarra eléctrica, Heini Mohn en bajo, Ralph Wiltheiß en órgano y Curt Cress, un joven baterista de 17 años. Ellos estuvieron en los orígenes del krautrock, junto con bandas similares como 'Nosferatu', surgiendo de un ambiente con marcadas influencias extranjeras pero comenzado a direccionar el rumbo del caldo de cultivo, del floreciente movimiento alemán de la época, que desembocaría en todo un fenomeno de rock de ese país.

Pese a su prominente comienzo, el grupo no supo dejar muchos frutos, a no ser por un single lanzado en 1970, y finalmente el único disco, el homónimo ‘Orange Peel’, lanzado ese mismo año, pero grabado ya en 1969, por lo cual se convierte en un artilugio temprano y adelantado dentro del movimiento. 

Este particular trabajo mantiene una buena dosis de complejidad, lo que pareciera ser un progresivo algo temprano no por el año sino por lo visceral y rustico de su sonido, con intervalos de pasajes cantados, más sesiones de improvisación, pesadas tanto por teclados y guitarras duras, apareciendo el elemento krautrock; así que tenemos aquí varias visiones dando vueltas, unidas a la perfección en un rock pesado bastante extraño.


Todo lo que respecta a este disco es bastante extraño, por la rudeza, algunas disonancias, el sonido oscuro capaz de abastecer tanto a oídos exigentes de psicodelia, como de krautrock o de progresivo. El atractivo principal del trabajo seria la primer pieza, "You Can't Change Them All", que con una duración de 18 minutos, ocupa todo el lado A, siendo una suite rustica y dura, repleta de sorprendentes improvisaciones en guitarra y hammond, desplegadas entre una compleja estructura.

Reflejan estar influenciados por el movimiento rock de su país, pero también reflejan blues rock, influencias de la psicodelia norteamericana, la cual reafirman con su cover de ‘’Tobaco Road’’, también parecieran saber algo de jazz; una mezcla muy pesada, entre los primero de heavy progresivo de su país y entre los primeros grupos surgidos del movimiento krautrock, al contar ya en 1970 con un sonido tan marcado e instintivo.

La banda se separó inmediatamente después del lanzamiento del trabajo, la mayoría de los miembros desarrollaron su carrera con otras bandas progresivas. El bajista Heini Mohn reemplazó a Michael Ertl en ‘EPSILON’, mientras que Peter Bischof se unió ‘EMERGENCY’ y Curt Berro pasó por bandas como ‘EMERGENCy’, ‘Pasaport’ y ‘Atlantis’.

Cod: #1244

24 jul. 2016

Ange - Caricatures (1972)

‘Ange’ es una de las más destacadas bandas provenientes del progresivo francés, formada  en Septiembre de 1969, por iniciativa de los extraordinarios hermanos Christian y Francis Décamps. En 1970 Christian compone la ópera rock ‘La fantastique épopée du général Machin’, de la cual no quedaron registros sonoros salvo una grabación de un concierto en vivo, publicada en el doble álbum lanzado por RCA en 1978. 

Con dicho trabajo comenzaron dando sus primero conciertos, alrededor de 1970, por el que recobran buena fama en el ámbito progresivo europeo. El 26 de agosto de 1973 abren un concierto para ‘Génesis’, frente a 30.000 personas; realizan 110 conciertos entre 1973 y 1976.

Su primer álbum a publicar llegaría en 1972, el magnífico ‘Caricatures’, trabajo debut que no sería el más aclamado por el público dentro de la discografía del grupo pero aun así se trata de un muy esmerado trabajo y un gran puntapié para el comienzo de su discografía; con su sonido influenciado por los grandes de la época, pero con una gran dosis personal que los marcaria como únicos en el rock europeo; un rock progresivo de una esmerada elaboración y un llamativo estilo algo oscuro, melancólico y macabro. Cuenta además con una marcada faceta que refleja también muchos yeites de la cultura europea, la estilística medieval, teatral, arlequinesca, poesía hablada, etc.

El primer disco de Ange es diferente a lo que harían después, pero manteniendo siempre esa intencionalidad sinfónica por la que despliegan algunas piezas de larga duración, la principal de ellas sería ‘Caricatures’, la pieza que le da nombre al disco y que materializa en carne sonora la intención y el espíritu del disco, todavía no resuelto o muy claro del todo, sino más bien es un intento arriesgado de rock sinfónico, que al fin de cuentas ha salido bien; la complejidad lo demuestra y la buenos pasajes melódicos, sumados a las estructuras oscuras, lo terminan de reafirmar.


Con letras (según dicen) algo controversiales, de contenido poético, grosero y sexual, (cosa difícil de constatar ya que están en francés) la vocalización se vuelve un condimento importante, desde este primer trabajo, con un estilo impulsado por Christian Decamps, con su tono irónico y teatral que se volveria una fuerte influencia en su pais, cosa que no era así el comienzo del grupo cuando Christian era un factor mas dentro de todos los elementos.

El grupo en esta realización estaría alineado con Christian Decamps en voz y teclados, Francis Decamps en teclado y voz, Jean-Michel Brezovar guitarra, Gérard Jelsch en batería y percusión y Daniel Haas en bajo.

‘Ange’ cuenta con una nutrida selección de obras maestras, que van desde el primer lanzamiento hasta ‘Guet-Apens’, de 1978, comprendiendo varios discos lanzados durante la década de los 70s. Estos componen los principales trabajos de la primer etapa del grupo, casi concluida a finales de los 70s.

Treinta años más tarde, después de varios cambios en su formación, carismático Cristiano Descamps reforma el grupo y le da vida a la lleva la nueva generación de Ange, la segunda etapa, junto a su hijo Tristán en los teclados, Hassan Hajdi en las guitarras, Thierry Sidhoun en el bajo, Caroline Crozat en las voces y Benoît Cazzulini en la batería. Esta formación lanzaría nuevos álbumes: ‘Culinaire Lingus’ y ‘?’.

Code: #1242

16 jul. 2016

Albatross - Albatross (1976)

Esta banda sinfónica norteamericana nace Rockford, Illinois, Estados Unidos, a principio de los 70s, pasando casi desapercibidos dentro del progresivo norteamericano. La banda contó con Marc Dahlgren en teclados, Paul Roe en la guitarra, Joe Guarino en bajo, Dana Williams en la percusión, y Mike Novak en voz.

Corren su suerte al mismo tiempo que otras grandes bandas progresivas inglesas, como Yes, Génesis, etc., por las cuales se ven fuertemente influenciados. Estas influencias extranjeras serían fundamentales en su sonido, incubado en una maquinaria sinfónica propiamente dicha, contando a la vez con una gran dosis experimental muy personal, que hace que sea aún muy disfrutable e innovador.

En 1976 lanzan su único trabajo, producido de forma privada en un estudio que ellos mismos construyeron y financiaron, con la idea de llevar la producción profesional a su ciudad natal, Rockford. El homónimo ‘Albatross’, un trabajo progresivo sinfónico bastante ambicioso y con muy buenos momentos de rock algo oscuro. Pese a ser un trabajo desconocido y para no tratarse de un ‘clasico’ por descubrir, aun es llamativa la energía que aplican y la variedad instrumental que despliegan en los temas, que son frescos pese a que cargan con muchos elementos complicados, y se vuelven muy innovadores por momentos.

Vale rescatar también el esfuerzo que hacen en elaborar estructuras intrincadas, especialmente en el primer tema del disco, llamado ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’, una extensas suite de rock sinfónico que combina progresivo, con rock pesado, ambientes sinfónicos y elementos electrónicos, nacidos por la aparición de distintos sonidos aplicados con los varios sintetizadores con los que contaban.


El resto del disco se divide en cuatro temas de menor duración pero que también muestran un infernal ímpetu sinfónico y mayores destrezas, donde por supuesto los teclados de Dalhgren son los mayores destacados del sonido. 

Esta destreza compositiva no surgiría por casualidad, se trataba de músico de categoría, especialmente por Marcos Dalhgren, un virtuoso tecladista con formación profesional en música clásica, él fue el encargado de componer todas las piezas del disco, (con Mike Novac el principio letrista) aunque los demás músicos también aportaron los suyo en el trabajo total, y tuvieron la capacidad de adaptarse favorablemente a las ideas originales, el sonido final lo prueba con creces.

Como se ha dicho antes, reflejan gran cantidad de distintas influencias llegadas del rock inglés o norteamericano, más específicamente con ritmos duros tipo ‘Yes’, o evocando ambientes sinfónicos épicos muy al estilo ‘Genesis’, sin contar a la voz principal que pareciera estar inspirada en el típico estilo de Peter Gabriel. Otras influencias se dejan ver, como Emerson, Lake And Palmer o Kansas.

Al poco tiempo del lanzamiento del disco los músicos deben tomar caminos por separado al disolverse el grupo. Algunos de ellos, como Joe Guarino, seguirían logados al estudio que construyeron, trabajando en la industria de la música. Mike Novak sufriría un aneurisma que lo alejaría por un tiempo de la música, luego recuperado pasaría a formar parte de la banda ‘Blues Hawks’.

Cod: #1241

9 jul. 2016

Toshiaki Yokota & The Beat Generation - Flute Adventure (1971)

Toshiaki Yokota es un flautista de jazz que dejó grandes sonidos en el jazz fusión japonés de principio de los 70s. Nace en Tokyo, en 1944, y comienza tocando la flauta desde pequeño, hasta su aparición en los escenarios, como profesional, a los 17 años de edad. 

Sus comienzos en la música lo sitúan con ‘The Beat Generation’, un grupo creado y liderado por él mismo, compuesto además por distintos músicos de la escena jazz fusion y rock japonés del momento. Con este grupo lanzaría sus primeros trabajos, el primero de estos seria ‘Exciting Flute’ de 1970; el segundo, el ya publicado aquí, ‘Elevation’, de 1970, un trabajo más estándar dentro del jazz fusión. 

Para su tercer lanzamiento se luciría aún más, su ‘Flute Adventure’, de 1971, marcaría un paso importante en su carrera, dejando muy buenos sonidos de jazz fusión, con toques de psicodelia, jazz funk, free jazz y bozza, además de tener una faceta muy marcada que se dirige siempre hacia un sonido rustico y étnico, con apariciones de elementos de música étnica africana y/o afroamericana, o podría decirse también latin jazz, como percusiones de congas o cantos tipo ritual. 

Su flauta combina a la perfección con este ambiente rustico, resaltando estas características aún más y encontrando un lugar perfecto para sus arreglos y distintas ideas que explora con el sonido. Es trata de una autentica ‘aventura para su flauta’, y para todos los participantes que aquí se muestran, (entre guitarra eléctrica, piano, y demás agregados) quienes se manejan, durante la primer mitad del disco, de manera libre, con un sentido de free jazz, pero siempre con una meta étnica; trae a la mente imágenes de civilizaciones indígenas antiguas, con sus sesiones, cantos, bailes, y todo el misticismo con lo que esto puede estar relacionado. 


Esto es lo que ocurre predominantemente durante la primera mitad del disco, la cual está dividida en cuatro partes, conformando las cuatro junta una suite en su totalidad. Esta primer mitad, llamada ‘le soleil était encore chaud’,  está dedicada al poeta Arthur Rimbaud.

Sin embargo la segunda mitad del trabajo se muestra más centrada en cuanto a las intensidades y estructuras, en la cual hacen temas más compactos pero no por eso menos sentidos y emotivos, aquí tiene lugar algo de bozza y samba brasilera, reafirmando aún más el interés de Toshiaki Yokota por el latin jazz y los sonidos étnicos afroamericanos, que alejados están de su cultura (japonesa) natal propiamente dicha.

Para este lanzamiento el grupo estaba integrado por Hideo Ishikawa en piano , Sadanori Nakamure en guitarra, además de algunos miembros de la banda Count Buffalo, como Kimio Mizutani en guitarra eléctrica, Larry Sunaga en percusión y Masaoki Terakawa en bajo; todos bajo la dirección de Yokota.

Ese mismo año (1971) lanza otro trabajo, ‘Primitive Community’, ya con otra banda, ‘Toshiaki Yokota & Primitive Community’. Con ambos álbumes de 1971 Yokota marcaria a fuego el fusión japonés, explorando y exponiendo más aun su poderío como músico, compositor y explorador de armonías y sonidos experimentales.

Cod: #1240

2 jul. 2016

PSI - Horizonte (1977)

PSI, pese a su corta vida, se encuentra entre la elite del jazz fusión alemán. Nacidos a mediados de 1975, en Mainz, capital del estado Rhineland-Palatinate, Alemania, solo vivieron dos años y medio, un corto periodo en el cual se las ingeniarían para dejar muy buenos sonidos, publicados en un solo trabajo.

Muy poca información hay sobre ellos y sus orígenes, salvo que el grupo estaba integrado por Bodo Feldmann en bajo y voz, Volkmar Zimmermann en guitarra y voz, Robert Jahn en batería percusión y voz, Wilfried Kunkler en saxo y percusión, ademas de Matthias Frey en teclado, que parece ser el líder, tanto por sus composiciones como por su estelar participación.

‘Horizonte’, un interesante trabajo de jazz fusión, con características heredadas un poco de la escuela jazz rock de su país, con la potencia y el espíritu de incursionar en las fusiones, como Passport, Missus Beastly, Kraan, entre otros; aunque a la vez plantean un escenario no tanto hacia el krautrock sino un poco más hacia un lado progresivo, cambiante.


Las composiciones y arreglos originales, todos de Matthias Frey, dan un resultado que sólo puede ser descripto y ejecutado por PSI, un ambicioso despliegue de distintos pasajes e intensidades ejecutadas con sutileza, que convierten a los temas no solo en bases sobre las cuales improvisan, sino que la improvisación es parte de esa combinación estructural que se va mutando constantemente.

Talvez parezca engañoso el primer tema, que parece más sencillo, pero es tan solo prologo para lo que vendrá después, que son una serie de elegantes piezas, en donde surge lo funky y progresivo, manejados de una manera estructural virtuosa; con una destacable base rítmica que realza el ánimo de las piezas.

Poco se sabe del grupo en sí, salvo que Matthias Frey, luego de este lanzamiento, se convertiría en un prolífico compositor, junto a algunas bandas y varios proyectos en solitario. El guitarrista Volkmar Zimmermann se unió a la banda danesa "Kvartet Corona" en 1995.

Cod: #1239
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