30 jun. 2016

John McLaughlin & The 4th Dimension en vivo en el Gran Rex, Buenos Aires, Argentina – 01/04/16 (Concierto)

Esta nota tiene ya dos meses de retraso pero igualmente quería publicarla para hablar de lo que fue el alucinante concierto dado por John McLaughlin en Buenos Aires, el primero de Abril de este año:
Con excusa de la presentación de su disco "Black Light", John McLaughlin y ‘su banda’ The 4th Dimension se presentaron en el teatro Gran Rex, en medio de una gira mundial, que afortunadamente los traería a la Argentina, y poder disfrutarlo, para poder tener el lujo inmenso de escuchar a tal leyenda del jazz fusión como lo es McLaughlin.

Tuve la suerte de presenciar ese concierto, realmente no me esperaba nada en particular, sabía que se trataba de una leyenda y no quería perdérmelo, pero hasta entonces no había seguido sus últimos trabajos, solo había escuchado a la Mahavishnu, así que fui con la intriga de no saber què era con lo que me iba a encontrar y la sorpresa fue mayúscula, inmensa.

Armados con lo mejor de la tecnología actual, en cuanto a instrumentos y sonido, salieron al escenario esa noche lluviosa de Abril, eran cuatro fieras increíbles, no solo John se destacó sino que también se las arregló para encontrar a gente tan monstruosa como él, por lo que no fue un concierto sino una exhibición de grandeza y virtuosismo de una calidad tal que dudo mucho que alguna vez vuelva a presenciar. Hicieron un jazz rock totalmente actualizado, innovador, que demostraba que John jamás se quedó en los mitos del pasado y de sus trabajo, sino que siguió evolucionando hasta hoy, sin perder jamás la vanguardia.

Ya desde hace algunos años que viene funcionando esta banda, The 4th Dimension, integrada por: Gary Husband, en teclados y percusión, que no solo es un maestro concertista de jazz y clásico, a nivel de elite, sino que es un baterista feroz, por momentos dejó los teclados y se sumó tambien a la batería, (si, había dos baterías sonando a la vez) demostrando que era tan bueno en ambos instrumentos. Además del indio Ranjit Barot, en batería y voz, otro maestro de la percusión, un intérprete y acompañante perfecto para la guitarra de John, demostrando sus dotes e incontables habilidades percusivas, técnicas, una versatilidad inesperada, además de aportar algunas voces e improvisaciones vocales en algunos temas.


También en el grupo, el camerunés Etienne Mbappe, en bajo, una fiera temerosa que tocó lo que quiso, hizo lo que quiso siempre, tocó a la velocidad que se le ocurrió, sin jamás haberle detectado siquiera un error o distracción; pasó por una cantidad de escalas extrañas, que parecían de otro estilo, más avanzado a lo ya avanzado y sofisticado que tocaban los demas, cosas que ni siquiera John tocaba en su guitarra. Y por último, por supuesto, John en guitarra, un caballero del jazz fusión, siempre elegante, impecable con sus vestiduras y su brillante guitarra que comenzó a rugir sonidos inesperados desde el primer segundo hasta el último. 

Maestros musicales a nivel de élite, que hacían lo que querían,  jugaban con las velocidades, improvisaban de forma inexplicable, invertían escalar o las modificaban como les parecía, variaban intensidades y velocidades de interpretación muy rápidamente y casi sin despeinarse, varíaban mucho el sonido incluso dentro de cortos periodos de tiempo dentro de un mismo tema. Un estilo en el que aparecía jazz, toques de blues, clasico, música indú, progresivo.

Realmente esta gente, como dije anteriormente, no dio un concierto sino una eximia exhibición de virtuosismo y despliegue con una calidad de élite mundial, haciendo un jazz fusión explosivo, que no se puede llegar a apreciar en audio, debe ser escuchado en vivo para sentir realmente lo que logra, lo que alcanza. 

Desde el primer segundo que comenzaron a tocar explotaron y jamás bajaron de ese limbo innovador, y de esos cuatro maestros salía algo muy adelantado, muy complejo y sofisticado, un jazz fusión que sobrepasaba las ideas que uno puede tener sobre complejidad; se trataba de estructuras complejas, no solo en un sentido estructural, que obviamente eran muy complejas (por momentos) en cuanto a cantidad de partes y arreglos, sino que además de instante en instante se iban modificando. 
En algunos temas lo que hacían no se volvía a repetir jamás luego de 3 o 4 segundo de ser tocado, por más que interpretaran una base específica, tanto la batería como el bajo y el teclado, iban modificándose y haciendo bases que no repetían patrones. El mismo John, en un momento en el que se refirió a ‘sus musicos’ (por así decirlo), dijo: ‘'They can play anything'’, y realmente era así, ellos podían tocar lo que sea, cualquier cosa que le pidieran, no tenían limite.

Uno sonido además muy emocionante, muy conmovedor, con una carga espiritual muy fuerte, especialmente por el lado de John, que siempre ha manifestado (con su manera de hablar tan pacífica y sus acercamientos a la música india por ejemplo) una sensibilidad particular y un acercamiento hacia lo místico; aunque los demás músicos también lo sentían así y lo manifestaban de esa forma. Los cuatro estaban compenetrados en lo que hacían y funcionaban en un círculo perfecto, entendiéndose a la perfección los unos los otros.

Un concierto de dos horas y media, en el que interpretaron todos temas del grupo, algunos temas nuevos, aunque también sumaron varias interpretaciones especiales de otros temas, un tema dedicado a Carlos Santana, y otro, en un momento muy emotivo, dedicado a Paco de Lucia, ambos músicos a los que John estaba homenajeando y con los que ha trabajado en varios discos. En el show también hubo lugar para composiciones como "Light at the edge of the World", "Echoes from them", "Abbaji" y "The creator has a master plan", entre otras.

24 jun. 2016

Moose Loose - Elgen Er Los (1974)

Formada en Oslo, Noruega, en 1973, ‘Moose Loose’ fue una muy buena banda de jazz fusión. El grupo, ideado y liderado por el guitarrista Jon Eberson, (fructífero músico respetado en la escena jazz rock de su país), sería un paraje por donde pasarían muy buenos y prósperos músicos de la escena noruega, un punto de partida no solo para Eberson, sino para los demás músicos participantes.

La primera formación del grupo, la cual grabaría el primer lanzamiento, estaba integrada además por el tecladista Brynjulf Blix, (quien había previamente tocado con Jan Garbarek), el baterista Pål Thowsen y el bajista Sveinung Hovensjø; todos luego de esta participación comenzarían a grabar sus respectivos discos, u otras participaciones en trabajos.

El álbum debut de ‘Moose Loose’ llegaria en 1974, llamado ‘’Elgen Er Los’’, tratándose de un poderoso y exquisito sonido jazz-rock, con bases funky y plagado de improvisaciones en teclado y guitarra, un álbum instrumental abocado en gran parte a la improvisación, aunque explorando además el terreno jazz-fusión, con las distintas variantes y concepciones que refleja cada tema en particular.


Un gran atractivo del sonido es la potencia y la dureza de la interpretación, cuando quieren son realmente rudos, aplastantes, con un funk rock muy áspero y contundente. El trabajo no es muy extenso pero le sobra personalidad y grandes interpretaciones, propias de lo talentosos músicos que pasaron por las filas del grupo.

Una personalidad llamativa para tratarse del primer álbum de una banda relativamente desconocida, que, pese a transitar por un jazz fusión estándar, aun así saben aplicar una dosis muy personal al sonido, siempre dentro de un fusión algo rustico y áspero.

Luego de este lanzamiento la banda cambiaria por completo su formación, siendo solo Jon Eberson el único miembro estable. Para su siguiente disco la nueva formación del grupo traería consigo un nuevo sonido, un poco más esmerado en cuanto a las estructuras y sutilezas en las intensidades y los solos, siempre dentro del jazz fusión.

Cod: #1238

19 jun. 2016

Buenos Aires Jazz Fusión - Volumen I (1981)

Realmente había muy poca información sobre esto, muchas gracias a Gabriel Martinez por tener la amabilidad de aportarme una edición escaneada de la revista ‘Expreso Imaginario’, nº 55, de Febrero de 1981, donde pude obtener algo de data!!

'Buenos Aires Jazz Fusión’ es un proyecto, justamente de jazz fusión, de los más emblemáticos de Argentina. Nace en 1981, liderado por el baterista Néstor Astarita, quien encabeza el idea, que constaría de una agrupación de distintas bandas y formaciones de jazz que se unirían para dar distintos conciertos, tanto en capital federal como por el interior del país. 

De este movimiento participaron grandes músicos de la escena nacional (argentina), el saxofonista Chivo Borraro, el pianista Jorge Navarro, el trompetista Fats Fernandez, el pianista Horacio Larumbe, entre otros.

Entre Abril y Septiembre de 1981, Néstor Astarita encabeza el lanzamiento de un álbum que también se llamaría ‘Buenos Aires Jazz Fusión’, este lanzamiento seria el símbolo de esta pequeña/gran movida que promulgaba el jazz y el jazz fusión; que era encabezado por Atarita pero que contaba con muchos aportes que por detrás formaban todo el proyecto.

La grabación del primer volumen de ‘Buenos Aires Jazz Fusión’ se dio entre Abril y Septiembre de 1981, en los estudios ‘ATC’, con excepción de algunos temas particulares que fueron grabados en estudios ‘Fonema’, y fue publicado ese mismo año.

Este lanzamiento cuenta con el aporte especial de muchos músicos de enorme calidad, que se sumaron a la grabación para contribuir con su visión personal y así de reafirmar aún más la idea original del proyecto, que es la de un grupo de amigos haciendo jazz. De este lanzamiento participarían: Bernardo Baraj en saxo, Dino Saluzzi en bandoneón, el uruguayo Jorge ‘Negro’ Gonzales en contrabajo, Lito Nebbia en voz y teclados, Norberto Machine, Roberto ‘Fats’ Fernandez en trompeta, Ruben ‘Baby’ Lopez Furst en piano, Norberto Minichilo en vibráfono, el uruguayo Ruben Rada en voz y percusión, Horacio ‘Chivo’ Borraro en saxo, y obviamente Nestor Astarita en batería.


De estos asombrosos nombres surgiría el sonido de este primer lanzamiento, un grupo de músicos provenientes de distintos extractos y estilos, pero unidos con la misma idea de música libre. En este ambiente descontracturado, las distintas visiones, influencias y estilos, de los tantos músicos participantes se van volcando y unificando, surgiendo así un sonido sin identidad fija; aparecen extractos de candombe, milonga, zamba, afro, tango, sonidos obviamente latinoamericanos, mixturados y unidos bajo la fusión de un jazz sin fronteras ni límites.

Los temas están constituidos no tanto por estructuras fijas sino por ambientes y pasajes improvisados, instrumentales, inciertos. Hay una característica como de eventualidad en el sonido, de sesión improvisada en el momento, lo que le da a las estructuras de los temas una amplitud y calidad mayor; esto pareciera ser el resultado propio de la improvisación de un grupo de músicos de enorme nivel que parecen crear los temas en el momento, con soltura, sin mayor esfuerzo…

Si hay algo de, por así decirlo, ‘estructurado’ en el sonido es por las aportaciones Lito Nebia, que es un músico acostumbrado también a la canción propiamente dicha, a la composición de canciones, aportando en esta caso también un par de temas de su autoría, con estructuras más sencillas a lo que se escucha en el resto del disco pero con esplendidas armonías que están a la altura del jazz fusión que hacen en su totalidad. Otro aporte de Nebia, sumado por supuesto también a Rubén Rada, seria en la voz, ambos aportan sus voces en las letras y otros agregados vocales que tiran en las sesiones.

Tras algunos años, 1998, un nuevo grupo bajo la misma idea de ‘Buenos Aires Jazz Fusion’, y siempre liderados por Astarita, grabó y publicó unos 4 temas más, estos fueron publicados junto a una reedicion en cd del primer volumen lanzado por la banda, todo en el mismo disco. Estos temas nuevos fueron grabados en Estudio ‘Nuevo Mundo’, de Buenos Aires, durante los comienzos de 1998, y demuestran un sonido más íntimo y relajado, más abocado al jazz particularmente, y con fusiones de otros estilos no tan abrupta, sino mas sutiles.

Lamentablemente hay muy poca información precisa circulando sobre los pasos de este grupo y sus presentaciones en vivo, según dicen el proyecto siguió funcionando hasta hoy en día inclusive, cuando siguen tocando en vivo. Actualmente, está integrado por el baterista Néstor Astarita , Bernardo Baraj en saxos, Alejandro Kalinoski en piano, el bajista Bucky Arcella y Pocho Porteño en percusión. 

Cod: #1237

15 jun. 2016

Bachdenkel - Lemmings (1970)


Humanos que navegan buscando buena música, he aquí a Bachdenkel, un grupo de rock psicodélico/progresivo con su álbum debut, “Lemmings”. El grupo en cuestión se formó en 1968 en Birmingham bajo el nombre de You Know Who. Estaba integrado por: Colin Swimburne (guitarra, piano, órgano y voz), Peter Kimberley (bajo, piano y voz), Brian Smith (batería) y, de vez en cuando, Karel Beer en piano, que además era el ingeniero de iluminación y el productor. “Lemmings” fue grabado en Francia en 1970, aunque no se conoció hasta recién en 1973.

En lo personal, para mí éste es un trabajo bellísimo. Probablemente no vayan a escuchar nada que no hayan escuchado antes. Y puede que haya algunos altibajos. Aún así sigue habiendo algo único en este álbum,  es como si aquí estuvieran reunidas un montón de melodías hermosas que se encontraban en mi inconsciente esperando por fin poder identificarse con un disco (o al menos ésa fue mi experiencia). 



Bachdenkel tiene su propia impronta, “Lemmings” es muy especial, lleno de pasajes oscuros, dramáticos y oníricos. Estamos solos con los ojos clavados en el hermosísimo arte de la tapa. Es de noche y se ve el cielo estrellado. El silencio se rompe con un tímido órgano al que inmediatamente se le suma una guitarra, la cual, junto con la voz, va tomando la dirección de la canción. Ya con este comienzo podemos percibir la esencia del álbum. La lírica también es imperdible, no tiene desperdicio. Son letras un poco tristes, profundas, cargadas de imágenes surrealistas y oscuras, como la música, pero no por eso son menos bellas. “Equals” es una breve canción con un lindo piano y guitarra acústica que nos conduce a  “An Appointment With The Master”. Esta última es realmente emocionante, una canción que nos guía hacia un camino luminoso, hasta que las luces se confunden y se van apagando en “The Settlement Song” con un órgano y una voz flotantes, y poco a poco aparece la oscuridad de la mano de la progresión de acordes de la guitarra. Los trabajos vocales en esta canción y en todo el disco son alucinantes. “Long Time Living” es otra balada muy bonita donde, además de la voz, se destacan el piano y el órgano, y como leí por ahí, bien podría haber sido escrita por John Lennon. Continuamos con “Strangerstill”, y el disco se despide de nosotros con una épica marcha, “Come All Ye Faceless”. No deja de sorprenderme cómo la música describe tan bien la lírica (o viceversa), así que por este motivo voy a dejarles algunas de las letras para que se deleiten y sigan el concepto del álbum. De todas formas, no dejen de buscar el resto en esta página: http://lyrics.wikia.com/wiki/Bachdenkel:Lemmings_(1970). 

Afortunadamente, la edición que aquí les traemos viene con seis bonus tracks: “The Slightest Distance”, “Donna”, “A Thousand Pages Before”, "Through The Eyes Of A Child", "An(other) Appointment With The Master" y "Strange People". Luego de este fantástico álbum debut, no volverían a grabar hasta recién en 1977, año en que se publicó su segundo y último disco, “Stalingrad”. Espero que lo disfruten mucho y que tengan un muy buen viaje!!  Y no se extrañen si en sus sueños escuchan a “Lemmings”.

Por aquí algo de la poesía tan mencionada:


''Translation''

I waited all through winter
for a spring that didn't come
You said you knew a window
that always faced the sun
You showed me every season
You always were my kind
You gave me every reason
for the things I tried to hide

You gave so much so gladly
You didn't make me choose
In all the time you've taught me
I never learned to lose
But now the lesson's over
Your teachings all are done
The only thing you left me
is a summer without sun

''Equals''

So you sent me on my way
And I came upon the strangest people
All of them with worn-out reasons
And they persuaded me to stay
And they persuaded me to share myself

I came so far, I came to learn
And they told me of my isolation
Gave me gifts that had no value
And I returned all I possessed
And then they showed me how to give myself

All men are my equals now
I see myself in everyone
And everyone can see themselves in me
And I can show you how to lose yourself

Now left alone, I lose control
I find myself without protection
In my weakness you support me
For should one fall, so will we all

And then they showed me how to save myself for them

''An Appointment With the Master''

She leaves instructions on her doorstep
And they say, do not disturb her
And you tell yourself she's sleeping
But secretly she's keeping
An appointment with her master
Who wears gold upon his fingers
And puts silver in your pocket

Come the morning she's still sleeping
And you think an explanation
Might be useful for the future
But she just looks as if to tell you
That if you really want an answer
To the question that you're asking
Ask the master
If you really want an answer
Make an appointment with the master

So I went to see the master
And he said that there's no need to be
An everlasting loser
You take her and you use her
And pay very close attention
To the manners and the movements
Of your lord and loving master

Then he led me into darkness
And I felt that I was falling
And I said, can I be dreaming?
No, I know I am not sleeping
For my eyes were being opened
My imagination tutored
By my lord and loving master

Then she showed me to her table
And we dined before the master
And his blood was like a living wine
And I saw no need to ask her
For my manners and my movements
Were those that I had studied

From my lord and loving master

"Strangerstill''

How long have I been living here?
No-one can tell me
How often you've seen me
Yet no-one can know me

Sometimes I can almost see you near me
I can feel you
I can almost hear you call me

How long were you waiting for me
Calling to me, "How I need you"
Now I know you, take me to your world

I'm all alone even though I know you're here
The world has closed, all is dark, I have no fear

No-one knows me now I am you

                                                            Cod: #1235

12 jun. 2016

Toshiaki Yokota & The Beat Generation - Elevation (1970)

Toshiaki Yokota es un flautista de jazz que dejó grandes sonidos en el jazz fusión japonés de principio de los 70s. Nace en Tokyo, en 1944, y comienza tocando la flauta desde pequeño, hasta su aparición en los escenarios, como profesional, a los 17 años de edad.

Sus comienzos en la música lo sitúan con ‘The Beat Generation’, un grupo creado y liderado por él mismo, compuesto ademas por Hideo Ichikawa en teclado, Sadanori Nakamure en guitarra, Jun Suzuki en bajo, Takeshi Inomata en batería y Larry Sunaga en percusión. 

Con este grupo lanzaría sus primeros trabajos, el primero de ellos seria 'Exciting Flute' de 1970, el segundo seria ‘Elevation’, de 1970. ‘Elevation’ es un trabajo de jazz fusión, con una mescla relajada y sutil, estándar, con cierto dejo melancólico y melódico, lo que refleja el estilo delicado y complejo del jazz japonés, además de reflejar otras características, como la influencia del soul y la psicodelia norteamericanos, influencia que en general pesa en casi todo el jazz japonés de aquellos años.


Los arreglos del disco fueron hechos por Masahiko Satoh, pianista y compositor, también japonés. Las piezas son delicadas, melancólicas y sencillas, la mayoría de no tan larga duración, aunque guardan cierto carácter experimental, en la creación y la fusión de ambientes melódicos, más dentro del pop, con melodías barrocas y por supuesto… la aparición del jazz.

Lo que talvez más se destaca en el trabajo es un estándar de jazz llamado ‘’On the road’’, y una formidable reversión de ‘’What’d I say’’, de Ray Charles, piezas en las que, obviamente, la flauta de Yokota  en la principal interlocutora de las armonías y solos. No es un trabajo estelar pero es una buena manera de ingresar al ámbito de Toshiaki Yokota, que es bastante prometedor y seria mucho más sutil a futuro…

Luego de este primer lanzamiento seguiría con ‘Flute Adventure’, de 1971, lanzado también bajo el nombre de ‘the beat generation’. Ese mismo año lanza otro trabajo, ‘Primitive Community’, ya con otra banda, ‘Toshiaki Yokota & Primitive Community’. Con ambos álbumes, claramente más llamativos que este primero, Yokota marcaria con fuego el fusión japonés, explorando y exponiendo más aun su poderío como músico, compositor y explorador de armonías y sonidos experimentales, trabajos que mas adelante aparecerán en este blog.

Cod: #1234

7 jun. 2016

Masahiko Sato Trio - Palladium (1969)

Masahiko Sato pertenece a la escuela de jazz y jazz fusión japonesa, que tantos grandes frutos y valores ha dado, y a la cual él ha influenciado, tanto con arreglos directos, participaciones, como con su sonido personal y con su extenso trabajo discografico. Nacido en Octubre de 1941, en Tokyo, Sato, es un influyente pianista japonés de jazz, arreglista y compositor. 

Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, y a los 17 ya era profesional. En 1967 se muda a los Estados Unidos, para estudiar en la universidad de Berklee. Se mantenía trabajando en una casa de comidas y tocando el piano en un Hotel. Pasó dos años allí, estudiando arreglos y composición musical. 

En 1969 volvería a Japón y lanzaría su primer trabajo, ‘Palladium’, en una formación liderada por él mismo, un trio compuesto por Sato en piano, Yasuo Arakawa en bajo y Masahiko Togash en batería. Todas las composiciones del trabajo le pertenecen a él, a excepción de una formidable reversión de ‘Michelle’, de los Beatles.


En este trabajo debut presenta sus primeras piezas en piano, que se mantienen dentro del espectro del jazz contemporáneo típico de la época, hardbop, post bop, y con un toque de free jazz para abrir las sesiones y para nutrir las piezas a la hora de la improvisación. Son piezas delicadas y estilizadas en piano, que denotan la influencia directa de Duke Ellington.

Siempre correcto y elegante, se va adentrando tímidamente en un sonido algo hermético y descontracturado, con su temible habilidad… con la que demuestra sus capacidades en armonía y sus excelente uso de fraseos y acordes en la improvisación; las piezas son prominentes, de un muy buen nivel, y le valieron a Sato un comienzo promisorio en la escena del jazz japonés, ya con sus primeros trabajos obtendría algunos premios y reconocimientos.

Luego de este lanzamiento, seguiría con el trio, con el cual lanzaría tres álbumes mas durante los primeros años de los 70s, pero su talento le permitiría participar a la vez en innumerable cantidad de discos, dúos, trabajos como invitado, arreglos para otros discos, música para películas, televisión y publicidad, además de sus discos lanzados en modo solista, que recorren todas las décadas desde principio de los 70s hasta la actualidad.

Cod: #1233

3 jun. 2016

Handgjort - Handgjort (1970)

Está más que claro que el rock como fenómeno cultural tiene raíces anglosajonas,  en lo personal no me gusta la idea de mirarlo como una suma de eventos aislados en Estados Unidos e Inglaterra, prefiero verlo como un fenómeno global que fue alentado por un cambio generacional en gran parte del mundo, si bien música e ideas que provenían de dichos países se proliferaron en muchos lugares (no dejemos de lado que empresas vieron y  aún tratan a la música como un negocio), en varias naciones se dio el marco donde habitaba una demanda de cambios tanto social político y cultural, de gente joven  que con mucho coraje se animó a expresarse y hacerse escuchar.

En ciertos países éste período musical de fines de los 60 a mediados de los 70 se los nombra aparte, como por ejemplo el  ‘rock nacional’ en Argentina o el ‘Krautrock’ en Alemania, también como en muchos otros lugares éstas escenas se desarrollaron en un ambiente de cambios y dieron un gran empujón para renovar la cultura, por eso en lo personal le debo muchísimo respeto a el rock de aquellos años.

Suecia es un caso bastante similar al de Alemania, una sociedad con mucha estructura y costumbres anticuadas y que tras la postguerra comienzan a vivir un desarrollo económico próspero. El rock de Suecia es un mundo extraño y poco documentado cabe destacar que el movimiento hippie fue bastante notorio, el mismo también estaba relacionado en parte con las ideologías de izquierda más rebeldes (como el krautrock y no dejemos tampoco de lado al rock argentino con la esperada vuelta de Perón a principios de los 70), pero también otro concepto más importante o más característico de la psicodelia no es el mensaje político o contestatario  sino uno espiritual que está más inclinado a la meditación la introspección personal, la capacidad de abrir más la mente y la reflexión en general.


Ahí ya tenemos una idea del contexto,  hippies,  zurdos,  revolución pacifista,  espiritualidad drogas, mente abierta, pero lo más importante es sin duda la actitud de oponerse a lo establecido e ir en contra la corriente por una buena causa.

Una banda que protagonizó este fenómeno cultural en la Suecia de finales de los 60s y principio de los 70s fue ‘Hangjort’, formada más específicamente en 1970. El grupo consistía en cuatro amigos, Gregory Allan Fitzpatrick, Guy Öhrström, Stig Arne Karlsson y Theo Greyerz, cada uno con su propia experiencia musical  y en viajes con mochila por el mundo, juntos  lograron entonces formular una propuesta única que iba desde los ragas indios hasta el folk tradicional sueco y escocés con letras en inglés pero con una impronta y mensaje más moderno o rockero por así decirlo.


Hangjort en sueco significa “hecho a mano”, el nombre no puede ir más acorde a éste cuarteto que únicamente tocaba instrumentos acústicos sin amplificar, además de que producían las portadas de sus propios discos, que impresionantemente cada una de ellas es diferente. La portada original consistía en un sobre blanco con un dibujo o pintura hecha por los mismos músicos o por gente cercana a ellos, o simplemente personas que pasaban por ahí y les invitaban a hacer una tapa totalmente distinta una de otra, los estilos van desde pequeñas obras psicodélicas muy abstractas de varios colores a dibujos con lapicera con mensajes y ¡hasta collages de tela hicieron!

Si bien el grupo estaba de entrada bastante desorganizado y sus presentaciones en vivo eran pocas y de muy bajo perfil, lograron adentrarse en un pequeño estudio de grabación siendo entonces de las primeras bandas autogestionadas, estas sesiones que luego conformaron su único disco también dieron el nacimiento al sello ‘Silence ’que más adelante se convirtió en el principal referente de bandas alternativas en Suecia.
                               algunos ejemplos de tapas, recuerda que la naturaleza te ama!

La banda abordaba varios conceptos que fueron muy importantes para la música sueca a posteriori, logrando crear un estilo de música progresiva con influencias folclóricas provenientes de distintas culturas y con un mensaje espiritual pacifista y reflexivo; ante la reacción de los estándares de la cultura producida en masa fueron de los primeros en enfrentarse a las reglas convencionales del negocio musical.

De esta forma el grupo de artistas se relacionó con música enteramente con un fin creativo, explorativo, experimental, para fomentar el arte y la libre circulación de la música, siempre  lejos de las compañías con sus designios virtualmente opuestos a este movimiento. A pesar de que la agrupación duró solo algunos meses, varios de los músicos continuaron dentro del ambiente y ayudaron a conformar otros proyectos con distintas orientaciones.

Y ahora sí Colorín Colorado!
Cod: #1232



1 jun. 2016

The Ceyleib People - Tanyet (1967)

Esta extraña formación norteamericana surge en Los Ángeles, California,  como un fugaz grupo de sesión, con el típico sonido psicodélico del pleno 1967, blues psicodélico con sus búsquedas sonoras dirigidas hacia las típicas influencias orientales de la época y los freak outs.

En 1967 lanzan un extraño aunque típico artefacto de psicodelia norteamericana, compuesto por solo dos piezas, de alrededor de 10 min. cada una. ‘Tanyet’ en su totalidad es algo corto y escueto, en él se van volcando los instrumento y van moldeando el sonido psicodélico, el cual van transitando por distintos pasajes y estados de ánimo, aunque no se trata de una simple improvisación ya que las piezas se van formando con la interposición de distintas grabaciones que se van intercalando y sobreponiendo las unas con las otras consecutivamente.

El sonido consta de tres elementos primordiales y que, a priori, poco tienen que ver entre sí: el blues, la música indú y la música clásica. Sí, estos tres elementos se combinan, más específicamente por la aparición de arreglos de blues, sumado a la aparición de sitares, más la aparición, por momentos, de instrumentos de cuerda, como violines, que dejan melodías clásicas; de esta inescrupulosa mescla de estilos surge un sonido inesperado e inclasificable, por momentos extraño, que evidentemente no encontraremos en muchos otros lugares, y que no se puede encasillar a menos que digamos que se trate de… psicodelia experimental, o alguna especie de fusión.


A lo largo de los años el trabajo ha recobrado algo de notoriedad ya que en él participaron algunos músicos de renombre, en realidad el grupo propiamente dicho estaba integrado por Lybuk Hyd en guitarra y sitar, Michael Sean Deasy en voz y batería, Joseph Osborn en bajo y Larry Knechtel en teclados y bajo, pero a ellos se le sumaron el famoso músico Ry Cooder en guitarra, sumado al músico y productor Mike Deasy también en guitarra.

De la grabación también participaron otros músicos entre guitarristas, percusionistas y sitaristas, estos agregados le proveyeron al sonido de un cuerpo para poder adentrarse de mejor manera a los sonidos orientales y los distintos agregados étnicos que cuenta el sonido.

El grupo evidentemente tuvo una corta vida pero a la vez sirvió como base de donde salieron varios músicos hacia otros proyectos mayores, Osborne seria miembro de The Dillards y más tarde músico de sesión para Simon y Garfunkel, entre otros; Knechtel fue miembro de la banda ‘Bread’ y también fue músico para Dave Mason, Lee Michaels, Art Garfunkel y Neil Diamond, The Doors, entre otros. Y por supuesto Ry Cooder siguió su carrera como músico, además de Mike Deasy que también tuvo una gran carrera como músico de sesión, solista y productor.

Cod: #1231
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