21 dic. 2014

The Beat Of The Earth - The Beat Of The Earth (1967)

Este particular proyecto nace allá por finales de los años 60s, en California, EEUU, de la mano de Phil Pearlman, un músico que para esa época era un joven  de secundaria, pero se convertiría de una figura fundamental de la psicodelia underground de California, músico emblemático de la misma talla que Joseph Byrd. Para finales de 1966 y principios de 1967 conoce a Karen Darby, otra futuro miembro de la banda. Juntos comienzan el proyecto, casi sin saberlo. 

Phil estaba creando su propio estilo de música experimental basado en sesiones libres de guitarra eléctrica, y lo estaba volcando para un proyecto de arte para una clase en la universidad, esto lo llevó a armar una banda, la cual estuvo finalmente compuesta por Phil Pearlman, Karen Darby, Ron Collins, J.R. Nichols, Phil Phillips, Sherry Phillips, siendo todos músicos provenientes de distintas padres de EEUU.

Comenzaron a desarrollar su concepto de música libre, al cual lo presentaron en algunos bares, basado en el rock psicodélico de la época. Comenzaron a grabar el álbum en el verano de 1967, financiado por el mismo Phil Pearlman.

 ‘The Beat Of The Earth’ es un trabajo de culto, psicodelia oscura y experimental, se compone de una sola pista por lado, una sesión improvisada a cada lado del lp, dos largos atascos improvisados, lo cual era algo inusual para la época. Un sonido al más puro estilo psicodélico de la época, rhythm and blues psicodélico, con sus típicos yeites del rock hippie, sesiones al más puro estilo ‘acid test’, desbocadas, como un especie de ‘The Doors’ pero un poco más soft y volado, y un sonido underground que recuerda justamente a la ‘Velvet Underground’.


Las dos sesiones son casi de la misma naturaleza, rock psicodélico muy volátil creado a base de teclados eléctricos y distintos agregados en guitarras y percusión, que van vertiendo la improvisación. El sonido va transitando y mutando sobre bases dentro de una gama rock,  una complejidad que se encuentra en la intencionalidad que le vierten al sonido; los estados varían constantemente, como canciones psicodélicas que fluye sin estructuras.

Dicho primer trabajo es la primer encarnación de la banda, el sonido primario de un músico (Phil Pearlman) que tendría más por hacer, ya que luego de dicho primer lanzamiento seguiría con dos álbumes mas, los cuales también quedarían como de culto para los amantes de la psicodelia, en especial de la underground.


‘’The Beat of the Earth’’ se terminarían separando en 1969, y Phil Pearlman formaría mas tarde a otro proyecto llamado ‘The Electronic Hole’,  banda con la cual lanzaria, en 1970, otro trabajo psicodélico experimental, no tan improvisado como el anterior, sino más bien avocado a la elaboración. Mas tarde, para 1976, lanzaría su tercer trabajo de distinción, ‘Relatively Clean Rivers’, disco mas abocado hacia sonidos folk, lanzado a mitad de los 70s pero aun conservando el sonido de 1969.

Cod: #1097

14 dic. 2014

Atomic Rooster - Atomic Rooster (1970)

‘Atomic Rooster’ es un clásico del rock de los 70s, y si no es así debería serlo, ya que nos ha dejado un buen consorcio de grandes temas, de buena potencia y buenos arreglos, una historia bien nutrida, y un hard rock progresivo que ha sabido conquistar oídos en su época, y los sigue conquistando hoy en día.

La historia del grupo comienza en allá por 1969, como un típico power trio de la época, formación integrada por el teclista y principal compositor Vincent Crane (fallecido en 1989), ex componente de The Crazy World of Arthur Brown, el cantante y bajista Nick Graham y el batería Carl Palmer, quien había conocido a Crane tras participar en una gira americana con los Crazy World.

Luego de asegurarse un lugar en los clubes londinenses y de haber hecho una buena fama con su particular sonido, la banda entra en estudio a grabar su primer disco, el homónimo ‘Atomic Rooster’, lanzado en 1970. Un primer disco con un sonido un tanto atípico para lo que lanzarían más adelante, un poco por causa de la formación que componía la banda en ese entonces. Atomic Rooster ha sido una banda cambiante en cuanto a sus miembros, y esos cambios han sabido marcar las distintas etapas y sonidos por los que transcurrió el grupo, sin duda esta primera formación, un power trio, estableció el sonido primario del grupo, el cual más adelante crecería aun mas, alcanzando momentos más altos de elaboración y de fama.

El gran sonido de Atomic Rooster ya es bien conocido, alta contundencia y siempre grandes temas, siempre Vincent  a la cabeza de la creación y como alma de la banda, no es un tecladisco vistuoso estilo Emerson, pero siempre se ha mantenido fresco y cresativo, sus punzantes arreglos siempre presentes en el más puro sonido del grupo, con sus aplastantes y salvajes solos de teclado y esa dinámica tan atemporal y propia de él, que se acopla de maravilla a las magníficas sesiones de bajo y batería, de gran nivel aportadas por Palmer y Graham, la base percusia, siempre está en un tempo particular y contantemente cambiante, en plena sincronía con los teclados.



Teclado y batería forman la base principal de todos los temas del disco, (ademas del bajo, por supuesto) el resto del espacio es rellenado por algunos arreglos en trompetas o instrumentos de viento, algunos pasajes con flauta y algún otro solo, al vacío, de batería.

Los temas no son excesivamente complejos pero son muy satisfactorios, el sonido que alcanza la banda lo llega a sonidos míticos pero sin duda se trata de un disco (y los siguientes que lanzarían) de culto, de gran nivel y con una sonoridad autentica y muy propia de la banda, ofrecen una mezcla única de influencias que combinan jazz-funk, con hard rock, góspel y arreglos progresivos.

Luego de lanzar su primer disco, Graham abandonó la banda para unirse a Skin Alley, al igual que Carl Palmer que se iría a Emerson, Lake & Palmer. Sus reemplazos fueron el guitarrista y cantante John Cann y el batería Paul Hammond, con estos miembro la banda alcanzaría momentos de mayor fama, otro buen momento de la banda seria también la etapa en la que la voz pasaría al mando de Chris Farlowe, aunque por otro lado creo que el sonido jamás volvió a tener tanta presencia percusiva como en los primeros años, en los que Karl Palmer ocupo el lugar de la batería.

Durante el transcurso de su carrera, Atomic Rooster editó 7 álbumes de larga duración, aunque la época dorada del grupo tuvo lugar a principios de los años 70: sus últimos y ya tardíos trabajos Atomic Rooster (1980), o Headline News (1983) pasaron desapercibidos.

Cod: #1185

7 dic. 2014

Bobby Callender - Rainbow (1968)

Robert Callender, mejor conocido como Bobby Callender, fue un artista afroamericano bastante enigmático del cual no hay mucha información, se sabe que era poeta, letrista, compositor y cantante, proveniente de Boston, EEUU. 

Fue una figura bastante enigmática y mística de la psicodelia de finales de los 60s, un músico con una marcada influencia espiritual, una búsqueda que lo llevaría a relacionarse muy íntimamente con la cultura hindú, búsqueda espiritual que se reflejaría en su música y en los conceptos que exploraría, conceptualmente su universo musical ofrece toda la originalidad propia de su libertad artística. Los dos primeros discos que lanzó tienen esta marcada característica de conceptualidad en lo que a los estilos y motivos respecta.

‘Rainbow’, lanzado en 1968, es el primer álbum que lanza Callender, un trabajo grandilocuente que nace de la mano propia de Callender quien es el mayor arreglista del proyecto, además de aportar las letras poéticas, el concepto de lo temas y su voz, en cada una de las piezas, moldeadas a su imagen. Para llevar a cabo su música contó con el apoyo de una cantidad innumerable de músicos, entre los que había, un pianista, dos músicos con formación en música hindú, tres bajistas, dos guitarristas, dos bateristas, y otra buena cantidad de musicos divididos en otros instrumentos como chellos, trompetas, oboe, etc, además de los violines que se agregan en algunos pasajes de algunos temas, especialmente en el tema ‘Autumn’’.

Una autentica orquesta encargada de dar forma a un proyecto psicodélico innovador y muy particular, ya que fusiona pop y folk con géneros del medio oriente, sonidos de sitares y melodías típicas, con toques también pastorales y sunshine pop, toques folk y arreglos sinfónicos de cuerdas, transita también por momentos por free jazz, rhythm & blues  y pop barroco, todo elaborado todo con una complejidad llamativa. También sabe manejar, por momentos, las intensidades de una manera muy particular, como haciendo mutar al sonido.


Normalmente me hubiera alejado de inmediato de este tipo de estilos, ya que no simpatizo demasiado ni con el pop ni el folk, pero estas fusiones tan particulares y experimentales supieron captarme de inmediato. Vale aclarar que, la portada del álbum está a la altura de las circunstancias…

El disco es un poco esquizofrénico, circunda en una atmósfera maníaca propia, en teoría las letras son bastante poéticas pero lamentablemente no las puedo apreciar del todo bien, por el idioma. La calidad de la fusión de estilos es genial, que suenen del todo bien siempre… no estoy del todo seguro, pero sin duda se trata de una pieza psicodélica exquisita y de gran nivel, fina, delicada y con un potencial lisérgico muy profundo, una psicodelia que en teoría insinúa un arcoíris (‘rainbow’, como el nombre del disco), pero que a la vez tiene una oscuridad propia.

Un trabajo de pop psicodélico muy volado, como el costado psicodélico de los Beatles, con esa marcada influencia hindú (en los Beatles, por parte de George) pero interpretada con una visión más poetica, muy psicodélico para ser pop, demasiado fusionado como para ser temas tan cortos. Un sonido desapresurado, despreocupado por el avance del tiempo, que se reconstruye contantemente, bastante lento y melódico en general. 

Todos los temas del disco son piezas de elaboración casi artesanal, por ejemplo, el tema ‘Symphonic pictures‘ es tan exquisito como complejo, transita por psicodelia, pasando por el rytmh & blues, para ir a sonidos con percusiones un tanto tribales, para luego pasar a arreglos sinfónicos de cuerdas y luego volver a un pop medio barroco, todo en un mismo tema, una visión demasiado adelantada para 1968…
El tema ‘Purple’, el cuarto tema del disco, que dura 11 minutos, otro tema que refleja la marcada tendencia hindú del sonido, corta un poco con la dinámica de los temas y ayuda a establecer definitivamente la mística o magia que posee el sonido hacia una marcada dirección hacia sonidos hindúes. La calidad de la fusión de géneros es llamativa, siendo que el disco no alcanzó a llegar ni a un mote de ‘’clásico olvidado’’, o algo por el estilo, entre los amantes de estos género, por lo que concluyo que es una auténtica joya psicodélica olvidada.

Luego del lanzamiento de dicho primer disco, lo seguiría su segundo disco, llamado ‘The Way (First Book Of Experiences) ‘, en el que teóricamente también explora una fusión de géneros muy variada, completando así dos trabajo, de su autoría, de gran nivel. He encontrado por ahí otro disco llamado ‘le musee de l'impressionnisme’ también bajo el mismo nombre, pero no tengo idea si se tratara del mismo artista. 

Más que eso no se sobre el artista, ni tengo idea donde estará en este momento, si es que sigue vivo, así que voy a cerrar esta reseña con un escrito que el mismo Callender puso en la contraportada de su primer disco: "Mi arco iris de colores refleja el pasado y el presente. Cada cambio ha sido indicado por el espectro de mi vida y sólo él sabe los colores ocultos de mi futuro"

Cod: #1131

3 dic. 2014

Embryo - Rache (1971)

Segundo disco de la gran banda ‘Embryo’, una banda que es sinónimo del krautrock mismo. Los orígenes del grupo tienen lugar en Alemania, surgiendo en medio de una movida musical importante, que daría lugar al nacimiento de muchas agrupaciones emblemáticas.

La banda fue fundada en 1969 por el multiinstrumentista Christian Burchard (batería, vibráfono, santur, teclados) y Edgar Hoffmann (saxo, flautas). La agrupación se ha caracterizado por el innumerable numero de musicos que han pasado por sus filas, alrededor de  400. Algunos, como Charlie Mariano, Trilok Gurtu, Ramesh Shotham, Marty Cook, Yuri Parfenov, Alan Praskin, X.Nie,Nick McCarthy y Mal Waldron, lo han hecho en numerosas ocasiones. Miembros habituales del grupo han sido Edgar Hoffmann (saxo, flautas, violín), Dieter Serfas (batería), Roman Bunka (guitarra, laúd árabe), Uwe Müllrich (bajo), Michael Wehmeyer (teclado), Chris Karrer (guitarra, violín, saxo), Lothar Stahl (marimba, batería) y Jens Polheide (bajo, flauta).

En 1970 tiene su debut, con su primer álbum, un trabajo mas bien reservado pero muy interesante para explorar los sonidos primarios de la banda. En 1971 lanzan ‘Rache’, su segundo álbum, el cual a pesar de ser lanzado solo un año después de su disco debut, la banda demuestra una clara evolución y desarrollo en su sonido y en las fusiones que circundan. A excepción del baterista y un saxofonista, a alineación de la banda cambiar rotundamente para este segundo álbum, y por ende la instrumentacion también, en este segundo álbum no hay guitarras y el saxo aparece muy esporádicamente, en cambio, las flautas y los teclados (sintetizadores y mellotron) se han hecho cargo y participan en una batalla por el espacio contra la batería y el bajo

‘Rache’ es un trabajo de krautrock con un intenso toque hard rock, a puro sintetizador. ‘Embryo’ es una de las facciones más rockeras dentro del krautrock, y este disco es una muestra de ello, un krautrock con mucha sesión improvisada, muchos pasajes instrumentales en temas hard rock bien dinámicos y contundentes. Los sintetizadores juegan un rol principal en el sonido y aportan otro de los factores llamativos y atractivos del disco, los buenos solos en sintetizador desparramados por todos lados.


También se trata de uno de los ejemplos tempranos de fusiones con lo denominado como ‘world music’, ósea géneros y estilos tomados de distintas influencias étnicas. El juego de batería se destaca también, y suman además percusión alternativa con bongos, talvez sea por eso y por algún otro factor en las melodías que hace que el sonido se acerque, seguramente de forma inconsciente, hacia aires de rock latino. También se acercan un poco al flamenco, especialmente en el tema ‘Spain Yes, Franco Finished’, un tema claramente político, que intenta reflejar el estado y el sufrimiento causado por el dictador Franco en España, con su sonoridad y escalas tan particulares y cercanas al flamenco. 

Los temas afortunadamente son variados y en su mayoría bastante extensos, un promedio de 6 o 7 minutos cada uno,  para temas que están plagados de sesiones instrumentales improvisadas. Las últimas tres pistas se recrudecen aun más, hacia caminos kraut más intensos y cerrados, más atemporales, momento en el cual la banda alcanza el punto más profundo en su sonido, a fuerza de una fusión muy inusual entre percusiones atípicas (volviendo un poco a las reminiscencias con el latin rock),  mescladas con un contrabajo y una guitarra eléctrica que va tirando sus yeites jazzeros.

Embryo es considerada como una de las bandas más importantes del jazz-rock aleman durante la década de 1970, durante estos años no han parado de lanzar disco, en los cuales explorar una innumerable cantidad de sonidos. No han dejado de tocar durante los últimos 40 años, han lanzado discos durante las décadas de los 70s y 80s,  y desde mediados de los 90 en adelante, con Christian Burchard siempre a cargo y un siempre cambiante elenco internacional de músicos incluyendo talentos del norte de África, India, China, etc., así como de vez en cuando con los mejores nombres del jazz como Mal Waldron y Charlie Mariano y luminarias de la escena krautrock.

En julio del 2008, Embryo recibió el Premio Alemán de la Música del Mundo RUTH 2008 durante el TFF.Rudolstadt Festival, un certamen de músicas tradicionales, de raíz y mundial que se celebra todos los años en julio en esa ciudad de Turingia.

Cod: #1181
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...