30 ago. 2014

Virus - Revelation (1971)

Analicé este disco antes de subirlo, si valía la pena o no, aunque más allá de su sonido, me resultó relativamente difícil hallarlo en formato flac, y como veo que no está en casi ningún lado, lo comparto sin más remedio,  por el solo placer de compartir cosas que no están casi en ningún lado. 

No mucha información he encontrado sobre ‘’Virus’’, se trata de una banda psicodélica Alemana, nacida en 1970, en la ciudad de Bielefeld, la cual tuvo una corta carrera desarrollada alrededor de entre principio de los 70s. Lanzaron dos únicos álbumes el mismo año, y al parecer se trató de una experiencia musical esporádica, creada en el momento pero con poca repercusión, por lo que no duraron mucho tiempo juntos.

"Revelation" es su primer trabajo, de 1971, grabado en Star Studios, Hamburgo y producido por Konrad Plank. La alineación de la banda para este primer álbum es: Werner Monka (guitarra), Jorg-Dieter Krahe (órgano), Bernd "Molle" Hohmann (voz, flauta), Reinhold Spiegelfeld (bajo) y Wolfgang Rieke (batería). Se trata de un trabajo de rock psicodélico un tanto pesado, con texturas progresivas, pasajes espaciales, presentado todo en un claro sonido krautrock. Su música incorpora distintos elementos los cuales se hayan incluidos dentro de los largos atascos que componen el disco. Tres de las cinco piezas del disco duran alrededor de 10 min., tiempo suficiente para que la banda despliegue sus potencialidades, piezas en gran parte duras, con un rock heavy en guitarras y bases potentes. 

Dejan bien en claro que influencias tenían, marcan bien un sonido que se acerca por momentos a Deep Purple, especialmente por los teclados, también resaltan algún pasaje muy a lo Pink Floyd, con efectos de sonido tipo  "Set the Controls for the Heart of the Sun" y/o partes bien rockeras con melodías en guitarra. Por otra parte interpretan, en medio del primer atasco, el tema ‘’Paint in black’’ de los rolings. Tanto acercamiento hacia sonidos ajenos, hace que no sean tan tomados en serio por quien los pueda escuchar, pero lo cierto es que tienen su personalidad y, por ejemplo, logran sonidos floydeanos muy buenos como para tratarse de una banda totalmente desconocida.


Por otro lado también es destacable la estructura del disco, con varios temas de sesión, largos, repletos de atascos, una parte solo del bajo, pasajes psicodélicos muy agradables y medio oscuros, por un momento también se escuchan efectos de sonido, talvez si se hubiesen animado a mas, hubiesen podido hacer algo netamente experimental, propio y más jugado aun, como lo que hicieron los suizos de ‘’McChurch Soundroom’’ en su disco de 1971, pero aun así, por supuesto que vale la pena destacarlos. 

Es un álbum underground difícil de describir, de gran inventiva, oscuro, misterioso e impredecible, que contiene muchas sorpresas a lo largo de las diferentes pistas. Los temas demuestran una gran musicalidad, mucho juego de guitarra y órganos para armar las sesiones psicodélicas que se desarrollan con gran nivel y potencia, con cierto acercamiento a sonidos de bandas como ‘’Guru Guru’’ o ‘’Gila’’.

Para el segundo disco, la formación de la banda cambia, al igual que el sonido, abandonaron su pistas largas y psicodélicas he hicieron algo más convencional dentro de lo que es el blues rock. Poco se sabe de la banda en cuestión, después del lanzamiento de sus únicos dos discos. Tres de los músicos de Virus Participaron de la grabación del disco ‘’Weed, de 1971, junto a Ken Hensley, miembro de Uriah Heep. En 2004 fue lanzado en cd bajo el nombre de ‘’Remember’’, con un show en vivo que dieron en 1973.

Cod: #1126

27 ago. 2014

John Tropea - Tropea (1975)

John Tropea, nacido el 07 de enero de 1946, en Nueva York, es un guitarrista con una amplia experiencia en los géneros de rock, pop, jazz y funk. Es uno de los guitarristas más admirados y respetados de su generación, ha trabajo con un sinfín de grandes artistas alrededor del mundo y ha dejado grandes contribuciones con sus discos, en los que explora y experimenta dentro del ámbito del funk.

Tropea comenzó los estudios de guitarra a los 12 años. Su educación musical continuó en el Berklee College of Music en Boston, donde estudió guitarra de jazz, armonía, composición musical y arreglos orquestales. Comienza a dar sus primeros pasos en bandas de rytmh y jazz, y absorbe influencias de jjazeros como Wes Montgomery, Johnny Smith, Luiz Bonfá , Pat Martino y George Benson, como también Jack McDuff y Jimmy Smith, entre otros.

Después de pasar por Berklee, se muda a Nueva York en 1967, donde se convierte rápidamente en uno de los más solicitados músicos de sesión.  Pronto se comenzaría a codear con músicos distinguidos de la escena jazz/funk, participando como invitado en varios discos, incluyendo una gira y participación en dos discos, con Eumir Deodato, músico, productor y compositor brasileño.

Tras haber absorbido influencia en ese ámbito de jazz, funk y movimientos experimentales de la escena de la época, Tropea pone a prueba su talento y experiencia y lanza su primer disco en solitario, el homónimo "Tropea", lanzado en 1975. El trabajo contiene un interesante consorcio de estilos, que parte esencialmente desde el funk hacia mezclas con otros géneros como pop, jazz, bossa y rythm, en una fusión excelenteme lograda.


Siempre dentro de bases y tempos funk, las fusiones son suaves y hasta con toques disco, en un estilo con mucho Groove, riqueza en la percusión y muchos ingredientes. Para la grabación del disco Tropea contó con una gran cantidad de personal a su disposición, entre los que se distinguían varios músicos de viento, entre flautas, trompetas y saxos, y otros músicos de cuerda, pero los arreglos en su mayoría son del guitarrista, un auténtico trabajo de pura manufactura, donde Tropea despliega sus conocimientos orquestales y dirige cada uno de los pasajes. 

El funk se acerca principalmente al jazz, y es en esa juego de estilo donde el sonido alcanza su mejor nivel, con grandes melodías, muy dinámicas, exelentes arreglos de Tropea en guitarra y excursiones exquisitas de los teclados, acercándose a sonidos jazz funk elaborados por gente como Herbie Hancock. 

Al primer disco lo siguió, "Short Trip To Space" del 77 y "To Touch You Again" del 79. Con estos primeros trabajos logro afianzarse más y su nombre alcanzo lugares de elite entre los músicos experimentales y vanguardistas de la escena fusión. 

Desde entonces Tropea, a lo largo de los 70s y parte de los 80s, ha lanzado algunos discos más como solista y ha participado de otros discos como invitado, también ha escrito y arreglado música para el cine y publicidad. En la década del 2000, lanzo 4 discos y formo su propio proyecto musical (del cual desconozco el nombre porque no hay mucha info sobre eso), desde entonces y hasta el momento ha participado en festivales y eventos especialmente de jazz. No hay mucha info oficial, ni en su pagina, de que concretamente estè haciendo ahora, por el momento los deja con este interesante álbum de funk fusión, para los amantes del funk y rythm.

Cod: #1191

22 ago. 2014

Elephant9 - Dodovoodoo (2008)

Elephant9 es una banda noruega, un trio nacido en el 2006, en Oslo, de rock progresivo, neo-psicodelia y jazz rock. Inicialmente se hacían llamar ‘Storløkken / Eilertsen / Lofthus’. Nombres correspondientes a los miembros de la banda, Ståle Storløkken ( teclado ), Nikolai Eilertsen ( contrabajo ) y Torstein Lofthus, pero cambiaron el nombre a Elephant9 después del primer año juntos.

El trío lanzó su álbum debut ‘’Dodovoodoo’’ en 2008, grabado en vivo en cinta analógica en los ‘’Grand Sport Studio’’, en Oslo, en Noviembre de 2007. Se trata de un free jazz psicodélico, ejecutado con mucho ímpetu y mezclado con funk rock y con varios arreglos progresivos muy interesantes, todo desarrollándose en una atmosfera instrumental neta de desborde e improvisación, un envase libre y casi sin estructuras… muy parecido a lo que hizo CHILLUM en su disco homónimo de 1971. Elephant9 no tan desbordado, pero si le saben imprimir a su sonido una rigurosidad alucinante. También se parecen al sonido que alcanzó Miles Davis a principios de los 70s, ese free jazz instrumental, netamente condimentado y único. Las piezas parecieran casi improvisadas, empiezan y terminan en un free jazz de alto nivel, lidera por teclado que son los que comandan las sesiones.


El sonido está al palo de principio a fin, la sesión rítmica es consistente aun en los pasajes improvisados y extraños, lo que le da el toque contemporáneo, a un sonido que a la vez tiene mucho de los 60s y 70s… en especial por la implementación de órganos hammond y sintetizadores, por parte de Ståle Storløkken. Comienza con un alto ritmo y el tempo casi nunca se relaja en todo el álbum, con la excepción de "Hymne", una pieza lenta y solemne interpretada en órgano, pero eso es sólo una desaceleración muy temporal, para que la maquinaría retome toda velocidad en el resto de las pistas. 

Musicalmente hacen ciertas referencias a Weather Report, Medeski, Martin and Wood, y Miles Davis, pero son sólo superficiales, esta banda no está copiando o tocando covers, lo que ellos crean es muy original y lleno de energía, crean su propio jazz progresivo, con improvisaciones, potencia y muchos sonidos psicodélicos. A pesar de la naturaleza cooperativa y democrática de Elephant9, es Storløkken quién es la estrella más clara. Considerado durante mucho tiempo uno de los más grandes tecladistas de improvisación de Noruega junto a Bugge Wesseltoft, interviene y dirige en el disco, como el instrumento principal del trio, y lo hace de una manera formidable…

Más tarde seguirían con los discos Walk the Nile, en 2010, disco que fue galardonado con el premio Spellemannprisen 2010, y se ha hehco que la banda ganara su lugar de honor dentro del jazz y el rock de todo el mundo. En su tercer álbum de estudio de ‘’Atlantis’’ , lanzado en 2012, contaron además con el apoyo del veterano guitarrista Reine Fiske, y fue acompañado por una serie de conciertos en el Festival de Jazz de Kongsberg , y en otros festivales de Noruega como "Union Scene"[ y "Victoria, Najonal Jazzscene".

Cod: #1145

14 ago. 2014

Gal Costa & Caetano Veloso – Domingo (1967)

‘’Gal Costa’’, nacida el 26 de septiembre de 1945, en Salvador de Bahía, Brasil, bajo el nombre de Maria da Graça Costa Penna Burgos, y ‘’Caetano Veloso’’, nacido el 7 de agosto de 1942, en Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil) bajo el nombre Caetano Emanuel Viana Teles Veloso, son dos pilares de la bossa y  la música popular típica brasilera. Ellos se conocían desde muy jóvenes, tenían una fuerte amistad, ya antigua para el año de lanzamiento de su primer disco en conjunto, y comenzaron su carrera a la par. Se conocieron en Rio de Janeiro, donde entablarían una fuerte amistad y comenzarían a desarrollar proyectos en común.

‘’Domingo’’ es el album debut, y primer trabajo en concreto, de Caetano Veloso y Gal Costa, lanzado en 1967 por Philips Records, y producido por Dori Caymmi y patrocinado por Maria Bethania, hermana de Caetano. Este formidable dúo, lanzaría el disco en conjunto, aportando ambos sus voces, las cuales serían en el centro del trabajo.

A pesar de mostrar poca innovación, el disco se convirtió en un registro histórico de la música popular brasileña. Es un trabajo de bossa nova puro, fino y simple, de piezas de bossa y sambas típicas brasileras, muy agradables al oído, y muy interesantes como para introducirse al género de la bossa nova. La canción de apertura del disco es ‘’Coração Vagabundo’’, es un hermoso tema que sigue siendo muy famoso en Brasil, también destacan los temas "Avarandado," y "Domingo".


Con la excepción de tres canciones, el resto de los 12 temas fueron compuestos por Veloso, quien ya comenzaba a mostrar sus capacidades en la composición, desplegando una serie de temas muy delicados, tantos en la lírica, en la poética y en las hermosas armonías en las estructuras de los temas. El sonido del disco está esencialmente influido por el estilo de João Gilberto, siendo sólo Bossa Nova lo que se escucha, pura y clásica, con una percusión repetitiva y ritmos que no varían demasiado. Se escuchan algunas tibias variaciones, con implementaciones de arreglos de viento (flautas) y arreglos orquestales con violines y otras cuerdas. 

El disco es una buena forma de conocer las raíces de la tropicalita, por que muestra el estilo clásico por el cual transitaban estos dos músicos que participarían de la movida psicodélica brasilera, y por contener algunos elementos que luego explotarían en discos más ácidos y experimental, como los arreglos orquestales. ‘’Domingo’’ fue grabado justo antes que se generara la explosión de tropicalia, siendo más suave que los álbumes lanzados en solitario de ambos artistas un año después, de hecho seria el mismo Caetano Veloso quien daría pie al nacimiento de la tropicalia con su disco homónimo ‘’Caetano Veloso’’, de 1968.

La carrera de ambos seguiría y sería muy extensa, extendiéndose hasta el día de hoy y pasando por gran cantidad de fusiones, siempre dentro de los ritmos brasileros. Los siguientes discos que lanzarían luego de este debut, formarían parte principal de la tropicalita, ósea la fusión de la emergente movida psicodélica con los ritmos típicos brasileros, seguramente estaré subiendo algo de eso mas adelante, no puede faltar en una colección psicodélica.

12 ago. 2014

The Unfolding - How To Blow Your Mind And Have A Freak Out Party (1967)

No se conoce mucha información sobre esta banda, parece que se trata de un grupo de estudio montado por el sello ‘’Audio Fidelity’’ en Nueva York en, 1967. ‘’The Unfolding’’ fue un proyecto perdido, típico de la psicodelia de la época, plagado de elementos explorativos creados en torno a una extroversión sonora típica y con un aura explorativa experimental. El grupo supuestamente estaba formado por David Dalton en voz. Gary en batería, Steve Kapovitch aportò la voz para la narración en algunas partes, Ken en bajo, Peter en guitarra, Adrea Ross en voz y Victoria Sackville en voz.

‘’How to Blow Your Mind and Have a Freakout Party’’ es una interésate reliquia perdida de la época, garaje rock, acido, psicodélico y con toques beat, que flota en su propio aura bien sesentera, de psicodelia caótica espiritual y solos eléctricos ácidos, típica de un movimiento psicodélico que revoluciono la concepción de la música. 

El disco fue lanzado en 1967, en pleno flower power, y a la par de otros trabajos, relativamente similares y también experimentales, que salieron ese mismo año, como el mítico ‘’The United States Of America’’, aunque ‘’The Unfolding’’ no era tan académico ni profesional, sino mas bien parece un trabajo algo casual, desarrollado en poco tiempo; por un lado mas ‘’religioso’’, con una búsqueda espiritual típica de la época psicodélica, influenciada por corrientes orientales, como conocimientos esotéricos y religiones hindúes, meditaciones, cantos religiosos, etc. 


La segunda mitad del disco es mas experimental y es donde se escuchan elementos como sitares, percusiones típicas orientales, efectos de sonido, collages de grabaciones, y además, tal vez fluenciados por la corriente explorativa lisergica impulsada por Timothy Leary y ese movimiento de los ‘’acid tests’’, implementan recitados de textos y collage de voces, muy parecido a los álbumes lanzados por Leary.

Si hubiesen contado con más tiempo para elaborar un proyecto, hubiesen hecho algo más elaborado y/o llamativo, no es un disco específicamente brillante pero cuenta con una experimentación exquisita y alcanza todos aquellos requisitos que busco en la psicodelia experimental. 

Un álbum claramente infravalorado, que le gustará a quienes gusten de la colisión entre el sonido del summer of love, el flower power, la psicodelia experimental, y a todos aquellos que disfruten del sonido de los discos de delirios psych tipo The Love Machine, The Deep, The United States Of America/Joe Byrd And The Field Hippies, Friendsound, Bill Plummer, Mesmerising Eye, The Id, Timothy Leary,etc.

Cod: #1092

10 ago. 2014

Moving Gelatine Plates - Moving Gelatine Plates (1971)

‘’Moving Gelatine Plates’’ fue una de las mejores bandas francesas de rock progresivo de la época. Originalmente formada alrededor del 68/69 por Gérard Bertram (guitarrista) y Didier Thibault (bajista y líder de la banda). Estos, en realidad, se conocían desde más chicos, fue alrededor de 1965 cuando formaron un dueto que interpretaba música de The BEATLES yThe ROLLING STONES, al tiempo que componían sus propios temas. 

En 1968 conocieron al baterista Michel COULON, y esto fue la chispa que desencadenó la evolución de la música del grupo. Cuando COULON se ve obligado a abandonar la banda por motivos familiares, entra al quite Gérard PONS, y también se añade a un cuarto integrante, Maurice HELMLINGER, en flauta y órgano. Al estar fuertemente influenciados por el jazz, la banda es considerada como parte del movimiento Canterbury, y es comparada con bandas como Soft Machine, Caravan o los holandeses Supersister.

La banda construyó rápidamente una reputación sólida entre críticos y fanáticos, por su música refinada y ecléctica, su música era claramente apolítica, llena de una sensación refrescante de humor bizarro y una irreverencia que les distingue de muchos de sus contemporáneos más melancólicos. Según Thibault, el nombre de la banda proviene de la novela Travels with Charley: In Search of America, por John Steinbeck, el cual simboliza su intención estética y experimental.

Su álbum debut fue finalmente lanzado bajo CBS en 1971, y recibió cierto reconocimiento por la crítica de la época. El homónimo ‘’Moving Gelatine Plates’’ es un trabajo superlativo y potencialmente brillante, una obra de jazz.rock progresivo altamente complejo, que suena como una mezcla entre parafernalias estilo Frank Zappa, con jazz rock estilo Canterbury y una dureza alocada al estilo Arthur Brown's Kingdom Come.

Uno de los grandes logros de la banda es lograr mantener una dinámica pese a la inclusión de tantos ingredientes, en un jazz rock poderoso, al que le suman arreglos progresivos, partes más tipos heavy psych bien rasposas, en una mezcla muy origianl y personal. No por nada consideraron a esta banda dentro del Canterbury, pero creo que aún lo supera a este genera, en elaboración y brillantez. 

Ofrecen temas netamente instrumentales, llenos de interrupciones en los ritmos, cambios dramáticos, pasando de jazz rock a psicodelia dura en un segundo, llenando de riffs duros, y volviendo al jazz, con inclusión de saxos, trompetas y flautas, sobreponiendo ritmos, combinando estilos, incluyendo efectos de sonido, un collage realmente sorprendente y altamente complejo. 


La desviación más evidente desde el enfoque de los Soft Machine, es la inclusión de guitarras acústicas y eléctricas de la mano talentosa de Gerard Bertram, cuyas contribuciones juegan un papel vital y de hecho en varios puntos salvan al sonido de la banda de la deriva y lo reconducen hacia el camino sonoro que tenía la banda en mente, del cual estoy seguro que era más que claro para ellos. Claramente carecen de todo rigor comercial, para abocarse pura y exclusivamente a la elaboración, extrovertida y sin tapujos, de los temas y a la búsqueda de cierta complejidad, que esta llevada a cabo con una maestría única.


Uno de los puntos del trabajo que podrían parecer en contra es que el sonido baja su rigurosidad a partir de la mitad del disco. Desde el comienzo, la frescura que mantienen es alta, atrapante y muy seductora, hasta llegar a ‘’Last Song’’, una pieza de 15 minutos, totalmente abrumadora y genial, creo que a partir de ahí, los temas decaen un poco en cuanto a su sonido atrapante, aunque aún así mantienen un gran nivel y una mezcla sonora típica de la banda. Pero eso no le quita casi ningún mérito a una banda que estaba demasiado adelantada a sus contemporáneos. 

La falta de una promoción adecuada del disco, combinada con la mala gestión, los llevó a una gira de poco éxito, sin embargo, volvieron a entrar al estudio ese mismo año para grabar su segundo álbum. Al final resultó que, "El Mundo de Genius Hans" se encuentra entre los mejores álbumes de rock progresivo francés jamás lanzado, pero los problemas de promoción que la banda había experimentado con el primer álbum continuaron a lo largo de la gira y la promoción de la segunda. La banda duró solo dos años junta, antes de su separación.

Los dos álbumes lanzados por Moving Gelatine Plates no pueden ser considerados menos que clásicos progresivos que plantearon estándares creativos para el sonido de la escena nacional francés, y que se encuentran entre los grandes trabajos progresivos ‘’ocultos’’ de todos los tiempos.

Cod: #1124

7 ago. 2014

Egg - Egg (1970)

‘’Egg’’ es una usualmente olvidada banda inglesa de rock progresivo, formada ya desde 1967 en el seno mismo de la psicodelia británica, bajo el nombre de ‘’Uriel’’. En un principio estaba integrada por el tecladista Dave Stewart, el vocalista y bajista Mont Campbell, el baterista Clive Brocks y el guitarrista Steve Hillage. Dicho guitarrista más tarde se marcharía de la formación, momento en el cual la banda se mantendría como trio, cambiando su nombre a Egg, ya que Uriel (nombre de un arcángel) les  sonaba como a "orinal".

La banda a menudo es considerada como parte de la escena Canterbury, no por prtenecer a la escena geografica de bandas cercanas a la ciudad de Canterbury (Egg era de Londres), sino por las similitudes en el sonido a bandas como Soft Machine, por ejemplo. Su música puede ser descrita como rock progresivo con elementos de la psicodelia y estructuras muy personales a base de diferentes influencias. 

A mediados de 1969 la banda firmó con el sello Deram, perteneciente a Decca, y lanzó su primer disco, titulado ‘’Egg’’, en marzo de 1970. Se trata de un álbum bastante amplio en su concepción, por sus andanadas progresivas, por su acercamiento al sonido de bandas de la escena Canterbury, por la influencia de la música clásica, y por sus momentos de música desconcertante o ‘’noise’’, donde el sonido se vuelca a costados extraños con algo de experimentación sonora. En vistas generales, de la combinación de dichos elementos surge el sonido del álbum debut de Egg.


El álbum, pese a que suele tildárselo de tal forma, no es tan progresivo como de antemano pudiera sospecharse, contiene algunos tracks extraños con ruidos y sonidos aleatorios, pero son más bien escuetos, no se adentran mucho en ellos. Lo que mas se destaca del álbum son algunas canciones, ubicadas en el original lado A. La faceta de ‘’canción’’ del disco está claramente influenciada por el sonido de de bandas de la escena Canterbury, estilo Soft Machine, con teclados hammonds y atonalidades peculiares típicas del estilo. 


Mont Campbell, principal compositor de la banda, reconoció la fuerte influencia de Igor Stravinsky, resultando en una segunda parte del álbum dedicada especialmente a una sinfonia. Esta parte consiste en en la  ''Symphony No. 2'', una ambisiosa estructura compuesta por varias partes, donde la banda se vuelca a la construccion de una extensa suite con partes instrumentales progresivas, y musica experimental.

En un principio parece como si estuvieras escuchando a The Nice, un sonido muy parecido, suites rápidas en teclado, con bajos relativamente simples. Los temas, aunque van tomando su decurso propio, con una elaboración más auténtica de la banda, aún mantiene cierto espíritu proto progresivo. El tipo de sonido, las melodías clásicas que entremezclan en sus piezas, la falta de una guitarra y/o por ende el rol que cumple el teclado hace recordar a dicha banda que lideró Keith Emerson, tal vez sea por una influencia directa que generaron en Egg.

En febrero de 1971 publican su segundo disco, titulado The Polite Force, con ayuda del productor Neil Slaven, considerado por muchos su mejor album, donde se aprecia una mejor produccion y perfeccion en su composicion. 

Tras su separacion en 1972, el trio decidio en 1974, aprovechando antiguo material grabado, reunirse en los estudios Saturn para realizar y autoproducir un nuevo album de caracter mas vanguardista y experimental que sus dos anteriores albums. Reformaron completamente la banda e invitaron para esta ocasion al mismisimo Steve Hillage (guitar y Wring out the ground), junto con Jeremy Baines (germophone and bonk[?]), Lindsay Cooper (oboe & bassoon on Nearch y Germ Patrol) Tim Hodgkinson (clarinete on Nearch y Germ Patrol), Amanda Parsons, Ann Rosenthal & Barbara Gaskin (coros y preludios) ambas pertenecientes al grupo Hatfield and the North, Mont Campbell (french horn), Maurice Cambridge (clarinete) y Stephen Solloway (flauta) y Chris Palmer (contrabajo) a los cuales se les puede escuchar en los solos instrumentales atomosfericos y en las composiciones arriesgadas y vanguardistas del "Nearch".

Cod: #1031
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