22 jul. 2014

Nova - Blink (1975)

‘’Nova’’ es una banda de jazz fusión italiana creada en Londres en mediados de la década de los 70s por ex-miembros de Cervello y Osanna, el guitarrista Corrado Rustici, guitarrista Danilo Rustici y saxofonista y flautista Elio D'Anna. 

En sus cortos tres años de carrera, la banda lanzó cuatro discos y experimentó constantes e innumerables cambios en su formación, la lista de músicos permanentes e invitados repartidos en sus cuatro discos es impresionante. La música de este grupo está bien orientada a los sonidos jazz, con una importancia notable en el saxo sobre todo, sin dejar de lado una gran interpretación en el bajo, una batería muy bien ejecutada, pocos cantos (en inglés) y un par de guitarras que más bien soportan, dan ritmo y acompañan lo demás, además de algún solo que deja por ahí.

La banda se forma bajo la tutela de Pete Townshend, el cual los impulsa y ayuda en el lanzamiento de su primer álbum, grabado en los ‘’Eel Pie Studios’’. ‘'Blink'’ seria su primer LP, no es tan pulido como los demás que lanzarían pero se lo reconoce como su mejor trabajo, y creo que es un clásico italiano perdido hace mucho tiempo, un álbum totalmente increíble lleno de complejidades técnicas asombrosas. Desde las primeras notas del disco dejan en claro cuál es su intención, una aplanadora del fusion, son los ‘’Divididos’’ del jazz rock (ajjaja), con participación vital de todos los instrumentos, que despliegan una performance que térmicamente es brillante.


El producto en general consta de atascos pesados, complejos y poderosos de jazz fusión, con largos pasajes de solos, suntuosos diálogos entre guitarras y saxo, y constantes arreglos y variaciones muy interesantes. A cualquier fan del jazz fusión, y especialmente de la Mahavishnu Orquesta, le podría gustar este disco, ya que de hecho están muy influenciados por dicha banda, en muchos pasajes elaboran arreglos muy parecidos, sonando casi similar a la Mahavishnu, por supuesto sin tanto virtuosismo, pero con una intensidad destacable y una complejidad única.

Y a diferencia de una gran corriente de bandas italianas de la época que se abocaban al progresivo, Nova adoptó un formato británico y elaboró un jazz rock fusión brillante y poderoso, similar a los que haría Mahavishnu Orchestra, o talvez Soft Machine, o algunos sonidos de Frank Zappa.

Tras el lanzamiento del álbum debut, algunos integrantes decidieron abandonar el grupo, quedando ‘’Nova’’ reducido a un trío compuesto por Corrado Rustici, D'Anna y el ex teclista de New Trolls Atomic System, Renato Rosset. En el mismo 1976 lanzan su segundo álbum de estudio ‘’Vimana’’.

Tras su segundo disco, el grupo se estableció en Inglaterra, para lanzar, en 1977, el disco Wings of Love. Para ese entonces ya se habían integrado al grupo Barry Johnson en el bajo y Ric Parnell en la batería. Con esta misma conformación en 1978 Nova se establece definitivamente en Estados Unidos. Ése mismo año lanza su último álbum de estudio, Sun City, que presenta un sonido pesado y resalta la maestría de Rustici en la guitarra. Ese mismo año, tras el lanzamiento de su ultimo disco, la banda se separa, retornando D'Anna a Italia y quedándose Rustici en los Estados Unidos.

Cod: #1218

18 jul. 2014

Fifty Foot Hose - Cauldron (1967)

En esta ocasión hablaremos de ‘’Fifty Foot Hose’’ y su historia, esta banda norteamericana se formó en San Francisco alrededor de 1967, fueron una de las primeras bandas en fusionar el rock y la música experimental, convinando sonidos contemporáneos de rock, al igual que harian bandas como The United States of America, los Silver Apples, The Red Krayola, White Noise, entre otros.

El grupo original constaba de tres miembros principales, el fundador y bajista Louis Marcheschi, el guitarrista David Blossom, y su esposa, la vocalista Nancy Blossom, mas tarde se sumarian Kim Kimsey (batería) y Larry Evans (guitarra).

Cork Marcheschi (nacido en 1945), fundador de la banda, creció en Burlingame, California . En su adolescencia tocò en varias bandas de rythm, en clubes alrededor de San Francisco y en Las Vegas, y en 1967 lanzò el single "Bad Trip", el cual se incluiría en el disco que lanzarían mas adelante.

Interesado y motivado por las ideas de los compositores experimentales como Edgard Varèse , John Cage , Terry Riley , y George Antheil , construyó su propio instrumento electrónico hecho a medida a partir de una combinación de elementos como theremines , fuzzboxes , un tubo de cartón, y un altavoz de un bombardero de la segunda guerra mundial.

La inclusión de David y Nancy sumò al grupo influencias psicodélicas y de jazz. En trio grabaron un demo que atrajo la atención de Limelight Records, una etiqueta subsidiada por Mercury Records. Una vez el quinteto estuvo formado, entraron a grabar y para finales del 67 lanzaron su primer álbum ‘’Cauldron’’.  Se trata de otro trabajo proveniente de la selecta vanguardia psicodélica de la época, con un sonido duro, pesado, un rock psicodélico que ya por si solo tiene un brillo propio, por la originalidad de las melodías y los arreglos, que vuelven muy agradables a la mayoría de los temas. 


Sumado a eso, el disco se trata como de una especie de experimento psicodélico electrónico en toda su extensión, con muchos efectos de sonidos desparramados por todos lados que unen a todos los temas bajo el mismo concepto.

Los puntillosos arreglos no se dejan de esperar desde el primer momento, la elaboración de los temas es casi artesanal ya que ellos mismos idearon los efectos de sonidos, desde el instrumento experimental que construyeron para usar en el disco hasta los distintos arreglos instrumentales y varios efectos de sonidos que componen a cada tema, como en un tipo de reconstrucción el rock psicodélico, que a su vez está mezclado con un poco de pop, rythm y algunos toques de jazz. Es un disco plagado de buenos temas, algunos mas ‘’simpatico’’ y alegres, otros más ácidos y con guitarras fuzz, pero siempre elaborados con un gran sentido de la composición y la melódica, y el mérito que acarrea haber combinado eso con una vanguardia electronica de pocos otros trabajos de la época.

El disco vendió pocas copias en el momento, aunque el grupo tenía un pequeño pero intenso grupo de seguidores en San Francisco, también estuvo de gira con otros artistas, como Blue Cheer , Chuck Berry y Fairport Convention. 

El grupo se disolvió a finales de 1969, cuando la mayoría de sus miembros se unieron a la comedia musical Hair , Nancy Blossom se dedico a trabajos de producción y mas tarde formaría parte del musical Godspell. Larry Evans regresó a su ciudad natal de Muncie, Indiana, donde formò varias bandas locales, hasta su muerte en 2008.

El trabajo de Fifty Foot Hose tuvo cierta repercusión en la década de los 90s, cuando bandas como Pere Ubu, Chrome o Throbbing Gristle los citaron como su influencia, esto hizo que los músicos de Fifty Foot decidieron rearmar el grupo, también aprovecharon el momento y reeditaron el disco en cd. En 1995, Marcheschi reformó el grupo para actuaciones en vivo en San Francisco, con un nuevo conjunto de músicos. Estas actuaciones dieron lugar a la publicación del álbum Live & Unreleased , que fue seguido en 1997 por un nuevo álbum de estudio, Sing Like Andamio.

Cod: #1117

14 jul. 2014

Joe Byrd And The Field Hippies - The American Metaphysical Circus (1969)

Aquí estoy siguiendo la historia que quedó un poco inconclusa en el post del disco de ‘’The United States of America’’. Dicho trabajo y proyecto fue liderado por Joseph Byrd, y sería el primero de los dos grandes trabajos que harian famoso al artista. Este mítico músico norteamericano,  nacido el 19 de diciembre de 1937, fue conocido especialmente por dos de sus sonidos innovadores, psicodélicos e experimentales, en los cuales incluyó muchos elementos vanguardistas y perfecciono la psicodelia misma.

Cuando era adolescente, Byrd tocò en una serie de bandas de pop y country, mientras concurría a la Universidad de Arizona, donde estudió composición con Barney Childs. Estudió un posgrado en composición en la Universidad de Stanford, al terminarlo y se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde enseguida congenio con gente como Charlotte Moorman , Yoko Ono , Jackson Mac Low, en unos experimentos artísticos vanguardistas.

Byrd también estudió con el legendario vanguardista compositor John Cage (y fue, según Byrd, su último alumno), mientras que Ono le ofreció su departamento a Byrd para la primera ejecución pública de sus composiciones. Él también trabajó como arreglista y productor de discos, y como asistente para el compositor y crítico musical Virgil Thomson. Fue en Nueva York en 1963 donde comenzó una relación con Dorothy Moskowitz, un recién graduado de la universidad de Barnard. Byrd regresó con Moskowitz a la costa oeste, donde se matriculó en la musicología en la universidad de California y estudió historia de la música, la acústica, la psicología de la música, y la música de la India. 

La autodeterminación de Byrd comenzó a tomar forma y fue en 1966 cuando comenzó con proyectos propios, como talleres de música y algunos primeros experimentos en la Costa Oeste, denominados como "arte de acción" o "arte conceptual". Estos intereses condujeron a Byrd a su salida de la universidad en el verano de 1966, para así dedicarse a crear su música a tiempo completo.


Como joven radical, músico, de izquierda, innovador, artista, estudioso y vanguardista, su espíritu no pudo contenerse más, y fue el momento en el que Byrd desplego toda su experiencia y energía en el desarrollos de sus trabajos primeros y totalmente propios. Rompió con la tradición, y decidido a combinar el arte de la performance, sonido electrónico y la política radical en un todo único, junto con la música rock y psicodelia del momento. Reclutó a algunos músico que lo seguirían, e influenciado por bandas de la época como Blue Cheer, Country Joe McDonald and The Red Krayola, crearía  en 1967 su primer emprendimiento, su primer gran banda, ‘’The United States of America’’, proyecto con el cual se haría mundialmente famoso y reconocido, ya que desarrollaría sonidos innovadores dentro del campo de la electrónica, noise, krautrock, avant garde, rock experimental, etc. Lamentablemente dicho proyecto duraría solo un año, por problemas económicos, legales, y otro inconvenientes en las giras, la banda se vio forzada a disolverse.

Pero Joseph Byrd animado por su sed de creación y sus ganas de seguir con un proyecto experimental similar, pronto reuniría a mas músicos para crear otra banda, y así, en 1968, nace ‘’Joe Byrd And The Field Hippies’’. Se trata, tal como el nombre lo indica, de un nuevo proyecto musical liderado por Joseph Byrd, el cual estaba acompañado por una gran cantidad de hippies, músicos, como en un especie de colectivo musical. Banda con la que lanzaría otro trabajo, primero y único, también experimental, trabajo del cual hablaremos en esta ocasión. 

Dicho disco se llamaría ‘’The American Metaphysical Circus’’, seria grabado en 1968 y lanzado en 1969. El trabajo explora los géneros de la época, como el rock psicodélico, folk rock, baladas psicodélicas, y las pule de manera increíble, ofrece un sonido muy diferente en sus intensos arreglos de viento y cuerdas. 


Mantienen una acides típica y la explotan como un recurso más, y la combinan con un amplio uso de efectos, delays, ecos, efectos vocales y otros trucos y técnicas de grabación. De esa forma los temas se van construyendo, pasando por algunas baladas hipnóticas y rythms cargados de efectos. Algunos de los temas del disco son piezas extrañas y composiciones que creo que cortan un poco el concepto en el cual se mantienen los primeros 4 o 5 temas, aun así el trabajo es de una calidad formidable y destacable.

El grupo sólo estuvo junto hasta y durante la grabación del álbum,  nunca tocó en vivo, sin embargo, el álbum logró convertirse en un clásico, y ha sido reeditado en numerosas ocasiones en CD. 100.000 ejemplares se informa que se han vendido y Joe Byrd nunca recibió un centavo por derechos de autor.

Desde principios de los 70s, Joseph Byrd ha trabajado en varios proyectos, dio clases en la Universidad Estatal de California, hizo fuertes investigaciones sobre la música popular norteamericana, en 1975 lanzó un par de trabajos, un tanto controversiales, con sintetizadores. Entre otros trabajos como canciones comerciales e influencias suyas sobre un gran número de películas.

En la actualidad, su fans se extienden tanto por los Estaod Unidos, como por Europa, en particular en el Reino Unido, donde ha sido citado como un mentor espiritual para grupos británicos contemporáneos como Radiohead, Broadcast, y Portishead.

Cod: #1099

12 jul. 2014

Privilege - Privilege (1969)

La banda norteamericana ‘’Privilege’’ fue formada por el organista Paul Venturini y guitarrista Edward Leonetti, originalmente miembros de ‘’The Soul Survivors’’, los cuales decidieron formar su propio proyecto, al momento de la disolución de dicha banda. Ellos, estando en Soul Survivors, habían conocido y hecho amistad con los Isley Brothers, a los cuales llamaron para que los ayudaran en su nuevo emprendimiento. Los Isley Brothers rápidamente los invitaron a grabar y les consiguieron un contrato para un disquera.

Con el contrato de grabación a la espera, Paul y Edward salieron en busca de otros dos músicos para formar el grupo de cuatro miembros que imaginaban. Finalmente se reencuentran con otros dos músicos, Jack Douglas y Tommy Brannick, que habían conocido alguna vez tocando por ahí, y con los cuales congeniarían rápidamente. La meta de la nueva agrupación, no era encontrar estrellas del rock, sino más bien hallar gente que tuviera la misma idea en mente. 

Con Jack en el bajo y Tommy en la batería, ‘’Privilege’’ comenzó a tomar forma, comenzaron a ensayar y a organizar el material que Paul y Edward habían arreglado. La meta de la banda era hacer algo relativamente básico y comprensible para todos. Finalmente, el grupo consideró que ya estaban listos para grabar. Bajo la dirección de The Isley Brothers se dirigieron a las sesiones de grabación.

Paul Venturini  recuerda que: "En vez de decirnos qué hacer, y tratar de cambiar lo que haciamos musicalmente, los Isleys dejaron canaliza nuestras habilidades y nos permitieron fluir y desarrollar todas nuestras ideas’’.

Así, en 1969, lanzan su primer y único disco, ‘’Privilege’’,  un lanzamiento homónimo producido por los Isley Brothers para su etiqueta T-Neck Records. Es un muy buen disco de blues rock psicodélico, con un montón de buenos riffs y buenos solos,  dicen que es como una mezcla de influencias por parte de Hendrix, soul rocanrolero por parte de Isley Brothers y la inevitable influencia que traían los músicos por haber tocado en The Soul Survivors. 


La meta de la banda estuvo relativamente bien lograda, hacer música que guste y que sea accesible para todo el mundo, los temas tienen buenos arreglos desde los riffs, hasta los arreglos de voces y la buenas melodías que combinan. También se dan el lujo de implementar un poco de distorsión, lo que le da un toque más duro heavy al sonido y vuelve mucho más interesantes los temas.

Finalmente alcanzan buenos momentos, resultante del consorcio de dureza hard rock cruda, dinamismo soul y arreglos melódicos pop en temas en forma de baladas, así es como los temas ‘’Purple Dog’’, ‘’Easter’’ o ‘’Sojorum’’ se llevan su reconocimiento, aunque en general, todos los temas tienen una característica similar, de gran sonido, buenas guitarras fuzz y buena implementación de los teclados.

Sobre la banda no encontré mucha más información, es muy probable que al poco tiempo, o tarde o temprano, se hayan desintegrado, sin dejar noticia alguna. Lo poco que se sabe sobre los músicos es que Jack Douglas fue más tarde un conocido productor, dato que en general ha llamado mucho más la atención que la historia de Privilege en si misma.

Jack estudió en  Instituto de Investigación de audio en Nueva York, antes de ingresar como ayudante técnico en el Record Plant Studios, allí comenzó a realizar sus primeros trabajos profesionales, no como productor o ingeniero , pero como el conserje , pero pronto estaría dando la nota, trabajando en la producción para gente como Miles Davis , The James Gang , Alice Cooper , Cheap Trick , Montrose , Rough Cutt , Artful Dodger , Moxy , Flipp y Montaña. También forjó relaciones de trabajo con Patti Smith , Blue Öyster Cult , el New York Dolls , Cheap Trick , Starz y más notablemente Aerosmith, a quienes les produjo varios de sus discos en la década de los 70s. Su carrera también lo llevò a trabajar para en un par de albums para John Lennon y Yoko Ono.

Cod: #1136

11 jul. 2014

N.A.D.M.A. - Uno Zingaro Di Atlante Con Un Fiore A New York (1973)

N.A.D.M.A. fue una banda experimental italiana de corta duración, nacida en Milán y compuesta por ocho integrantes, Marco Cristofolini en violín y percusión, Davide Mosconi en piano, Marino Vismara en el cello, Otto Corrado Davis al saxo, Giafranco Pardi en saxo y trompeta, Mino Ceretti en contrabajo, Inés Klok en el arpa, violin y percusión y Gustavo Bonora en violín y percusión. Algunos de ellos también tenían experiencias artísticas en otros campos (Pardi y Vismara en el arte contemporáneo, Mosconi como fotógrafo). 

Concebidos esencialmente como colectivo experimental cuya meta principal era la investigación y desarrollo de nuevos sonidos, trataron de mezclar la música orienta, con el jazz, junto a sonidos occidentales, desde un enfoque vanguardista. El nombre N.A.D.M.A. significa ‘’Natural Arkestra de Maya Alta’’.

Este proyecto dejó solo un fruto, un único disco, lanzando en 1973, ‘’Uno Zingaro Di Atlante Con Un Fiore A New York’’, publicado en el RCA Italiano. Es un álbum algo difícil pero con un aura explorativa neta, se trata de un gran experimento de investigación sonora en donde la exploración hacia nuevos sonidos es el lema en cuestión, con gran uso de instrumentos del viento, violines y percusiones varias, alejándose de cualquier convención que pueda insinuar a concepciones estándares musicales.

Probablemente se trate de uno de los proyectos más experimentales de toda Italia en aquella época, mezclan Free Jazz y Música étnica con algunos toques vanguardistas, aquí y allá, dando como resultado un disco con un estilo único, oscuro, avant garde, ambiental, inevitablemente psicodélico, profundamente nutrido e inexplicablemente brillante, un free caos, avan folk, oscuro y místico, que siempre toma de referencia al free jazz, como plataforma para elaborar las sesiones.


El desarrollo nace desde un ambiente avant-folk psicodélico que es la base de todo, se va nutriendo de pequeños elementos tomados de distintos estilos musicales, percusiones de música oriental, saxos improvisando estilo free jazz, cantos tipo africanos, etc, y así el sonido comienza a tomar su color de freak out. La experimentación también va por un lado rítmico, y los ambientes no hacen más que desdoblarse y mutarse constantemente entre sí, superponiéndose como en una colisión de géneros.

Una de las virtudes del sonido es la capacidad que tiene de crearse e ir mutándose a sí mismo con pequeños elementos étnicos, como su hubieran tomado a la esencia misma de cada cultura que mezclan y la hubiesen representado musicalmente con una fidelidad muy propia e instintiva, como si de un rompecabezas colorido y bizarro se tratase, para ir construyendo temas absurdamente geniales, caóticos y jazzeros por naturaleza, como por ejemplo en el tema ‘’Dabya‘’, que se abre con cuerdas de un violín de una manera muy folk, antes de convertirse en una bestia Jazz-Rock con un poco de piano fresco, vientos y una sección rítmica aplastante. 

La banda solo estuvo activa entre 1972 y 1973, tras desaparecer sin dejar rastro, mientras que algunos de los miembros, como Mosconi y Vismara, continuaron su investigación musical como artistas en galerías de arte contemporáneo.

Cod: #1066

7 jul. 2014

Hapshash And The Coloured Coat - Featuring The Human Host And The Heavy Metal Kids (1967)

‘’Hapshash & The Coloured Coat’’ es el nombre asignado para el proyecto artístico que desarrollaban Nigel Waymouth y Michael English, dos diseñadores gráficos y artistas profesionales, psicodélicos, de la escena underground de Londres, los cuales se hicieron famosos en primera medida por que crearon muchos de los posters clásicos que se conocen de la movida londinense, posters de rock de bandas grandiosas de la época como  Jimi Hendrix Experience, Cream, The Crazy World of Arthur Brown, Traffic, Tomorrow, Soft Machine, Pink Floyd, etc.

Los dos artistas se conocen entre sí en 1966, tras ser presentados por Joe Boyd y John "Hoppy" Hopkins, co-fundadores del UFO Club, ubicado en Tottenham Court Road, un de las calles principales de Londres. Ellos les encargan a Waymouth y English que colaboren juntos en la creación de carteles promocionales para el club, con la creencia de que los dos artistas juntos podrían crear algo innovador, y estuvieron en lo cierto, ya que la pareja de artistas comenzó a trabajar juntos, con muy buena química, creando una mezcla muy interesante de delicias visuales. Pronto se asociarían bajo el nombre de ‘’Cosmic Colors’’, antes de llegar al nombre ‘’Hapshash & the Coloured Coat’’, el cual sugiere tanto el uso del hachís como la vestimenta psicodelia. Se crearon un pequeño estudio sobre Princedale Road, Holland Park , cerca de las oficinas de la revista Oz, revista para la cual también trabajaron.

Utilizando serigrafía, creaban carteles promocionales para boutiques, happenings undergrounds, discotecas y festivales. Poseían una gran creatividad y talento y su arte se volvió tan famoso que dieron inicio a un nuevo mercado, el de la venta de posters psicodélicos. Sus posters se han vuelto muy codiciados desde entonces, a tal punto que en 2008 se vendió uno de sus posters, que crearon para publicitar a un concierto que dio Jimi Hendrix en 1967, Auditorio Fillmore en San Francisco, en nada más y nada menos que 72.000 pesos.

El dúo de artistas también se involucró en la música, fueron el talento creativo de la banda que formaron junto al DJ y manager Guy Stevens. Ellos se unirían en un ensamble artístico, el cual crearían junto a ‘’Art’’, banda de la cual Stevens era manager. 


El grupo lanzaría en 1967 su primer álbum, ‘’Featuring The Human Host And The Heavy Metal Kids’’, el cual se convertiría en un eje central para el movimiento underground británico. Se trata de un trabajo psicodélico experimental, bastante caótico y volátil, y lo considero como un ejemplo temprano de krautrock, ya que el sonido posee muchas características de dicho movimiento, y de hecho leí por ahí quien decía que se trata de uno de los primeros discos de rock (no de jazz) en el que los músicos tocan temas de manera libre y aleatoria. El sonido tiene muchos elementos de lo que haría Amon Duul algunos años más adelante, temas uniformes y extensos, sesiones libres e improvisadas como de ritual basadas en repeticiones constantes de arreglos en guitarras acústicas, adornadas con sonido, panderetas, tambores y bongos, pianos, gritos, aunque por supuesto con un toque psicodélico todavía relacionado con la volatilidad típica de los finales de los 60s.

Se trata de un trabajo lanzado e impulsado por un DJ y dos artistas gráficos, y creo que esa es la razón por la cual el sonido es tan libre, básicamente porque parte de los miembros del grupo no sabían hacer música, y se basaron principalmente en el uso de alucinógenos para inspirarse y crear lo que crearon. Lo que ocurre en la grabación se aleja de todo lo que fuera  una mezcla correcta de los sonidos, se rigen también por cierta animosidad avant garde, con distintos ruido y una especie de desestructuralidad y extroversión que los anima en cada tema, se escuchan gritos jocosos y alegres, recitan poesías (tanto en ingles como en español), hacen rituales tipo meditaciones, osea, el disco fue creado básicamente a base de las sesiones experimentales que creó el ensamble, en torno al uso de alucinógenos. 

Por supuesto, entre el grupo había varios músicos, y claramente eso se refleja en el disco; batería, bajo, y guitarra, que acompañan las sesiones alocadas, y pueden ir dando un poco de forma a todo, acercándose a un especie de folk rock psicodélico extraño, por momentos también se acercan a algún sonido funky. Reminiscencias de sonidos de bandas como ‘’Mothers of Invention’’ o ‘’Captain Beefheart y The Magic Band’’.

Tras el lanzamiento del primer disco, el dúo de artistas continua trabajando como diseñadores, mientras que Stevens era ya un productor en Island Records, sigue trabajando con Art (más tarde conocidos como Spooky Tooth).

Nigel Waymouth  retuvo el nombre de la banda, Hapshash & the Coloured Coat, para lanzar así un segundo disco, menos radical que el anterior, ‘’The Western Flyer’’, para el cual se unió con Freddy Ballerini, Michael Mayhew, Andy Renton, Eddie Tripp y recibio asistencia sobre sesión de Tony McPhee (proveniente de la banda Groundhogs), y del productor Mike Batt. Mickey Finn, mas tarde en Tyrannosaurus Rex, estuvo en la banda, también pasaría porla formación el mismo Ken Kesey, aunque la agrupación lamentablemente se desintegraría a finales de 1969. El dúo de artistas también se separaría en 1969, tomando cada uno caminos por separado. 

Michael English se alejaría de la ingeniería psicodélica, durante los setentas se acercaría mas a la corriente hiper realista, empleando aerógrafo, y produciendo varias clases diferentes de pinturas, pinturas de alimentos, e imágenes icónicas de de botellas de coca y otro elementos similares, carteles de este período se venden por millones. Este cambio hacia un enfoque en la decadencia de concreto quizás prefigurada punk rock en Londres. En 1978 se creó decorados para el Ballet-Théâtre Contemporain en Sadler's Wells.

Para financiarse produjo dramáticos y coloridos carteles de publicidad para algunas de las compañías líderes en el mundo, entre Suiza-Air, British Airways, Porsche, McDonalds y Bertolli, también creó dos series de sellos de la Royal Mail. Publicó un libro sobre su obra, en 3-D de los ojos (1979), y la anatomía de la ilusión (1989), un breve volumen sobre aerografía.

Por su parte, Nigel Waymouth siguió una carrera como pintor y retratista. Su obra ha sido expuesta en Fischer Fine Art y otras galerías importantes de Londres. Ha sido incluido en el ‘’Royal Society of Portrait Painters group show’’, y ha hecho trabajos para duques y miembros ‘’reales’’ de las clases altas de Gran Bretaña.

Cod: #1096

5 jul. 2014

El Ritual - El Ritual (1971)

‘’El Ritual’’ fue una banda mexicana nacida en Tijuana, Baja California, fundada a finales de los 60s por el músico y cantante Frankie Barreño; al cual lo acompañaban Gonzalo Hernández en el bajo; Abelardo Barceló en la batería, y el vocalista y tecladista Martín Mayo.

Llegaron al Distrito Federal en 1971, meses antes de la celebración del histórico festival de Avandaro, en el cual participaron sin mucho éxito, ya que tuvieron que afrontar serios problemas de audio y sobretodo de iluminación. El ‘’Festival de Rock y Ruedas’’ celebrado en 1971 en Avándaro, Mexico, fue como un especie de Woodstock mexicano, un histórico concierto de rock llevado a cabo en Septiembre 11 y 12 del 1971, cerca del Club de Golf Avándaro, en el Estado de México, en México. 

El festival de arte celebró la vida, la paz, el amor, la ecología, las artes y las drogas experimentales y ha sido comparado con el Festival Woodstock, por su música psicoldelica, arte contracultural, uso abierto de drogas, ejercicio del amor libre y por la enorme asistencia de personas que participaron del mismo, se dice que entre los dos días que duró el festival la audiencia rondó entre 100,000 y 500,000 asistentes.


La banda se separa muy rápidamente, en 1972, dejando inconclusa su obra máxima, la rock opera "LA TIERRA DE QUE TE HABLE" y su discografía consiste en un álbum de música original muy cotizado en el mercado, el homónimo ‘’El Ritual’’ lanzado 1971, y un tema aislado (que no es lo mejor de ellos), que solamente apareció en disco sencillo de 45 RPM titulado 'TABU".

Este único disco que lanzaron (‘’El Ritual’’, de 1971) refleja el exquisito sentido musical de la banda, que tomó muchos elementos de la psicodelia y hard rock norteamericanos y los popularizo en el lado mexicano, en el rock latinoamericano, muchos dicen que se trata del grupo más importante de la historia del Rock Mexicano. Todas las piezas del disco fueron compuestas por los integrantes del grupo y tienen letra en inglés, tal vez porque viviendo en Tijuana tenían mucho contacto con el idioma inglés, y además porque en esa época se consideraba que el rock cantado en cualquier idioma que no fuera el original, no sonaba bien.

Dicen que es un gran disco del rock mexicano y yo lo estoy comprobando aquí, si desglosáramos su música obtendríamos un auténtico catálogo del rock que se hacía en esos años, rock psicodélico muy original, hard rock, psicodelia progresiva, blues rock, y toda la riqueza de sonidos que se producía entonces, fusionados de una manera muy especial, con un sentido progresivo único, comparable a bandas como ‘’The Crazy World of Arthur Brown‘’ o ‘’Quicksilver Messenger Service’’. 
Pensaba que me iba a encontrar en este disco un sonido más rudo, tal vez por las etiquetas que le han puesto. Pese a que tienen sus buenos pasajes hard rock, la rudeza del sonido se complementa también con una fuerte dosis psicodélica acida, rock latino, y toques de jazz rock, lo que vuelve más accesible y dinámico al sonido, denotando que además tenían un gran sentido melódico en sus composiciones.

El disco (y la banda misma) tiene un motivo conceptual específico y creo que es desde ahí donde parte el desarrollo artístico y poético que desarrollaban. Tal vez podría decirse que se trata de un disco conceptual, cierta presencia de oscurantismo y satanismo, reflejado en algunos temas que de hecho comienzan con sonidos de ritual, gritos y ambientes oscuros; aunque esa oscuridad se mezcla con algunos otros temas más hippones y alegres, lamentablemente los temas están en inglés y eso me imposibilita un poco con el entendimiento de los mismos…

Gracias a su calidad, al poco tiempo de haber llegado a México, la banda ya encabezaba todos los carteles en que se presentaban los conjuntos de aquella época. Su maquillaje facial llamaba la atención, ya que lo utilizaron mucho antes de que aparecieran en la escena grupos como Kiss y Alice Cooper. Sin duda una banda icónica para el rock mexicano, un buen punto de partida para comenzar a entender las movidas rock que hubo en dicho país, y un punto obligado a escuchar para todo buen melómano de rock y psicodelia.

Cod: #1128

4 jul. 2014

L'Infonie - Volume 3 (1969)

La ‘’buena música’’ o ‘’mala música’’ no existe, la música es como la libertad, no existe tal cosa como ‘’buena libertad’’ o ‘’mala libertad’’, la libertad si no es completa no existe, la dignidad de a pedacitos no funciona. Con la musica es igual, la música es digna e infinita, tiene su propia dimensión, su propio espectro, la música es un lenguaje universal, la música es un instrumento muy importante de transformación socio cultural, como dijo Spinetta ‘’la música va a seguir existiendo por más que no haya nadie que la ejecute’’. Lo que sucede a partir de ahí es que algunas gentes usan a la música para enriquecerse en vez de para crear nuevos sonido, usan la música para ser famosos y adinerados en vez de para trasmitir arte y libertad, y eso muy lamentable. Por ese lado va más o menos el concepto de ‘’mala música’’, el carácter imperecedero de la música no morirá jamás, pero bueno, algunos usan la música para transmitir cosas que no son precisamente ‘’buenas’’…

La banda de la que hablaremos hoy es de la llamada ‘’L'Infonie’’, se trata de un proyecto originado en 1967, creo que en Montreal, Canada, creado y dirigido por el compositor, saxofonista y director de orquesta, Walter Boudreau, y por el poeta, cantante y trompetista, Raoul Duguay. Este proyecto se trataba como de un colectivo artístico, llegó a contar en su formación con hasta 33 artistas procedentes de diversos ámbitos, que iban desde el free jazz, musica clásica, contemporánea, rock, además de artistas de artes visuales y poetas.


En 1969 lanzan su primer disco, ‘’Volume 3’’, al cual crean a partir de un reconstruir completo de la percepción musical como la conocemos convencionalmente, en una mezcla anárquica de danzas, arte, poesía, combinando elementos heredados tal vez de Frank Zappa, con influencias jazzeras heredadas tal vez del mismo Sun Ra, combinando surrealismo, avant garde, exaltación y locura, todo elemento tiene su lugar y tiempo de ser...

Encontré este disco como uno supuestamente de ‘’avant prog’’, pero la verdad no logro descubrir cuáles son sus características progresivas. Musicalmente no sé cómo definirlo, hay distintos elementos de funk o soul, algunos efectos electrónicos agregados, algún pasaje medio psicodélico, es difícil encontrar convenciones en el sonido, en algún track se escuchan algunos riff tipos rythm, en otro se escucha un especie de jazz muy raro, hacen por otro lado un cover de ‘’She’s leaving home’’, un tema de los Beatles, bien bizarro y desalentador, pero en general el sonido es muy volátil y particular, y poco tiene que ver con formas estándares de creación…

Lo más auténtico del disco me parece que sería la clara influencia free jazz que los directores del proyecto le inyectan al sonido, con bastante participación de trompetas y saxos, para a partir de ahí, y con muchos elementos aleatorios agregados, ir construyendo paredes sonoras propias y auténticas, con un delirio único del proyecto mismo. También se escuchan voces y gritos, en francés, además de recitados de, creo yo, poemas, también en francés. Un lanzamiento muy recomendable…

Creo que el disco tiene un espíritu mucho más profundo de lo que podría percibir. Desde ya vale aclarar que absolutamente toda la música creada en esa época tenía una intencionalidad espiritual y creativa muy profunda, pero paradójicamente muchos registros de la época han desaparecido, ya que no es muy conveniente para los intereses de nuestros líderes que  anden circulando por ahí las manifestación, cual profecías, que creaban y expresaban los artistas de la época, todo ello ha quedado virtualmente tapado, sesgado, ocultado, y solo se puede acceder a una pequeña porción de ese espíritu, y mucho peor para nosotros, publico de habla hispana, que a grandes rasgos poco entendemos del inglés, y no podemos percibir tal cual lo que se encuentra de esa época.
Habiendo hecha dicha aclaración, el disco, además, toma elementos culturales que eran ya alternos en esa época, y los profundiza aún más, como creando un especie de obra circense artística, toman elementos que ya eran bizarros en su época, para desarmarlos y exponerlos de forma brillantemente aún más bizarra y absurda. No sé, igual ceo que la intencionalidad artística era mucho más profunda aun, combinándose su arte con puestas en escena, con los artistas vestidos también de forma bizarra, en donde se percibían algunos elementos egipcios, lo que le daba un toque místico a lo que hacían, o por lo menos eso es lo que se ve en las pocas fotos que aparecen sobre la banda…

Para su siguiente álbum, ‘’Vol 33 - Mantra’’, de 1971, L'Infonie abandona todo lo que hizo en su debut, profundizando en el jazz-fusión. Una sola pieza de música conforma este álbum. En 1972, L'Infonie lanzó su tercer álbum, ‘’Vol. 333’’. En este álbum, la banda tiene un sonido más rock progresivo, de nuevo cambiando su enfoque musical. Después de este álbum, Duguay dejaría la banda para seguir una carrera en solitario como poeta, escritor y cantautor. En 1974, L'Infonie lanzó su cuarto y último álbum, ‘’Vol. 3333’’. Este álbum está compuesto por una sola pieza, de Duguay "Paix".

Creo que todos deberíamos tomarnos el tiempo para escuchar cosas como estas, por supuesto depende del gusto de cada uno, pero ya solo tomarse el tiempo de escuchar música experimental te va abriendo el oído, te va abriendo los sentidos, el gusto y la percepción musical, y mucho más con música como esta, el avant garde, ya que es música caótica, y el caos tiene su encanto, tienen que ver mucho con nosotros mismos y nuestras experiencias. Tenemos mucha relación con el caos y la reconstrucción de nosotros mismos, con el caos que genera la contradictoria psicología humana. En un sentido literal metafísicamente, el proceso de cambio espiritual positivo puede ser visto fácilmente como un especia de ‘’caos’’, como un derribo de lo que nos parecía correcto o verdadero hasta el momento, el derribo del templo previo de la verdad y la justicia ética y moral a fin de que una verdad mayor, una justicia mayor, una ética mayor, pueda encontrar manifestación en uno mismo.

Cod: #1067

2 jul. 2014

Rotary Connection - Rotary Connection (1967)

Rotary Connection fue una banda estadounidense de soul psicodélico, formada en Chicago, en 1966. La banda, altamente experimental, fue ideada por Marshall Chess , hijo del fundador de la discografica ‘’Chess Records’’, Leonard Chess. Marshall fue el director e ideólogo de la etiqueta Cadet Concept Records, y estaba interesado en desarrollar música experimental que fuera mas alla del blues y el rock que habían hecho popular a Chess Records. Esto lo llevo a centrar su atención en el floreciente movimiento psicodélico de la época. 

Marshall reclutó Charles Stepney, un vibrafonista de formación clásica, arreglista y productor. También reclutaria a los Bobby Simms, Mitch Aliotta , y Ken Venegas, músicos que participarían del primer disco del proyecto. Sidney Barnes, un compositor dentro de la organización de Records Chess, también se unió al proyecto, al igual que Judy Hauff y una artista también de Chess Records, llamada Minnie Riperton. Ademas de unirse el guitarrista Phil Upchurch y el baterista Morris Jennings.

El grupo lanzó seis álbumes durante su tiempo juntos, producido y arreglado por Charles Stepney para Chess Records. ‘’Rotary Connection’’ seria su maravilloso homónimo debut, lanzado a finales de 1967, trabajo que incluiría covers de temas de bandas como los Rolling Stones , Bob Dylan , The Lovin 'Spoonful , y Sam & Dave. El álbum tiene varios estilos, que van desde el pop, rock y soul, además de psicodelia y arreglos sinfónicos de orquesta, alcanzando un auténtico sonido propio y experimental, aunque no era amigable para las radios de la época, por lo que no tuvo una buena repercusión comercial, mas alla de alcanzar cierta repercusión en Chicago y algunas otras ciudades del Oeste norteamericano.


Ninguno de los temas alcanza un estilo clásico, ni siquiera el psicodélico, todos están  inmersos en una atmosfera de experimentación pop total, sonido que para el año en que fueron lanzados, estuvieron en cierto lugar de vanguardia. El aspecto más inexplicable del disco son sus cualidades extrañas y experimentales y su extraño carácter atractivo y atemporal, plagado de melodías de otro mundo y combinaciones deliciosas, características reunidas en un mismo proyecto por las distintas características que tenían entre si los diversos músicos que componían el proyecto.

En el sonido se integran métodos clásicos orquetrales mejor que cualquier otro trabajo hecho en la época, además del impecable trabajo de voces desparramadas en todo el disco, especialmente la de la vocalista femenina líder, Minnie Riperton, quien adornó muchas de las pistas con sus imposiblemente altos sopranos de ópera.

En el sonido se integran métodos clásicos orquestales mejor que cualquier otro trabajo hecho en la época, además del impecable trabajo de voces desparramadas en todo el disco, especialmente la de la vocalista femenina líder, Minnie Riperton, quien adornó muchas de las pistas con sus imposiblemente altos sopranos de ópera.

La banda regresó en 1968 con su segundo y tercer álbum, ‘’Aladdin’’ y ‘’Peace’’, ambos disco de similares características que el primero que lanzarían, pero esta vez dejando controversiales mensajes en contra de la guerra de Vietnam que por aquellos años se estaba llevando a cabo.

El 30 de agosto de 1969, la banda tocaria en el Internacional Pop Festival, de Texas, seguido por el Festival Pop de Palm Beach, el 29 de noviembre del mismo año. La banza lanzaría tres albums mas entre el 70 y 71, pasando desapercibida, sino hasta 1974, año en que el proyecto se separaría.

Cod: #1108
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