31 dic. 2013

Brainticket - Cottonwood Hill (1971)

Brainticket fue la creación de Joel Vandroogenbroeck, un belga que vivió en Suiza y que comenzó a estudiar piano clásico antes de decidirse por el jazz. Recibió el premio Art Tatum como el pianista más joven de jazz a la edad de quince años y pronto salió de gira por Europa y África. 

Mientras tocaba jazz encontró una gran inspiración en los sonidos que emanaban de los artistas alemanes de krautrock como Can, Amon Duul II y Tangerine Dream, y bajo la influencia de estos grupos, junto al guitarrista Ronn Byer, reclutó al batería Wolfgang Paap para formar el trío que se llamaría Brainticket. 

Su primer álbum fue ‘’Cottonwood Hill’’, lanzado en 1971. Este debut pronto suscitó controversias al estar relacionado con las drogas psicodélicas, tanto que el álbum se vendió con una etiqueta que avisaba de que “solamente deberías escuchar una vez al día este disco porque tu cerebro puede destruirse.” Esto llevó a que el álbum se prohibiera en muchos países incluyendo los Estados Unidos.

Para la grabación del disco la banda estuvo compuesta por Ron Bryer en guitarra, Werner Fröhlich en bajo, Helmuth Kolbe en teclados, Cosimo Lampis en batería, Amanecer Muir en voz, Wolfgang Paap en percusión, Werni Prahlach en bajo y Joel Vandroogenbroeck en teclados, flauta y voz.

En si el disco es relativamente simple y corto, basado en bases repetitivas previsibles… pero musicalmente muy atractivas, manejándose dentro de un rock psicodelico experimental, con onda medio funky, muy bien ornamentado. Aunque lo que hace de este disco algo tan llamativo, es la acides que despide en cada momento. Se vuelve famoso por los 27 minutos de "Brainticket Pts 1 y 2", una mezcla de efectos de sonido lisérgico extraños, loops de cinta, voces femeninas paranoides y orgasmicas, y la improvisación electrónica, todo ello frente a un insistente juego en el órgano Hammond que marca las bases de las sesiones. Esa sesión psicodélico-electronica, es a la vez espacial, cósmica, espiritual, introspectiva y poética, altamente cargada de una intensidad profunda que, en medio de un viaje acido, podría llevarte hacia lugares insospechados…


Al ver la cantidad de músicos que integraron la grabación del disco, me queda la sensación de que podrían haber hecho algo más, los sonidos que alcanzan son muy buenos y, de haber incluido más temas con el mismo tractivo, tal vez el disco hubiese cobrado más importancia dentro de la escena psych y kraut. Aun así, es un disco de alto calibre y ya en sí mismo es legendario y tiene su culto, creado por fieles seguidores de los sonidos freaks psicodélicos de la banda.

Desde entonces la reputación de Brainticket como una banda experimentadora del underground y de la música de vanguardia se solidificó. Tras la muerte de Bryer, Joel comenzó a explorar los sonidos electrónicos y se trasladó a Italia donde conoció a su mujer Carole Muriel. Con un par de músicos suizos, el guitarrista Rolf Hug y el bajista Martine Sacher, publicó el segundo trabajo del grupo, Psychonaut. También participó en una ópera rock en colaboración con el compositor de cine Bill Conti y Joel comenzó a trabajar en nuevo álbum de Brainticket basado en el Libro de los Muertos egipcio. El nuevo álbum, Celestial Ocean, contaba la experiencia del más allá en el tiempo y el espacio de los egipcios, una vez traspasada la línea de la vida, en un ambiente de desiertos y pirámides. Fue este álbum, publicado en 1973, el que llevó a Brainticket a la fama mundial.

Joel continuó con nuevas creaciones, llegando a publicar un par de álbumes más bajo el nombre de Brainticket, incluyendo la grabación de Alchemic Universe en 2000.

En una reciente entrevista con el escritor Dave Thompson, Joel afirmaba que: “No éramos un grupo, éramos un lugar donde se realizó la creación y este lugar era Cottonwoodhill, aunque nunca se mencionó en los álbumes posteriores. Además de tratar que existiera una unión, cada grabación incluía a gente distinta. En general todo fue a nuestro favor. Hubo un encuentro, una inspiración, una producción y después, todo el mundo siguió su camino. Creo que esto es lo que hizo a Brainticket un grupo original que se alejaba del concepto de una banda convencional. Teníamos algo diferente que ofrecer.”

Cod: #1165

29 dic. 2013

East Of Eden - Mercator Projected (1969)

‘’East of Eden’’ fue un grupo británico de rock progresivo formado en Bristol, Inglaterra, en 1968, que alcanzo un top 10 Top en el Reino Unido con el sencillo , " Jig-A-Jig ", en 1971, pista incluida en su tercer álbum. Originalmente se llamaron “Pictures of Dorian Gray”, hasta que en 1968  trasladan a Londres, donde firman un contrato de grabación con Deram. Es ahí cuando cambian su nombre tan lírico por el mas cinematográfico “East of Eden”.

‘’Mercator Projected’’ fue su primer álbum y en realidad el mejor que han lanzado, dentro de los varios discos que han lanzado. La banda no tenía una formación constante, pero en este álbum, el grupo estaba formado por el violinista y flautista Dave Arbus, el saxofonista Ron Caines, el guitarrista y vocalista Geoff Richardson, el bajista Steve York y el baterísta Dave LaFont. 

Todo el álbum nace de una combinación exótica de psicodelia, sonidos orientales, country, rock progresivo temprano y jazz-rock, aunque es el rock más duro el que ensambla las bases de las composiciones y de hecho el que los caracteriza en sus siguientes albums. A partir de esa base, los temas surgen es una explosión mágica y muy versátil, una combinación exótica que fluye, mediante una performance magistral, hacia altos climax exploratorios… en estados post psicodélicos, progresivos tempranos y un art rock único. Una obra fascinante no apta para oidos obtusos y de mentes estrechas, aquí hay que escuchar atentos, posiblemente por momentos su propuesta suene algo desfasada, pero es la mezcla de colores y los sonidos particulares que alcanzan, lo que hacen de este un disco de culto.


El álbum contiene un sin fin de temas altamente originales, el pesado "Northern Hemisphere", los mas atmosféricos y expansivos "Bathers", "Waterways" y "Moth", y el alucinante ‘’ In The Stable Of The Sphinx’’, una pieza genial que combina todas las características nombradas del disco, una grabación relativamente extensa, que contiene en medio, para un delirio total de los oídos, un atasco psicodelico ruidoso alucinante. En esta reedición en cd se puede escuchar una versión temprana del mismo tema, en la cual se aprecia la inclusión de melodías tomadas de un tema de Jimi Hendrix, ‘’Third Stone From The Sun’’.

Algunos atascos a los que llegan en combinación de flautas y saxos, hacen acordar mucho a momentos de Soft Machine, y la participación oscura y perdida del violín recuerdan mucho al disco ‘’Precious Cargo’’ de ‘’High Tide’’.

En 1970 lanzarian 'Snafu', que fue el último disco que lanzaron con Decca. A partir de ahí editaron varios discos con Harvest de EMI, que parecían más destinados a vender que a producir buena música, el grupo pasó de ser una banda de culto a un grupo del montón.

La banda se separó en 1978 despues de haber sufrido muchos cambios en su formación.  Los tres miembros principales (Arbus, Caines y Nicholson), se reunieron en 1996 y lanzaron Kalipse al año siguiente.

Cod: #1072

24 dic. 2013

Pappo's Blues - Volumen I (1971)

Reseña escrita por Alfredo Rosso:

‘’Estamos en el tiempo en el que el ser humano vive con razón de ser’’ decía Pappo en ‘’el hombre sub urbano’’ y la frase se aplica perfectamente a su autor, porque la razón de ser de Pappo era el blues y la herramienta para darle forma, su guitarra. Pappo sabía de qué estaba hablando, ya que estuvo allí desde el principio, al punto que es posible seguir la trayectoria del rock nacional con solo recorrer su biografía. Formó parte de los Abuelos de la Nada originales y - al irse Miguel Abuelo para continuar como solista- tomó el timon del grupo el tiempo suficiente como para dejar grabado ‘’La estación’’, ese gran blues que ostenta su firma, su voz y su guitarra. Más tarde integro el cuarteto trunco que podría haber sido ‘’Manal’’, y paseo su temprano profesionalismo por ‘’Conexión N°5’’, antes de transformarse en pieza clave en la evolución de ‘’Los Gatos’’, del pop predominante en sus primeros tres albums al musculo más rockero de ‘’Beat N° I’’ y ‘’Rock de la mujer perdida’’.

Sin embargo, quienes lo vimos en el Luna Park, en Junio de 1970, colorear la notable zapada de ‘’Fuera de la ley’’ de Los Gatos, o en una soleada tarde de Noviembre de ese mismo año, trepado al riff poderoso de ‘’Can you see me?’’ de Jimi Hendrix, en el primer festival de B.A. Rock, intuimos que Pappo estaba para mas. Habia en el miles de notas por ser articuladas y muchas palabras por ser pronunciadas.

La espera fue corta: el sello Music Hall empezaba a abrirle las puertas al rock –una movida apadrinada por la impronta visionaria de Jorge Alvarez- y 1971 veria el debut de ‘’La Pesada del Rock and Roll’’ y la aparición del primer álbum de Pappos Blues.


El secreto de un power trio es el equilibrio de su química interna y en este sentido tanto David ‘’Davis’’ Lebon como Black Amaya resultaron ideales. Bajista y baterista supieron acompañar a Pappo palmo a palmo, lo acompañaron en sus excursiones sonoras, dialogando con él, sin jamas meterse en medio.

A Pappo, como a Hendrix, su maestría como guitarrista opaca el reconocimiento de sus otras habilidades. Es cierto que el ‘’Carpo’’ no tenía el registro más amplio del universo, pero lo que le faltaba en el rango vocal lo compensaba en expresividad, escuchen el tono ironico-existencial que adopta su voz en ‘’El viejo’’, el dejo de bronca resignada que salpica ese retrato de rutina e intemperancia de ‘’El hombre sub urbano’’ o la queja impaciente  de ‘’A donde esta la libertad’’, filosófica pregunta que en aquel momento de gobierno militar, censura y represión nos hacíamos todos los argentinos.

Un elemento clave que contribuyo a hacer de Pappos Blues el álbum clásico en el que se convirtió es su diversidad. Aprecien, en este sentido, la brutal energía de este testimonio renovación espiritual que inicia el disco ‘’Algo ha cambiado’’, con sus solos despiadados y la mas creativa utilización del pedal wah wah que registre del rock de estas costas. Y como prueba final del interplay creativo entre Pappo, Lebon y Black propongo la intensidad claustrofóbica de ‘’Especies’’, un temprano ejemplo de hard-blues con tono psicodélicos.

En 1971 el rock argentino lamentaba la disulucion de sus tres grupos fundacinales: Manal, Los Gatos y Almendra pero, al mismo tiempo, le daba la bienvenida a una nueva camada de bandas que mantendrían viva su llama. Entre ellas brillaba, con propia luz, Pappos Blues.

                             Cod: #1025

11 dic. 2013

The Freak Scene - Psychedelic Psoul (1967)

‘’The Freak Scene’’ fue una creación de Rusty Evans, un guitarrista, compositor y cantante de folk ostensible, responsable de varios álbumes de "bandas" que eran, en realidad, Evans y un grupo de músicos de estudio.  ‘’The Freak Scene’’ fue el segundo de sus grupos de pop-psych, siguiendo los pasos de ‘’The Deep’’, y con muchos de los mismos músicos que habían tocado con el en el álbum que grabaron con dicha banda, por lo tanto el sonido que alcanza con este nuevo emprendimiento se planta en bases similares a sus proyectos anteriores, con los cuales buscaba sacar provecho de las tendencias psicodélicas imperantes. 

Aunque también el disco tiene su costado espiritual o cósmico, reflejado en las alocadas letras y los lisérgicos sonidos, mezclando dadismo, psicodelia, hinduismo, exploración lisérgica, influenciado por un movimiento que estaba en auge y en el cual se habían masificado las búsquedas espirituales en general, exploración de realidades metafísicas a través de drogas que alteran la mente, religiones orientales, ver la vida desde un punto de vista más existencial, etc. En ese sentido el álbum estaba destinado a captar la atención de jóvenes y adolescentes (o publico en general) errantes que buscaban integrarse a toda esta nueva oleada psicodélica…

‘’Psychedelic Psoul’’, de 1967, fue el único álbum que lanzaron con la banda, un trabajo que, pese a que tiene su costado comercial, también posee su atractivo único, es como una especie de excursión o exploración acida y psicodélica de estudio, llegando a alcanzar sonidos muy atípicos, que se desarrollan en medio de un sonido garagero característico, folk psicodelico, mezclado con pop/rock psicodelico, y algunas melodías indias mezcladas por ahí. También juegan con algunos efectos de sonido y mezclas con las cintas.


Los temas son muy atípicos, las guitarras son muy hipnóticas y rudimentarias y pareciera que las voces surgieran de un recinto distinto al que estamos acostumbrados, como provenientes de un viaje acido en su momento de mayor éxtasis y caos, en donde todo estalla entre si y la nada es la razón de todo. También juegan con algunos efectos de sonido y mezclas con las cintas, como es el caso de ‘’A Million Grains Of Sand ‘’, o el alucinante ‘’Grok!’’.

En muchos aspectos, este álbum supo dejar su huella única, adelantados algunos años en algunos elementos que implementaron, por las composiciones atípicas, por las exuberante mezcla que logran en el sonido, por ser un álbum psicodelico autentico que nació en un momento en el que la psicodelia recién estaba despertando. El álbum resulta una sorpresa muy grata, en tanto a lo que su rareza comprende y deja finalmente muchos temas alucinantes para tener guardados y volverlos a escuchar cada dos por tres.

Cod: #1078

8 dic. 2013

Herbie Hancock - Takin' Off (1962)

 Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop,fusión, jazz modal, jazz funk, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a lamúsica de baile.

Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.


Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento presente, no el pasado.

‘’Takin 'Off’’ es el álbum debut del pianista de jazz Herbie Hancock como líder, lanzado originalmente en 1962 para el sello Blue Note. La sesión de grabación incluyó a  Billy Higgins a los tambores, Butch Warren en bajo, Freddie Hubbard a la trompeta, y Dexter Gordon en saxofón tenor.

El debut de Herbie Hancock reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad que desplego un jazz, hard bop claisco, con muy elegante, impregnado por un toque de soul y blues, y con un feeling muy personal, lo que le dio al sonido un rumbo muy especial e hizo alzarlo al standares en el mismo jazz, con por ejemplo con su primer tema de todo su repertorio, el pegadizo ‘’Watermelon Man’’, que se convirtió en un clásico del pianista y en un estándar dentro del jazz.

El resto de los temas de disco quedan irremediablemente eclipsados por un tema inicial tan brillante, pero es que los otros cinco también se han convertido en clásicos y en estándares recurrentes dentro del hard bop, por su estilo refinado y particular. Por eso este estupendo debut en Blue Note se considera un álbum clave en la discografía de Hancock, porque ya permite apreciar sus primeras innovaciones, de cómo en su cabeza quizá ya empezaba a gestarse la revolución del jazz fusión y, por supuesto, todas las novedades que introdujo en el hard bop. 

El álbum fue re lanzado en CD en 1996 con tres tomas alternativas y remasterizada en 2007 por Van Gelder. La edición 2007 cuenta con nuevas notas por Bob Blumenthal.

Código: #1021

6 dic. 2013

Almendra - Almendra II (1970)

He aquí, el segundo disco de Almendra, banda de la cual ya hemos subido su primer trabajo. Por si alguien no lo sabe y ni lo ha leído en el primer post que hemos hecho sobre esta alucinante banda, Almendra fue una banda creada, en su comienzo, por cuatro adolescentes, los cuales se conocían por ser compañeros del Instituto San Román: Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz),Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería).

Almendra vio la luz en 1967, en el barrio porteño de Belgrano, y ya desde sus comienzos comenzaros con una andanada creativa ultra precoz para sus edades, en especial por el mismísimo Spinetta, que a los 18 ya estaba componiendo temas muy profundos y maduros como ‘’Tema de Pototo’’, ‘’El mundo entre las manos’’, ‘’Hoy todo el hielo en la ciudad’’, entre  tantos otros. Tal fue su despegue que lograron alcanzar un lugar de elite entre las bandas de su época y entre las mismas bandas fundadoras del denominado rock argentino.

Su debut no se dejó esperar más, hasta que en 1970 lanzan su primer álbum, repleto de temas fundacionales y emblemáticos, cuasi adolescentes pero con templanza y firmeza, así como también dulzura e inocencia, incomparables.

Pero en este caso nos vamos a centrar en su segundo disco, el que lanzaron  para 1971, un disco doble que nació de las cenizas de una ópera rock fallida, incluso el mismo disco comienza con su ‘’Obertura’’, el cual hubiese abierto la potencial opera fallida. Este segundo álbum, llamado igual que el primer disco, ‘’Almendra’’, se presenta no tan fácilmente como los primeros sonidos a los cuales tenían acostumbrados a su público, esta vez denotan tal vez cierta madurez, melodías más desestructuradas que comienzan a marcar el camino a seguir de los músicos, especialmente el de Luis. 

En este trabajo pareciera que la banda girara el timón en medio del océano, casi a la deriva, sin un destino prefijado, ni melodías fáciles de asimilar. Este disco doble es introspectivo, lejos ya de aquellos primeros años adolescentes. Una propuesta más compleja pero menos rigurosa. 


Este disco doble marca el final de la banda, la cual no llega a estrenar la anunciada "Opera", en la cual venían trabajando y donde participarían artistas invitados de otros conjuntos, lamentablemente la obra quedaría inconclusa ante la separación de la banda en el mes de diciembre. Este segundo álbum se construye con temas de esa opera inconclusa y es lanzado en momentos de ruptura de la formación.

‘’Almendra II’’, lanzado 1971, es un álbum de folk rock, es más ecléctico, experimental, disperso y hasta con un tinte muchísimo más rockero e intenso que el primer álbum. El sonido se construye desde el sonido que la banda ya venía trabajando, un folk introspectivo y altamente personal y complejo, sumado esta vez a un rock con toques garageros, que deja un buen sabor. Si bien no es un disco simple de abordar, por otro lado nos muestra otro lado de la banda, más expansivo, que se contrapone perfectamente con lo que venían haciendo y deja de entrever más aun la profundidad creativa, musical y poética de los músicos.

Desde el inicio, ‘’Obertura’’, tema instrumental, o ‘’Florecen los nardos’’, anticipan una ardua tarea que pretende explorar nuevos ritmos con un concepto muy rockero en el que prepondera la guitarra eléctrica, a veces algo desalineada. Canciones que trazan con fuerza un eje central no tan visible, ‘’No tengo idea’’, ‘’Aire de amor’’, ‘’Cometa Azul’’, ‘’un pájaro te sostiene’’, ‘’En las cúpulas’’, ‘’Mestizo’’, ‘’Amor de aire’’ y el clásico ‘’Rutas Argentina’’. Por su lado: ‘’Camino difícil’’, ‘’jingle’’, ‘’vete de mí’’, ‘’cuervo negro’’, ‘’verde llano’’ (estas dos últimas lindantes con el jazz) conservan en parte el espíritu del álbum anterior pero con textos no formulados sobre la base de un discurso claro. En ‘’Para ir’’ y ‘’los elefantes’’ Spinetta muestra la punta de un iceberg de lo que será su definida identidad musical, composiciones muy representativas de ese particular estilo propio. 

Excepto en raras ocasiones se eliminan los arreglos corales que alivianaban el resultado final: ‘’Parvas’’ o ‘’leves instrucciones’’. En el caso de la infinita ‘’Agnus Dei’’, las melodías se suceden entre acordes semiarábigos, guitaras acústicas planas y eléctricas para los solos. El sendero de experimentación reflejado en ‘’Carmen’’ o ‘’Toma el tren hacia el sur’’, alcanzara su forma final con el futuro trabajo solista de Luis, ‘’Spinettalandia y sus amigos’’,
"Almendra no se divide, se multiplica", la frase corresponde a Edelmiro Molinari, en una de sus respuestas a la prensa sorprendida por la separación de una banda que en poco menos de un año se había convertido en la más exitosa del país. Tras la separación, los miembros de Almendra emprendieron diversos proyectos: Spinetta intentó armar un trío con Edelmiro Molinari llamado Tórax (Banda) que no dejó grabaciones. Luego viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista (Spinettalandia y sus amigos), para más tarde formar Pescado Rabioso; Edelmiro Molinari formó Color Humano (nombre de una canción de Almendra compuesta por él); y Emilio del Guercio y Rodolfo García fundaron Aquelarre.

La reunión de 1979-1981: La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado. ‘’Hubo veces que nos juntábamos a cenar para hablar del tema y al rato lo descartábamos. Decíamos: "no tiene sentido, lo vamos a hacer culposamente y va a salir una cagada", Rodolfo García.
Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar solo dos presentaciones. Pero la convocatoria los llevó a hacer seis recitales en Obras, reuniendo 31.000 personas, una convocatoria inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos.

Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de la dictadura frente a la convocatoria juvenil del Almendra y el intentó evitar que esos recitales se realizaran: ‘’(Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida tradicional.’’, Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores, 4 de diciembre de 1979.

Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un recital de "despedida" en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7.000 personas, pero el éxito masivo los llevó a mantener la formación. El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en 1982.

En marzo de 1980 lanzan el album doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina, que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari.

La reunión de 2009: la siguiente reunión se produjo el 4 de diciembre de 2009, en un recital donde Luis Alberto Spinetta reunió a todas sus bandas en un espectáculo que duró más de cinco horas denominado Spinetta y Las Bandas Eternas.

Cod: #1028

1 dic. 2013

Pablo El Enterrador - Pablo El Enterrador (1983)

La banda nace en la ciudad de Rosario entre los años 1971 y 1973, su formación inicial incluía a Jorge "Turco" Antun, Carlos"Koki" Andon Brandolini, Juan Carlos Savia, Rubén Goldín y Lalo de los Santos.

Cultores del rock sinfónico con elementos folk, su debut se produce durante 1973 en la segunda fecha de la Organización Independiente Rosarina de Rock. Pasado un tiempo, la banda se reorganiza incorporándose José Maria Blanco en voz líder, guitarra y bajo, en lugar de Lalo de los Santos que se va a vivir a Bs.As., Omar López en teclados, Marcelo Sali en Batería, y queda desde los comienzos Jorge Antun en teclados.

Estabilizada su formación la banda registrar su primer álbum, grabado en 1979 pero editado finalmente en 1983, pero el escaso apoyo recibido por el sello grabador los decide a rescindir contrato.


Entre 1995/97, trabajan en su segundo disco, "2" (también conocido como "Sentido de lucha") el mayor logro del grupo, dónde varía su estilo a Progresivo Melódico, con toques de folklore contemporáneo, manteniendo la estructura de sus composiciones en piano, voz y una sólida base de batería.

En el año 2001 se produjo la reunión del grupo sin la presencia del tecladista Omar López, que abandonó la banda por cuestiones laborales, Pablo... quedó entonces convertido en trío, conservando sus integrantes originales y efectúa varias presentaciones en el Gran Buenos Aires y Rosario.

Compré el cd, lo mejor es que pude conseguirlo porque es algo incoseguible y lo ripeé, espero que lo disfruten. Este disco se reeditó en 2009. 

Cod: #1208
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