28 oct. 2013

Cargo - Cargo (1972)

‘’Cargo’' fue una mítica y fugaz banda prog, nacida a principios, en Ámsterdam, Holanda, e integrada por por Jan de Hont (anteriormente en "Hope Express" y ‘’Music Garden’’), Adrie de Hont, (anteriormente en ‘’Alexander Curly's Flying Circus’’ y ‘’Maggie MacNeal’’), Wim de Vries (anteriormente en ‘’Mayflower’’) y Dennis Whitbread (anteriormente en ‘’Flying Circus’’ y ‘’Music Garden’’). Posteriormente Whitbread seria reemplazado por Jerry Gobel (ex ‘’Angelflight Railways’’ y ‘’Carlsberg’’) durante la grabacion del disco.

El origen de la banda se remonta a 1970, la cual veria la luz bajo el nombre de ‘’Septembre’’. Solo alcanzarían lanzar dos canciones, ¨Little Sister y ¨Walkon By¨, que sonarían como hard rock, con partes progresivas.

Hasta 1972, ya habían grabado varios singles, y es ahí cuando deciden  planear un disco. Buscando un impacto comercial, la banda graba 4 extensas pistas, con la idea de que sonaran como una actuación en vivo. Esto le provee al sonido una energía arrolladora y vital y nutre a los temas de un dinamismo totalmente alucinante, los cuales cuentan, cada uno, con una extensa sesión de improvisación, de hecho el tema ‘’Cross Talking’’ es en si mismo una zapada de guitarras eléctricas, una autentica ‘’charla cruzada’’ que mantienen las guitaras de los hermanos De Hont.

Es asi que la banda lanza en 1972 su primer (y uncio) disco, el homónimo ‘’Cargo’’. Un disco ahora raro, pero muy bueno, con su hard rock que de repente sorprende con sus fuertes riffs, un auténtico heavy psych, un tanto heavy prog, alucinantes temas, cual profundos atascos ácidos, con alucinantes jams instrumentales eléctricos, repletos de solos de todo tipo, realizados por el duo de guitarras de los hermanos De Hont, que a veces nos remontan a Wishbone Ash.


 La banda también tiene un costado melódico impregnado en las melodías de las guitarra y el sonido de los temas, se puede percibir en esos primeros 4 temas, aunque se deja ver más aun en los demás singles del álbum, en temas más melódicos, aunque siempre con ese toque heavy que los caracteriza. Un pedazo esencial de la historia del rock europeo y una maravilla para los oídos también.

La edición que aquí les traemos contiene 12 temas, de los cuales los primeros 4 serían los que fueron publicados originalmente en la primera edición del disco, y en los cuales se obtiene su sonido más compacto y emblemático. En las reediciones posteriores en cd y vinilo, se le fueron sumando distintos singles que la banda fue grabando en distintas sesiones y con distintas formaciones, realizadas entre Septiembre del 70 y Septiembre del 72, pero que lamentablemente nunca fueron publicados antes.

Aunque tuvieron cierta buena repercusión de los críticos, el disco en sí mismo jamás alcanzaría el éxito comercial, tal vez por la paupérrima estrategia comercial de la banda, o por el manoseo de las distintas disqueras que no quisieron ofrecerles un buen contrato. El álbum no vendería muchas copias, a finales de 1972, la banda ya no existía.

Cod: #1039

24 oct. 2013

Alas - Alas (1976)

Unas de las movidas fundamentales en el rock anglosajón de los primeros años '70 fue la corriente progresivo-sinfónica, simbolizada por grupos como Yes, Genesis y Emerson, Lake & Palmer que le habían dado al género una nueva proyección, al incorporar elementos de música clásica y de jazz. Eran, también, días de notables avances desde el punto de vista tecnológico: nuevos y sofisticados teclados, como el mellotron y el sintetizador, permitían emular los sonidos de una orquesta y también crear nuevas texturas sonoras, que desafiaban el antiguo monopolio de las guitarras eléctricas como instrumento dominante del rock.

El períoso que va de 1973 a 1977 marcó paralelamente un salto evolutivo para el rock nacional, con la formación de varios grupos adhirieron a la movida progresivo-sinfónica. Surgieron bandas como Ave Rock, Madre Atómica, Om, y Aschábel, entre otras, que dejaron su marca en el circuito progresivo local, aunque su repercusión no haya trascendido el ámbito de los entendidos. Pero sin duda hubo tres grupos que tomaron la delantera en términos de logros musicales y de aceptación popular: Espíritu, Crucis, y Alas.

El trío Alas nace en la parte final de 1974, tras el alejamiento del trompetista y cantante Gustavo Moretto de Alma y Vida, banda que había sido pionera de la fusión jazz-rock en Argentina. Es entonces cuando Moretto concibe un nuevo grupo, para el que convoca al bajista y guitarrista Alex Zucker, que venía de tocar con Montes y de acompañar a Pedro y Pablo en el álbum Conesa y a Carlos Riganti, ex baterista de Materia Gris, banda que venía de registrar la obra conceptual Ohperra Vida De Beto en EMI.

Desde el vamos, Alas concibe una música de gran riqueza técnica, Un sonido elaborado que tenía como base los múltiples teclados de Moretto y que, en su temática, exploraba las posibilidades de la cruza del rock progresivo-sinfónico con elementos de tango y folklore. Entrevistado por la revista Expreso Imaginario, en julio de 1977, Moretto decía: ''al principio, lo único que nos propusimos fue formar un conjunto que sonara bien y que tuviera algunos aspectos nuevos, especialmente los arreglos. Luego llegamos a una conclusión de que, si bien no podíamos negar para nada lo que habíamos hecho hasta entonces, ni podíamos pasar por alto la música que en este momento mueve al mundo, teníamos que reflejar de alguna manera lo argentino''.


Alas tuvo un consagratorio debut en el teatro IFT de Buenos Aires y poco tiempo se embarcó a una breve gira por las principales ciudades del país, antes de su debut discográfico en EMI, producido en 1975, con un simple que contenía los temas ''Aire (Surgente)'' y ''Rincón, Mi Viejo Rincón''. 

A mediados de los 1976 aparecería el álbum debut de Alas, que llevaba el nombre del grupo cómo título del álbum. El larga duración estaba integrado por dos extensas composiciones, ''Buenos Aires Sólo Es Piedra'' y ''La Muerte Contó El Dinero'', divididas en varios sub-temas. n la primero predominaba una sensibilidad tanguera, mientras que la segunda estaba basada en un ritmo vidala. Moretto, por su parte, reconocía que el elemento folklórico estaba tamizado por el entorno urbano: ''Como ninguno de nosotros vive en el campo, lo más lógico era buscar un folklore de la ciudad que vivimos. Quisimos producir una música que fuera reconocible como perteneciente a Buenos Aires''.

Esa exploración musical que fuera una constante a lo largo de toda la carrera de Alas, sería llevada a nuevas dimensiones con la incorporación, como músico invitado, el bandoneonista Daniel Binelli. Además, en octubre de 1976, Alas se presentó con gran repercusión en el teatro Coliseo de Buenos Aires, acompañados por tres bandoneonistas: el propio Binelli, Juan José Mossalini y Rodolfo Mederos, quienes habían sido compañeros del primero en la orquesta del maestro Osvaldo Pugliese, adems de integrar el grupo de Mederos, Generación Cero.

Con el éxodo de Alex Zucker a Estados Unidos y su reempazo por un muy jóven Pedro Aznar (que venía de Madre Atómica) Alas habría de emprender un nuevo rumbo en su carrera. De su etapa musical, sin embargo, quedaba como testimonio este álbum debut, una de los hitos icuestionables del rock progresivo-sinfónico rioplatense. 

Reseña por Alfredo Rosso

Cod: #1228

The Joint - Freak Street (1967)

‘’The Joint’’ fue un grupo ingles, nacido en julio de 1967, creado por los miembros de la ex banda ‘’The Lonely Ones’’, por la cual habían pasado, Noel Redding, bajista de la mitica Jimi Hendrix Experience, Jim Leverton, quien luego tocaria con los Yardbirds , y Rick Davies, quien se haria famoso como miembro del Supertramp.

El grupo estaba compuesto por John ‘’Andy’’ Andrews en voz, Trevor Williams en guitarra y voz, Rick Davies en teclado y voz, Keith Bailey en batería, Martin Vinson y Steve Brass en bajo y Tony Catchpole en guitarra.

Durante la gira europea en 1967, la banda se junta con el guionista de cine David Llewelyn y el director y compositor George Moors, para grabar material para la banda de sonido de una serie de películas underground, en Múnich, Alemania, entre ellas “Jet Generation” y “Der Griller”, pero la banda se dividió en 1969 sin trabajos a su nombre.


La mayoría de las grabaciones de ‘’The Joint’’ se presumen perdidas, este lanzamiento, ‘’Freak Street’’, fue elaborado a través del descubrimiento reciente de una cinta perdida, de ¼ de pulgada, con grabaciones inéditas, lo cual lo convierte en una gema preciosa de la psicodelia perdida.

‘’Freak Street’’ consta de grabaciones varias, alboradas entre un rock psicodelico bastante ácido y desbocado, canterbury scene y rock proto progresivo, una fusión de gran nivel para su época, con un valor psicodelico y experimental muy alto,  y una fuerza de ejecución notable. Personalmente, destaco los temas más prog del compilado, ‘’Laura’s’’ o ‘’Turnstile’’, son piezas proto progresivas de lujo. Tambien es destacable ‘’Dinosaur’’, un rock acido alucinante.

La grabación a sufrido su descaste con el tiempo y por ente la calidad de sonido se ve un tanto afectada, pero la gran calidad musical de la banda hace que, después de 40 años, valga la pena recuperar el material.

Cod: #1090

20 oct. 2013

Flaming Youth - Ark 2 (1969)

Flaming Youth, catalogados como “an obscure British rock group“, fue un grupo británico , conocido mas que nada por que Phil Collins fue parte del mismo, entonces de 18 años de edad. La banda estaba formada por el tecladista Brian Chatton (19 de julio de 1948, Bolton , Lancashire , Inglaterra ), Ronnie Caryl en el bajo eléctrico y guitarra, Gordon Smith en la guitarra y el bajo, y Collins en la batería. Hacia el final del grupo, Rod Mayall se unió brevemente en el órgano.

El grupo lanzó un álbum ‘’Ark 2’’ , en 1969, antes de separarse. Un disco influenciado por la atención mediática de esa época en relación al tema de la “Era Espacial”, un álbum conceptual basado en una idea de posible evacuación de los habitantes de un casi muerto Planeta Tierra.

Si la banda hubiera sido más psicodélica, el sonido que hubiesen alcanzado se parecería al de ‘’Touch’’ (banda estadounidense, también proto progresiva, pero mas psicodelica), ya que también elaboran un sonido proto progresivo de alto despliegue y gran elaboración, aunque poco tienen de alucinaciones y viajes cósmicos. Flaming Youth arma un rock proto progresivo que se diluye más que nada en la mezcla de pop rock, toques de jazz, baladas, algunos sonidos sinfonicos y un condimento especial que es el de las grandes voces que aportan al sonido un condimento especial.


No es una obra icónica, pero creo yo que tiene su gran atractivo, por buenos momentos proto progresivos, por ser una obra un tanto osada que, y aunque no alcanzo un gran éxito comercial, aporta su sonido único, repleta de alucinantes coros y grandes melodías, un experimento pop proto progresivo, que deja algunas piezas atípicas pero increíbles como ‘’The Planets’’, y la alucinante pieza proto progresiva ‘’Weigthless’’. 

Hoy, Ark 2, sólo queda como el recuerdo de ser el primer trabajo de Collins pre-Genesis, y creo haber leído que él reconocía como su peor momento musical, aunque, si bien es cierto no es una gran obra maestra, este disco es mucho más real, natural o “sincero” que mucha de su actual música. 

Al disco le siguio la grabación de un single, “Man, Woman, and Child”. Aunque después de una breve gira, el grupo se disolvió. Collins y Ronnie Caryl audicionaron para Genesis el año siguiente, aunque Caryl no tuvo éxito. Caryl más tarde toco conCollins como guitarrista en sus giras en solitario. Collinstambién se mantuvo en contacto con Chatton, tocando en por lo menos una canción del segundo álbum de la banda Boys Don't Cry.

Cod: #1070

18 oct. 2013

Bubu - Anabelas (1978)

Daniel Andreoli, compositor de Anabelas, cuenta la historia de Bubu.
Para hablar de la génesis de Bubu, tenemos que situarnos en el tiempo y espacio.  Era una época muy creativa, no sólo en la música sino en el cine, en las letras, en la plástica… Éramos hijos de la generación del instituto Di Tella y teníamos un gran marco de referencia artístico, además de sentir el espíritu de libertad que uno respira a los veinte años. A esa edad nos conocimos con Jorge “Monin” Liechtenstein, quien por entonces era el baterista de Orion’s Beethoven. Con él nos juntábamos a tocar en su casa de Belgrano. Y ahí se fueron sumando Ricardo La Civita en flauta, Sergio Blostein en guitarra, Noel Reyes en violín, el futuro cantante y líder de Suéter, Miguel Zavaleta, en voz y más tarde Wim Fortsman en saxos.

Por ese entonces nos llamábamos Sion. Éramos muy jóvenes y la banda sacaba chispas; todos queríamos estar en el centro, pero había alguien que tenía la cabeza muy clara y sabía cómo se hacían las cosas, y ése era Wim. Un día me llevó aparte y me dijo: “mira, Daniel: esta música hay que volcarla en partituras, hacer un casting, empezar a a probar gente y que toquen los más idóneos.”

De todas maneras a esa altura el grupo original se estaba disolviendo por distintos motivos. Reyes estaba por irse a Estocolmo, Blostein trabajaba como músico profesional; en fin, cada uno estaba tirando para su lado. Entonces a Wim le cupo la tarea de armar el nuevo grupo, que fue Bubu.

Allí empezo un nuevo ciclo. Lo primero que se hizo fue buscar un lugar de ensayo y llamar gente. En ese mismo momento a mí me sale una beca del Collegium Musicum para profundizar mis estudios musicales. Yo tocaba el bajo en Bubu, pero ésta no era una música que se pudiese tocar sin estudiar varias horas al día: era necesaria una disciplina. Yo no quería perder la oportunidad del Collegium porque mi fuerte era la composición. Entonces, aunque me encantaba, tomé la decisión de dejar de tocar para dedicarme a componer. Hasta ahí había compuesto lo que es la primera par del disco de Bubu, “El cortejo de un día amarillo”, que contiene la “Danza de las atlántidas” y “Locomotora Blues”. Ya estaban las partituras individuales de los músicos y todo. Mi Rol de bajista lo cubrió Edgardo “Fleke” Folino y en lugar de Sergio Blostein entró el guitarrista Eduardo Rogatti, quien años más tarde tocaría con Juan Carlos Baglietto y León greco, entre otros.

Por su parte “Monin” fue suplantado por Eduardo “Polo” Carbella, ex miembro de los Pisk Ups y más tarde integrante de los Abuelos de la Nada, quien había tocado también conmigo cuando éramos chicos, ya que fuimos vecinos. Ingresaron Cecilia Tenconi en flauta, Sergio Polizzi en violín y continuó Miguel Zavaleta como cantante. De Miguel guardo un recuerdo muy especial, porque si no hubiese aportado todo su humor y toda su escenografía, hoy no estaríamos hablando de esta música. Tal vez todo hubiera terminado en una sala de ensato. Porque lo que atraía a la gente era una combinación entre la música de Bubu en sí y todo el despliegue que había sobre el escenario, y esto era un aporte innegable de Zavaleta.


En el tiempo en que compuse “Anabelas” yo era disciplinado. Era uno de esos chicos que se tomaban las cosas muy en serio, al punto que había sacado las persianas de mi habitación para que cuando saliera el sol me despertara, y ahí empezaba yo mi trabajo del día; tenía mucha convicción, mucha fuerza. En aquel momento estaba muy copado con Igor Stravinsky y Olivier Messiaen, pero básicamente escuchaba a King Crimson, cuya influencia se nota en Bubu.

Otra característica que nos diferenció fue que, en aquel momento, una banda se formaba así, primero se juntaban los músicos y después entre todos armaban las composiciones. Bubu fue al revés: Primero se hizo la música y después se empezaron a probar intérpretes. Y en eso tuvo mucho que ver la mentalidad y el empuje de Wim Fortsman de concretar las cosas, de llevar a cabo la obra.

Las composiciones de Anabelas las ensayamos febrilmente, todos los días. La batería era el instrumento más libre, porque yo consideraba que así tenía que ser. Pero ensayábamos las bases por separado. Bajo y batería por un lado. Después bajo, guitarra y batería. Y saxo, violìn y flauta por otro lado. Después se ensamblaban todas las partes. El mérito por el resultado obtenido fue de todos los músicos, ya que el esfuerzo y la entrega fueron totales. Y no era fácil, porque más de uno ya estaba casado y tenía hijos y esto no daba dinero.

Hubo un desgaste natural en la banda porque, si bien Bubu se presentó varias veces en vivo, la grabación del álbum se fue postergando más y más y eso contribuyó al deterioro grupal. 

Para colmo la salida del disco también sufrió una larga demora, de forma tal que cuando finalmente Anabelas aparece, en 1978, ya bubu prácticamente no existía. Ese desgaste que mencionaba tuvo mucho que ver con la salida de Zavaleta. Su relación con Wim a esa altura no era la mejor. Igual participó en dos sesiones de grabación, pero sintió que no podía continuar y decidió irse. Pero insisto: Miguel forma parte del alma de Bubu por más que el disco se haya hecho sin él.

A esta altura no quiero olvidarme de elogiar la labor de Petty Guelache, porque no era fácil calzarse los zapatos de Zavaleta y Petty, en un par de sesiones, metió las voces y lo hizo bien. Y también quiero mencionar a Daniel Grinbank –quien daba sus primeros pasos como manager- porque nos apoyó siempre y fue muy importante para el crecimiento de Bubu.

Viéndolo ahora, con la perspectiva que da el tiempo transcurrido me habría encantado que 
Bubu hubiese grabado un segundo disco, como estaba previsto en nuestro contrato pero, claro, ya el entorno social se había vuelto caótico. Varios de los músicos decidieron continuar sus carreras en el exterior, los que se quedaron se embarcaron en nuevos proyectos musicales y así la idea de continuar con el grupo se fue diluyendo poco a poco. Por mi parte, yo he seguido componiendo todos estos años y tengo una serie de trabajos que espero poder editar en un futuro cercano.

Nunca imaginé, en aquel entonces, que la música de Bubu obtendría el respeto del que hoy tiene en el circuito de rock progresivo internacional, donde se la conoce a través de ejemplares del viejo disco de vinilo, que ya es pieza de coleccionistas. Por eso me pone muy feliz que Anabelas finalmente aparezca en forma oficial en forma de CD.

Entrevista a Daniel Andreoli por Alfredo Rosso, enero del 2007

Cod: #1155

The Nice - The Thoughts Of Emerlist Davjack (1967)

The Nice fue una banda inglesa de rock progresivo, que comenzó a partir de los años 60s como grupo de acompañamiento de P.P. Arnold (P.P. Arnold Band). Se caracterizaban por su sonido único que fusionaba rock, jazz y música clásica, en una verdadera alucinación progresiva temprana, son recordados, además, por ser el grupo del que salió Keith Emerson, que tocaba los teclados, y era el mayor compositor y adaptador.

El grupo estaba constituido en sus principios por, el ya nombrado Keith Emerson, en los teclados, además de… Lee Jackson con el bajo y en las voces, Brian Davison con la percusión y a la batería, y David O'List (más conocido como "Davy") con la guitarra, guitarrista quien mas tarde se iria de la banda, quedando la misma cono un trio.

Su álbum debut, The Thoughts of Emerlist Davjack, fue lanzado en 1967, y al momento logró un gran éxito, a menudo se considera el primer álbum de rock progresivo, y el curioso titulo es la compresión de los nombres de los componentes de The Nice, Emer - O´List, Dav - Jack. En este trabajo, la banda desarrolla un rock proto progresivo devenido de la fusión de jazz y música claisca, llegando a momentos en los que deliberadamente se mezclan melodías clásicas en medio de pasajes progresivos frenéticos.

El álbum es bastante adelantado a su tiempo, en lo que a la progresión respecta. Se planta en gran parte en florituras y mixturas psicodélicas y pop típicas de la época, por momentos tambien… bien blues rock, pero en la elaboración desestructura cualquier conformismo y se encamina enérgicamente, desde el primer momento, hacia una mezcla abrumadora temprana de incursiones sinfónicas arrolladoras. 


La calidad de los temas es notable, desde el primero al ultimo se puede notar la inmensa calidad de los musicos, y la versatilidad para incluir cualquier condimento que se les cruce por el camino, proveniente de una banda  de músicos indiscutiblemente profesionales haciendo lo que les da la gana. Virtuosismo constante el que derrochan, donde se destaca la presencia de un Keith Emerson que ya nos deja claro los derroteros por donde quiere caminar en el futuro. Pero no solo brilla él, sino tambien la sección rítmica bajo-batería, en un derroche de facultades increíble, enfundan los temas de forma que ganan en potencia, resultando totalmente contundentes en sus desarrollos.

El sonido de The Nice, asi como el de Keith Emerson en general, siempre ha sido un tanto controversial, debido especialmente a sus fusiones de rock con música clásica, logrando, por ejemplo, el enfado de varios, por su versión de la canción "América", que compuso Leonard Bernstein para la pelicula "West side story", y que Keith la tocaba de forma espectacular, llegando a levantar el órgano entero mientras la tocaba, en un show de rabia. (sobre esa cuestión de el acting con el teclados y los movimientos frenéticos, tuvo mucho que ver ‘’Don Shinn’’, tecladista ingles, del cual el mismo Emerson declaro ser una de sus mayores inspiraciones.)

Al tiempo la banda se reduciría a un trio, eliminando la guitarra de su sonido, formación con la cual lanzarían mas discos, pero eso lo dejaremos para otro posteo.

Cod: #1033

16 oct. 2013

Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame (1971)

La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.

La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).

El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnucon el que se daría a conocer.

McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.

El primer álbum de la banda sería ‘’ The Inner Mounting Flame ‘’, lanzado en 1971 y compuesto por el mismo McLaughlin. En plena ebullición del rock y con el auge del progresivo, los nuevos estilos iban apareciendo como setas y empezaron a tenderse caminos hacia distintos fusiones hibridas que darían lugar a sonidos únicos e irrepetibles, John McLaughlin fue pionero de ese movimiento, ya desde sus primeros discos, llegando, con su Maravishnu Orquestra, a una fusion inédita para la época de Jazz y rock.


Dicho primer álbum, (The Inner Mounting Flame) en cuestión, es de la misma naturaleza, una fusión extraordinaria de jazz y rock, altamente dinámico y potente, ejecutado con una maestría impecable, que combina un jazz tomado de su fuente misma…, más expeditivo, libre y experimental, por influencia de. ‘’Bitches Brew’’ de Miles Davis , con un jazz prog y jazz fusion, al estilo Soft Machine, sumado a una dureza propia de la mano de McLaughlin, típica de los primeros intentos de fusión de la época, pero con un ímpetu que se volvería una marca registrada del género. El resultante de esto es una fusión mágica, que nace desde una plataforma espiritual innata, reflejada en su rock, que sobrevuela desde lo alto con un brillo autentico, desplegando sus ramas eléctricas por doquier, en un choque de maquinarias cósmicas…

El grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción "Noonward Race") hasta piezas más calmadas, como en el caso del tema ‘’ A Lotus On Irish Streams’’, donde la banda se compacta en un sonido distinto, aunque tal vez más profundo, impulsado por el maravilloso violín de Jerry Goldman, que parece querer imitar la belleza oriental (lotus) sobre una forma totalmente clásica y occidental reflejada por el piano (Irish streams).

Las influencias que ejercieron estos sonidos tuvieron su inmediata repercusión,  Santana quiso colaborar con McLaughlin tan pronto como lo escuchó prácticamente y las influencias en el King Crimson de los 70 es innegable.

En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.
Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuido por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.


El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).

Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Al frente de esta "nueva" Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra "real"), tocó en Barcelona, el 13 de julio de 1974, antes de convertirla en cuarteto y grabar el álbum de 1975 Inner Worlds.

Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.

En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en los saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en los teclados, y un miembro fundador,Billy Cobham con la percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún momento. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.

Cod: #1193

8 oct. 2013

Almendra - Almendra (1969)

Los cuatro integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román. De la unión de las bandas Los Sbirros y Los Larkings (formadas por compañeros de distintas divisiones) nació Almendra allá por 1967. Este grupo es considerado miembro de una trilogía inicial del rock argentino, junto a Los Gatos y a Manal.

El primer simple, "Tema de Pototo" / "El mundo entre las manos", fue lanzado en septiembre de 1968 y la repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos del beat de moda.

Los primeros shows fueron en Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. «Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos de lamé y corbatita. (...) Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas», relata Del Guercio (E.Abalos, pag 100).

En 1969 llegó la consagración, con innumerables presentaciones en vivo, entre las cuales sobresalen la temporada veraniega en Mar del Plata, el Festival de la Canción de Lima, Perú, y el Festival Pinap, organizado por la revista homónima. Todo este éxito los catapultó a grabar el primer LP ("Almendra", 1969) y, casi inmediatamente, el segundo disco, de doble duración, en 1970. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos. A fines de 1970, Almendra se disolvía. Una de sus últimas presentaciones fue en el B.A.Rock de ese año, ante 10.000 personas.

Almendra fue corta pero muy intensa -comenta Del Guercio-. Igual fue un corte medio abrupto para la gente, porque cuando nos separamos se estaba generando cada vez más adhesión hacia nosotros» (E.Abalos, pág 102).

Los historiadores del rock en Argentina convienen en aceptar que Los Gatos, Manal y Almendra constituyen los pilares del "Rock Nacional". Surgidos en un momento en que la música joven se llamaba "beat" (como lo prueba el título del 4to LP. de Los Gatos, "Beat Nº1"), sufrieron la influencia del pop inglés, el que, encabzado por los Beatles y Rolling Stones, terminó por desplazar del gusto juvenil la hasta entonces exitosa "nueva ola" representada por los miembros del Club del Clan.


 Si Los Gatos eran herederos directos del pop y Manal del blues, Almendra con sus bellas melodías y letras surrealistas porducía un impacto desde lo inusual de la tapa de su LP. Hasta la ausencia del artículo antepuesto al nombre del grupo. Los que no eran ni "los" ni "la", sino simplemente "Almendra" eran resultado de la decantación de grupos anteriores, Los Larkings,  Los Esbirros y Los Masters, donde -en un momento u otro- figuraron los integrantes del conjunto: Luis Alberto Spinetta, Edelmiro Molinari, Carlos Emilio del Güercio y Rodolfo García.

Una nueva generación de músicos desde la legendaria "Cueva" de la calle Pueyrredón, intentaba reflejar una realidad cotidiana ausente en la música popular desde el tango. Y tanto en Manal, Moris, Miguel Abuelo, Billy Bond, Tanguito, Alma y Vida, Vox Dei eran lanzados al mercado por el sello independiente Mandioca (creado por Jorge Álvarez a imagen y semejanza del Apple de Los Beatles), Almendra accedió a Vik, sello subsidiario de RCA Argentina que se preocupó de absorber a muchos de los artistas mencionados cuando los integrantes del Club del Clan terminaban de abandonarlo al ascender al pendaño de la consagración para grabar directamente con RCA Víctor.

 Almendra no pudo sustraerse a la confusión generalizada típica de los tiempos de transición. En tanto la prensa especializada comenzaba a hacer distinciones entre "música progresiva" y "música complaciente", el singles debut del grupo "Tema de Pototo" no lograba la difusión necesaria y adquiría notoriedad grabado por Lenoardo Favio. El segundo single, "Hoy todo el hielo en la ciudad" era también ignorado, en tanto se colocaba en los primeros puestos del ranking peruano gracias a la aparición de Almendra en el Festival de Ancón, representando a la música argentina.

La populariad de Almendra quiérase o no, llegó al igual que la de Donald, gracias a una publicidad televisiva,  cuando ''Muchacha (Ojos de papel)'' fue usada para promover una marca de telas, tal vez por la detección por parte de un creativo publicitario del verso ''muchacha , pies de rayón''  

A partir de allí, el público aceptó sin reparos la propuesta de Almendra obviando un particular manejo del lenguaje ''y el ave aquel'' (en lugar de ''y el ave aquella'', en ''Fermin'') o un conspicuo error de acentuación: ''Plegaria para un niño dormido'' o ''Figuraté, que pierdes la cabeza'' (en ''Figuración''), y muy probablemente productor de un ''yeiteo'' en inglés, idioma - como francés - predominantemente agudo en sus versos, así como el italiano es esdrújulo, en contraposición al castellano predominantemente grave. Esta muletilla marcó al ''rock nacional'' en su segunda generación, cuyo representante más notable fue Sui Géneris, hasta el advenimiento del ''Rock Argentino'', cuando a partir de Virus el castellano fue ingeniosamente aprovechado. 

Con el paso de los años, la poesía de Almendra ha mantenido su frescura y su vigencia convirtió al grupo en objeto de culto para las nuevas generaciones. Esta colección pretende devolver, en el formato del compact- disc, el legado muical de uno de los conjuntos más destacados del rock en Argentina.

Cod: #1205

6 oct. 2013

Billy Cox - Nitro Function (1972)

William Billy Cox, nacido el18 de octubre de 1941, en en West Virginia., EEUU. Es un bajista y guitarrista estadounidense conocido por haber tocado junto a Jimi Hendrix. Nació en West Virginia.

Conoció a Hendrix a principios de los 60 durante el servicio militar en Fort Campbell. Juntos formaron su primer grupo musical: King Casuals. Después de recorrer distintos caminos durante unos años, en 1969 se cruzaron nuevamente en la banda de rock psicodélico Band of Gypsys.

Al igual que el flaco Spinetta, que luego de la disolución de Invisible y al alejarse de Pomo Lorenzo, salió a buscar un nuevo baterista, con igual de talento, y como no lo encontró, tuvo que usar maquinas de percusión para reemplazar gran calidad técnica del músico, bueno, en este caso Billy Cox, tras la muerte de Hendrix, salió a buscar un guitarrista del estilo de su amigo, pero en cambio encontró a una guitarrista, Char Vinedge (que comenzó en la década de 1960 como guitarrista / cantante con un grupo de chicas Las Tremolons y posteriormente con Luv'd Ones), y no estoy seguro de que ella toque como Hendrix, pero sin duda esta en el mismo estilo y por eso congenio tan bien con Cox. Robert 'Tarp' Tarrant se uniria a ellos en la bacteria, formando un power trio, el cual grabaria este fenomenal trabajo, producido por el hermano deKenny Rogers, Lellan. 


‘’Nitro Function’’ es un álbum clásico del genero, un álbum de blues rock psicodelico, heavy, acido y medio funky, repleto de fuzz y grandes piezas duras y medio oscuras, que se desarrolla de forma más bien lineal. Ya es la guitarra de Char Vinedge la que le imprime al sonido una rasposa acides, desde la guitarra y la voz, y el bajo de Cox que resalta en la base de los temas.

Es un trabajo con un gran nivel, muy buenos temas, un gran cover de ‘’You Realy Got Me’’, y una base instrumental muy buena, sumado a que es un disco, en parte, tributo a Hendrix, por lo que resalta la influencia que Jimi le dejo a Cox, en el implemento de Wha-wha, fuzz y la dureza en la composición, lo que termina de equilibrar cualquier carencia que pudiera tener el sonido por momentos. Me parece como que hubiera una atmosfera un poco oscura en el sonido general, lo que le da un toque más psicodelico, sumado al sonido mismo del disco.

                                             Cod: #1041

3 oct. 2013

After All - After All (1969)

Esta banda, nacida en Tallahassee, Florida, es otro ejemplo de una agrupación pasajera y cuasi circunstancial, de la cual tampoco se sabe demasiado. La banda vio la luz en 1969, durando apenas unos meses juntos, se formó por el esfuerzo en conjunto de 4 músicos veteranos, amigos entre sí, proveniente de distintas bandas de la escena musical de la zona.  La banda estaba formada por el baterista Mike Elllerbee, el tecladista Alan Oro, el bajista Bill Moon y el guitarrista Charles Short.

La agrupación graba solamente un álbum, el homónimo ‘’After All’’ a lanzarse en 1969. El baterista y vocalista principal, Ellerbee, escribió la mayor parte de la música y las letras, las cuales escribió con gran ayuda de Linda Hargrove. Las canciones son básicamente de forma libre y se desarrollan entre un jazz rock, con toques progresivos y mezclado con una amplia variedad de sonidos como por ejemplo de rock latino, pop, blues (acercándose a sonidos cual The Doors), heavy psicodélica,  psicodelia, etc., mientras una nube alucinatoria un tanto oscura se cierne sobre el álbum, dándole una extraña sensación surrealista…


El sonido propicia muy buenos momentos, es un trabajo un tanto arriesgado por la ambiciosa mezcla que lleva a cabo, y de la cual por momentos no se llega a un puerto del todo agradable, aunque por otro lado alcanza grandes momentos, por lo general una amalgama acoplada, explorando un territorio similar al de bandas más conocidas como Procol Harum o Blood, Sweat & Tears, el típico sonido post psicodélico, que denota la transición de la época… de los multicolores psicodélicos que dan paso a sonidos progresivos, 

Como amante del funky me ha gustado mucho el tema ‘’Let It Fly’’, como amante del jazz me ha gusta mucho ‘’Blues Satin’’ y ‘’Nothing Left To Do’’ y como amante de sonidos prog me ha gustado mucho ‘’Intangible She’’, y el resto de los temas no se quedan atrás tampoco…

Después del lanzamiento del álbum de Athena Records, los instrumentistas regresaron a Florida y tomaron posesión de sus respectivas carreras de nuevo. 

Cod: #1194
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