30 sept. 2013

Warren S. Richardson Jr. - Warren S. Richardson Jr. (1969)

Este es un muy buen grupo americano, nacidos en Arizona, se trata más bien de un grupo ocasional que se formó en torno al guitarrista y cantante Warren S. Richardson Jr, y es de hecho un grupo bastante extraño, ya de ante mano el nombre del autor, ‘’ Warren S. Richardson Jr’’, se trata de un pseudónimo, ya que su nombre es Bill Spooner (fundador previamente del grupo ‘’The Tubes’’), además de la falta de registros oficiales en las discografías, e incluso los músicos que participaron de la grabación se negaron a admitir su participación.

En 1969, bajo ‘’Cotillion Records’’, lanzan su único trabajo, el homónimo ‘’ Warren S. Richardson Jr’’. A Spooner en este trabajo lo acompañan David Birkett en bajo, Mickey McGee en bacteria, Owen Eugene Hale en saxo, Richard Lewis en teclados y Joseph Ray Trainer en saxo.

Es un trabajo solista, de la autoría del mismo Bill Spooner, quien conto con el apoyo del guitarrista Michael Condello, este ultimo además ayudó en la producción del disco, devolviendo el favor recibido, ya que el mismo Warren S. Richardson Jr  lo ayudó años mas tarde (1967) en la grabación de su disco ‘’Condello’’.


Este es un disco de blues rock y hard rock psicodélico, donde se ofrece una buena serie de rock fuzzeros más que interesantes y frescos, bien improvisados y con grandes voces, sonido típico de finales de los 60s, momento en el que Hendrix no era sólo un ídolo, sino también un modelo a seguir. 

Las estructuras no explotan, giran en gran medida dentro de un blues rock repetitivo, pero son las buenas voces, buena performance de los musica y alucinantes improvisaciones psicodélicas las que saben resaltar y darle aire al disco, como en el gran tema ‘’Wind And Rain’’.

Cod: #1135

23 sept. 2013

M.I.A. - Transparencias (1976)

Músicos Independientes Asociados (MIA) fue una cooperativa de músicos que surgió en 1975, llegó a tener alrededor de 60 personas, la cooperativa producía sus propios recitales y grabaciones y se mantenían fuera del circuito comercial, todo ello los convirtió en los procursores del rock independiente en nuestro país.

El embrión básico de la cooperativa nació de un trío formado por A. Muñoz, Liliana y Lito Vitale (quien por aquellos años solo tenía 12 años), a ellos se le fueron sumando el resto de los integrantes. Su segundo disco "Mágicos juegos del tiempo", centraba su argumento en la vida de un personaje imaginario llamado Juliana Gabina, desde niña hasta su adolescencia. Los integrantes de MIA también enseñaban música al público en general, lo que les acercaba algún dinero extra.

En total pasaron por MIA alrededor de 50 músicos o muchos más. Muchos de ellos lograron editar sus propias placas solistas en la pequeña discográfica. Bajo la denominación de MIA se lanzaron cuatro discos. La particularidad del caso es que en los recitales se les hacía llenar unos formularios a los presentes, para mantenerlos informados de las novedades a través de un mailing, y también venderles los discos por suscripción, de forma anticipada.


Este álbum denominado Transparencias, es el primer disco de M.I.A. (músicos independientes asociados) un disco muy recomendable y tranquilo que se asemeja al rock sinfónico, instrumentales y de muy largas duración, hay mucha versatilidad en los músicos, también han pasado muchos músicos por esta ''banda'' y la verdad es muy interesante. Muy muy recomendable.

En su tercer disco Cornonstipicum la banda ensaya una forma de producción inédita, su publico financia la obra mediante el pago de "vales de producción" que equivalían a el pago del disco por adelantado, que es entregado en un show especial que realiza la banda.

Pese a su larga trayectoria, es recién en octubre de 1979 cuando el grupo realiza su primer gira por el interior de Argentina, en la que presentan su disco triple "Conciertos" grabado en vivo, que fue muy bien recibido por la critica especializada de la época.

A lo largo de su carrera MIA editó buenos discos y demostró su capacidad de incursionar en extrañas melodías llenas de lirismo. El grupo dejo de funcionar como tal en 1982.

Cod: #1054

21 sept. 2013

Kraan - Kraan (1972)

Ya era hora de que Kraan llegara hasta mis costas, lo venía posponiendo desde hace tiempo y no pudo esperar más. Esta es una formidable y prolifera banda de jazz rock, considerada una de las más importantes de su país natal, Alemania, y una de las principales dentro de krautrock. 

Kraan se formó en Ulm (sur de Stuttgart) en 1970, sus orígenes musicales tienen lugar en el jazz rock experimental, totalmente improvisado, sobre todo instrumental, de hecho todos los miembros tenían sus orígenes e influencias en bandas de free jazz. Johannes "tall" Pappert por su parte tenía una pasión por el soul, pero llegó a Kraan directamente como una banda de rock. Es sobre todo un grupo instrumental orientado a la música de fusión, ya que con gran habilidad mezclaron elementos de jazz, funk, psicodelia, música oriental y progresivo para crear un estilo musical inconfundible e inimitable dentro del krautrock. 

En 1972 registran su álbum debut, el homónimo ‘’Kraan’’, para dicha ocacion la banda estuvo formada por Jan Fride en bateria, Hellmut Hattler en bajo, Johannes Pappert en saxo y Peter Wolbrandt en guitarra y voz. Este notable trabajo fue grabado en tan solo tres días, en el Studio 70 de Munich y contiene el sonido vital de la banda. En si no es muy extenso, cuenta con tan solo 5 temas, aunque vale hacer la salvedad de que son temas sesión, de hecho uno de ellos alcanza una duración de 18 min., el alucinante ‘’ Head’’, que junto a ‘’ Kraan Arabia’’ (otro tema del disco) constituyen piezas formidable, de impecable calidad y alucinante sonido fusión…


En realidad, todo el disco es así, un krautrock realmente alucinante, jazz rock fusión inmerso en un krautrock exploratorio (por momentos recuerda mucho al Steve Hillage del disco ‘’Fish Rising’’), un auténtico viaje de sonidos fusionados… altamente lucido y con un agradable toque heavy en el sonido, que se sumerge, desde algunas fusiones elementales con sonidos orientales y rock prog, en sesiones muy bien equilibradas, plagadas de solos y pasajes muy agradables. La elaboración es realmente notable, el grupo funciona de manera compacta y con una gran performance, para que sea el guitarrista, el más elogiado, por la complejidad de las distintas secciones de los temas, que son llevados principalmente por la guitarra, y por el gran desempeño del mismo en los solos y la versatilidad en los cambios de ritmo, denotando así una gran técnica. El saxo también se lleva su buena parte del crédito, aportando su sonido hipnótico y profundo en varias partes, recordando a su vez a sonidos de ‘’Xhol Caravan’’ o ‘’Soft Machine’’.

Esta edición del disco trae también algunos "bonus", que son demos de cuatro de los cinco temas presentes en el disco original.

Sus dos siguientes álbumes, Wintrup (1973) y Andy Nogger (1974), fueron similares en el estilo y vendieron muy bien, logrando una buena repercion en los escenarios alemanes, en los cuales además detacabas por sus grandes actuaciones llenas de improvisaciones.

En 1975 Kraan hizo dos viajes al Reino Unido y también apareció en el festival de Roskilde de Dinamarca en julio, ahora con  un quinto miembro: Ingo Bischof, quien anteriormente había sido miembro de Karthago. Despues de varias giras juntos, en 1976, Johannes Pappert  abandona la banda para abocarse en su carrera solista, mientras la banda (Kraan) seguiría junta hasta finales los 80s inclusive. Después de una pausa de diez años, el grupo se reunió en 2000, lanzando 4 discos mas, hasta la fecha cuando todavía permanecen en acción…

Cod: #1164

9 sept. 2013

Morning Dew - Morning Dew (1967)

Morning Dew se formó a partir de los restos de una banda folk-rock llamada The Toads. Dos singles tempranos ''No More'' y ''Be a Friend'' fueron éxitos locales en 1967 y el grupo se firmó a la etiqueta de la ruleta de Morris Levy a prinpicios de 1969, por la que cortaron un álbum de material antes de la disolución de ese mismo áño.

Es un grupo del que no existe mucha informacion y su disco y singles son muy dificiles de conseguir. Esta edicion contiene su unico LP en Roulette aparecido en 1970-1971 junto con sus singles de 1967 y sesiones ineditas de 1968. Disfruta de este increible grupo de corta vida y con un sonido y canciones que te cautivaran.

Se reeditó una colección en formato CD y engranaje del Fab ha lanzado el popular como ''Sing Out'' de sus últimas sesiones en 1968 no emitidas. No hay mucha información de esta banda pero sé que la banda duró muy poco tiempo en el rubro de la música.


El LP homónimo 'Morning Dew', de 1967,  tiene un sonido distinto, sino que fue el comienzo de la fase psicodélica de la música rock. Y eso es con firmeza en su lugar en el registro. Según la contraportada del LP fue lanzado en 1971 en Gran Seven Music. Hay momentos de un sonido de metal pesado, pero muy pocos. La paz, flores, y el verano de influencia amor abunda en la mayor parte de este disco. Echa un vistazo a la portada, esta pareja parece que como que están retozando en los campos de Woodstock. 

Es todo muy buena música rock, de hecho, este es un álbum sólido, sin uno de usar y tirar en toda la grabación. El estilo musical se mantiene constante en todas partes con la excepción de una sorpresa, el tema de cierre "Epic: The Mann/Death Is A Dream," que comienza con una guitarra flamenca española y luego se lanza a uno de sus ejes de balancín, es un paso de la norma y un cambio agradable mostrando cómo la banda era lo suficientemente talentoso como para entrar en una dirección completamente diferente. En su mayor parte, el folk, rock y sonidos psicodélicos son los que dominan este disco, y un buen balance se gestiona con voces masculinas y femeninas por turnos. (Revisión por Keith Hannaleck de progressiveword.net).

Cod: #1088

3 sept. 2013

Om - Om (1971)

'Om' fue una banda española, pionera en sonidos progresivos encaminados más hacia el jazz-rock y las composiciones sobre ese género. La banda fue fundada por prestigiosos músicos españoles, como el guitarrista Toti Soler y el teclista Jordi Sabatés…

Om lanza su primer y único disco en 1971, el homónimo “Om”. El álbum fue grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971 en los estudios Gema contando con el propio Toti Soler como productor. En esta grabación Om estaba compuesto por el bajista Manolo Elías, Peter Hodgkinson a la batería, Martí Soler, hermano de Toti, a los teclados y percusiones, Toti con la percusión y las guitarras, Romà Escales a la flauta, Jordi Sabatés al piano y Jordi Llorens con los metales. Además contaron con colaboraciones puntuales como la del contrabajista Alfonso de Lucas, futuro componente de Jarka, junto con Jordi Sabatés y Pedro Van Eeckout, que también tocaría la batería en este disco y que provenía de Pan y Regaliz.

El sonido jazz rock español ya tenia un precedente, ya que la banda ‘’Maquina!’’ lanzaba ya un año antes su álbum debut ‘’Why?’’, obra pionera que introdujo en España sonido fusión y ayudó a levantar el estatus del underground, ya que partia de unas estructuras similares a Om, la fusión del rock con elementos progresivos y jazzísticos y una marcada psicodelia. Aunque Om por su parte, se deja llevar mas por improvisación, en una clara influencia del free jazz y de Miles Davis.

El disco es un trabajo más que nada improvisado, una obra de jazz-rock bastante psicodelico y experimental , con toques progresivos, que alcanza por momentos unos buenos pasajes experimentales, a los cuales llegan mediante sesiones de improvisación, de hecho gran parte del sonido es así.

Originalmente el disco solo contaba de dos tracks, que contenían todas las grabaciones, dos temas por lado, siendo cada tema un viaje de ida, una exploración que alcanza momentos psicodélicos bastante surrealistas… manufacturados por los mismos instrumentos, y alcanzando hasta ciertas mixturas kraut, y otros momentos en los cuales la banda desarrolla pasajes de jazz rock más clásicos, bien sutiles, con solos de guitarra y saxos, por momentos recuerda al sonido del Miles Davis de principio de los 70s, netamente experimental y de sesión.


La cara B del disco se abre con “Zitro's ache”, el corte más denso, vibrante y experimental del álbum, en el cual la banda introduce como elementos novedosos los teclados, el crótalo y el violoncello para darle al tema un aire asfixiante. Representa el lado más libre de Om. Y para finalizar el álbum nos encontramos con “Excusa num. 1” donde el grupo da a su particular sonido un toque más psicodélico. En la edición que compartimos aquí, se incluyeron dos temas bonus, donde se puede escuchar un costado mas funky de la banda, en otras grabaciones de estudio…

Según Toti Soler el álbum es un ensayo improvisado, que está grabado con prisas y no es representativo del sonido del grupo en directo, pues con todo y con eso el disco es uno de los mejores de dicha escena, y es que hay veces que no hace falta mucha preparación, sino dejarse llevar por las sensaciones para lograr una grabación notable.

En septiembre de ese mismo año lanzan el single “Vindrà la Llum / Waiting of Godot” (Edigsa, 1971). En estos dos temas Om incorpora como miembros definitivos tanto a Alfonso de Lucas como a Pedro Van Eeckout. Para su grabación contaron con la ayuda de Xavier Batllés a los bongos, Francesc Pi De La Serra con las maracas y las voces como Rafael Poch, que también participó como ingeniero y a las percusiones, y Xavier García con la trompeta.

Finalizando el año Om se vuelven a meter al estudio de grabación para dar formar a su segundo disco que se hubiera llamado “La Mariposa de la Muerte”, en cuya sesiones se encuentran Paul Stocker al saxo, Manolo Elías al bajo, Peter Hodgkinson a la batería y los hermanos Toti y Martí Soler a las guitarras. Pero estas grabaciones nunca vieron la luz por lo que después de una breve reaparición al año siguiente se disolvió la formación.

Posteriormente Toti Soler se centró en su carrera en solitario al igual que Jordi Sabatés. Pero antes Jordi montó el grupo Jarka, donde también participaran Alfonso de Lucas y Pedro Van Eekout. Manolo Elías sigue vinculado al mundo del jazz colaborado con gente como por ejemplo el danés Kai Winding, mientras que Paul Stocker siguió colaborando con músicos de la escena barcelonesa como Orquesta Mirasol, donde también se encontraba Xavier Batllés u Ovidi Montllor.

Cod: #1083

2 sept. 2013

Manal - Manal (1970)

Cada vez que se hace referencia a Manal se los menciona como "grupo fundacional" del rock argentino, junto a Los Gatos y Almendra. Originariamente bautizados Ricota, este trío interpretaba un blues marcadamente influenciado por Cream (el grupo de Eric Clapton) y se presentaban casi diariamente en La Cueva.

Ante varios rechazos de demos, fue necesario que Jorge Alvarez (un famoso productor de la época y amigo de la banda) creara junto a Pedro Pujó su propia compañía discográfica (Mandioca) para que Manal pudiera sacar el primer simple: "Qué pena me das" / "Para ser un hombre más" (1968).

Las primeras presentaciones del trío tuvieron lugar en la sala Apolo (donde funcionó luego el cine Lorange). Junto a la primera formación de Los Abuelos de la Nada tocaron en Mar del Plata en el verano de 1969. Pappo participó como segunda guitarra por algunos shows. El segundo simple fue "No pibe" / "Necesito un amor". La consagración fue el Festival Pinap, organizado para fines de 1969. Ese año la banda se había presentado casi a diario, con lo que habían logrado una justeza instrumental admirable. ''Fue el día más glorioso de mi vida artística -recuerda Gabis-. A Javier se le rompió la batería, a Alejandro se le rompió el bajo, a mí se me rompió no se qué, pero seguimos tocando y la gente deliraba. Terminamos los tres cantando en un micrófono: Alejandro con la guitarra, Javier con los palillos y yo con la armónica y la gente delirando. Manal se consagró ese día, se hizo un grupo grande. Ese día entró a la historia'' (E.Abalos, pág 70).

Con "Manal", su primer LP (1970), rompió con el tabú que no se podía hacer blues y rhythm & blues en castellano. "Jugo de tomate" y "Avellaneda Blues" son una prueba de ello.

Una gran oferta de la RCA convenció a Martínez de emigrar a una discográfica "comercial", y fracasaron con el segundo disco, "El león" (1971), que no produjo la misma sensación que el anterior. El sonido se volvió más rockero, dejando de lado el tono blusero anterior. Ya las diferencias entre los miembros de la banda eran indisimulables. Martínez desaparece durante un tiempo y luego, deciden que lo mejor era disolverse.

Ante el éxito obtenido por Almendra y su retorno tantos años después, Manal siguió el mismo camino, en 1980. «Todo lo inició Almendra - recuerda Alejandro - Los productores decidieron que si ellos se reunían, Manal tenía que hacer lo mismo, y así fue que nos llamaron (...) La reunión fue buena por que sirvió para levantar el movimiento del rock and roll. Demostramos muchas cosas...'' (F.Blumetti / C.Parise, pág 23). Realizaron cuatro presentaciones en Obras, editaron el LP "Reunión" (1981) con material nuevo, giraron por las ciudades más importantes del interior del país para culminar nuevamente en Obras con "Chau Manal", recitales que fueron posteriormente editados como "Manal en Obras" (1981).


El grupo apareció fugazmente en el panorama local en agosto de 1987, bajo el mando de Javier Martínez, pero con Aldo Yacomino en guitarra, Jorge Iacovelli en batería, Jorge Szayso en teclados y saxo y Luis De León en bajo.


''La idea es formar un nuevo Manal, que no sea un mero revival. Que mantenga el espíritu del viejo Manal, pero que tenga constancia, que perdure en el tiempo'', anticipó Martínez ante el inminente segundo regreso "oficial" de Manal (Clarín, 02/08/94). Al baterista y a Medina se le sumaron Claudio Rodríguez en guitarra y Carlos Vidal en teclados. «Gabis tiene otros objetivos», remató. En agosto de 1994 se presentaron con todos sus viejos éxitos en la discoteca The Roxy. Casi un año más tarde se conocería la versión del guitarrista original: «En realidad, estamos distanciados (...) la última vez que volvió Manal ni me llamaron, y yo tenía muchas ganas de estar ahí con ellos» (Clarín, 21/06/95). Lo concreto, es que Martínez tampoco fue invitado a participar de La Selección que Gabis armó junto a Medina, Charly García, Andrés Calamaro, León Gieco y otros.

Una mano con tres dedos. Una guitarra y un bajo conectados a un par de amplificadores, una batería ajustada, ningún sospechoso en la sala: eso basta para tomar contacto con Manal, arder por adentro y orbitar alrededor de nosotros. En los estudios TNT, escuchamos con atención.

Llevan varias horas de grabación y varios registros del mismo tema que ninguno de los tres se anima a descartar. Alejandro regraba Informe de un día con el bajo distorsionado; logra un timbre distinto, realmente embriagador. A quienes lo recuerdan de sus primeras épocas, cuando integraba Los Seasons, les parece que sea imposible que sea el mismo que está condimentando Avellaneda Blues. Ahora su técnica parece más que suficiente.
Su tempo, muy sólido.

Pero Javier vuelve a aullar en los parlantes: "Y yo estoy aquí tan tranquilo/ revuelvo mi pelo me miro los pies/  Ellos están ahí/ no sé cómo los puedo ver sin mirar". La primera voz del trío se tironea el bigote y apronta a disparar Jugo de tomate frío con su voz negra, intensa. Mientras la nueva horneada de bateros se enrola en la nueva línea soul fluida (vía Estados Unidos o Inglaterra), él insiste en explorar los recursos inéditos del bombo, marca el beat en el redoblante, contragolpea con mucha frecuencia en los tontones. Preciso, con una mano izquierda muy libre subraya los reef, imprime en su golpeteo un swing propio del jazz. 

Luego, cuando el play-back de Avenida Rivadavia destaca la labor de Claudio, se notan las direcciones de su guitarra virtuosa: jazzística ortodoxa, bluseada no excesivamente rigurosa. En ambos casos, solvente cien por cien. Adentro de la cabina, unos cuantos -técnicos y amigos- gozan por las caras iluminadas: ahí, en ese blues urbano, pariente del de Chicago, está el verdadero estilo de Manal. Una casa con diez pinos brota luego:una canción lenta pero recia. Todo el día me pregunto: el blues más blues del LP. 

De regreso, pienso en la depuración del conjunto, en el espectro de ritmos que abarca -del hard-rock al soul, del beat más rabioso al blues más sentimental-, en sus fraseos delirantes y exactos, en acordes dolientes pero vitales. Y anoto: spirituals porteños, el sonido de una generación que quiere crecer.

Código: #1024

1 sept. 2013

Embryo - Opal (1970)

Embryo es un grupo de Krautrock, un colectivo musical con sede en Munich… considerado una de las bandas más originales e innovadoras del género. Fue fundado en 1969 por el multiinstrumentista Christian Burchard (batería, vibráfono, santur, teclados), el cual tenía una formación mas clásica dentro del jazz, y Edgar Hoffmann (saxo, flautas). 

En 1970, con Burchard en la batería, Hofmann en el saxo, Ralph Fischer en bajo, y el guitarrista de Ten Years After, John Kelly, Embryo dio a luz a su primer álbum, ‘’Opal’’. Un trabajo de krautrock, grabado en dos días, caracterizado principalmente por su sonido jazz rock psicodelico, exclusivamente instrumental, que recuerda mucho a los primeros sonidos de Amon Duul II o Xhol Caravan, quizas el trabajo mas experimental de la banda...

Las distintas formas y composiciones se hacen presente en las sesiones acidas de jazz, un tanto volátiles y hasta con un sonido medio garagero… un tanto suave, que fluye por atmosferas netamente improvisadas, denotando así la influencia jazzística de la banda. Por momentos el sonido se vuelve medio extraño, con una electricidad pegajosa, como en el tema ‘’Glockenspiel’’, pero si ya están familiarizados con las rarezas del Krautrock esto no será problema muy grande, después de todo, sabemos que dentro del género casi no hay nada (quizá nada) que suene normal y/o convencional. 


Todos los temas son experimentales, con bases de bajo rebuscadas y alocadas (cual Capitan Beafheart), guitarras sonando de fondo como si de un eco se tratase, improvisando y jugando a la par del saxo que también juega un rol de improvisación. Algunos temas se vuelven un poco mas ‘’centrados’’ y se agarran un poco más a bases ya preestablecidas, ‘’Call’’ y ‘’End Of Soul’’.

Embryo derivó desde el Krautrock jazzístico hacia la llamada música del mundo. Muchos de sus álbumes se fraguaron durante viajes en común por 4 continentes. La banda tocó en numerosos festivales en distintos lugares del orbe: en la India (Festival de Jazz de Bombay en 1979), Inglaterra (edición de 1973 de los festivales de Reading y Leeds), Nigeria (Festival de Jazz de Port Harcourt en 1987), Japón (Wakayama en 1991), y un largo etcétera.

Hasta hoy, han tocado con el colectivo más de 400 músicos. Algunos, como Charlie Mariano, Trilok Gurtu, Ramesh Shotham, Marty Cook, Yuri Parfenov, Alan Praskin, X.Nie,Nick McCarthy y Mal Waldron, lo han hecho en numerosas ocasiones. Miembros habituales del grupo han sido Edgar Hoffmann (saxo, flautas, violín), Dieter Serfas (batería), Roman Bunka (guitarra, laúd árabe), Uwe Müllrich (bajo), Michael Wehmeyer (teclado), Chris Karrer (guitarra, violín, saxo), Lothar Stahl (marimba, batería) y Jens Polheide (bajo, flauta).

En julio del 2008, Embryo recibió el Premio Alemán de la Música del Mundo RUTH 2008 durante el TFF.Rudolstadt Festival, un certamen de músicas tradicionales, de raíz y mundial que se celebra todos los años en julio en esa ciudad de Turingia. 

Cod: #1166
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