30 ago. 2013

Relatively Clean Rivers - Relatively Clean Rivers (1975)

Hay escasa información de esta delicia de banda creada por uno de los hombres psicodélicos Phil Pearlman, proveniente de The Beat Of The Earth y de The Electronic Hole. 

Si vamos a comparar sus dos bandas anteriores, esta es la banda más folk y menos instrumental que las demás. ¿Por qué? Simple, porque esta banda tiene más letra, más instrumentos (quizá) y no es tan electrónica cómo en sus dos bandas y álbumes anteriores. 

Se podría decir que Relatively Clean Rivers es bastante similar a Grateful Dead en cuanto a toda la música en sí, ya que en mí, esas dos bandas me dan una tranquilidad tremenda, y los une el mismo género. También se podría decir que tiene un poco de parecido con Creedence Clearwater Revival, o ya alejandonos más, un poco de Mark Fry, bandas o solistas folk, y folk psicodélicos también. 

Aunque no en todos los aspectos tiene de parecido esta banda con otras, en varios temas se parece a una banda y en otros, a otra. Por ejemplo en Hello Sunshine, tiene un bastante parecido con Country Joe and The Fish o en la canción The Persian Caravan se asemeja un poco a Jefferson Airplane o Crosby Stills y Nash. 

Ahora vamos con un poquito de biografía de Phil Pearlman, el creador de esta maravillosa banda y álbum. Phil Pearlman es un músico estadounidense quien se destacó dentro de lo más underground de la escena psicodélica de la costa oeste durante finales de los 60′s hasta mediados de los 70′s. Con grupos como the Beat of the Earth, the Electronic Hole y Relatively Clean Rivers se hizo notar gracias a su talento musical que creó grandes maravillas del rock ácido y el folk psicodélico, que hoy son grandes joyas de la escena West Coast.


Phil Pearlman había salido de una banda de surf de principios de los 60′s llamada “the Flakes” con miembros que futuramente serían Wildfire (un power trio heavy psicodélico), en 1967 bajo producción independiente, Pearlman junto a su comuna hippie, nombra a su banda “the Beat of the Earth”, grupo que manejaba un estilo conceptual del rock ácido de la costa oeste de Estados Unidos, el cual según Phil “quería revivir los sonidos primitivos de lo que hoy conocemos como Música” y graban un solo disco titulado “the Beat of the Earth”, que efectivamente, manejaba algo conceptual, experimental, atrevido, innovador, rural, ruidoso, drone, improvisatorio, psicodélico y bizarro.

Pearlman era el típico hippie que consumía cosas naturales, era vegetariano y no se metía drogas (aunque hiciera el disco más pacheco de esos lares), pues su primer larga duración nos muestra un rock ácido que al mismo tiempo de que es rural, es conceptual y todo lo que dije allá arriba, pues nos presenta un álbum lleno de largos jams basados en muchos instrumentos como órganos, guitarras, gritos, cítaras, ruidos, efectos psicodélicos, cantos y tambores.

Según muchos es la respuesta de la costa oeste a los Velvet Underground que eran originarios de Nueva York (de la costa este), los cuales practicaban un estilo similar, solo que más eléctrico, este se podría considerar como uno de los primeros ejemplos del “noise rock” justamente por la descripción de allá arriba.

Cod: #1063

Dave Pike - The Doors Of Perception (1970)

David Samuel Pike (nacido el 23 de marzo 1938 en Detroit ) es un vibrafonista de jazz. Aprendió batería a la edad de ocho años y es autodidacta en el vibráfono. Él también ha tocado marimba, en particular con Herbie Mann. Lionel Hampton, Milt Jackson, y Cal Tjader eran primeras fuentes de inspiración para él.

Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

 Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. El álbum mejor considerado de Dave Pike podría ser su ‘’Bossa Nova Carnaval’’ de 1962 . Tiene ademas varias otras obras donde inspira en el jazz brasileño, jazz latino, o ‘’world music’’.


A finales de 1960, la música de Pike se volveria más exploratoria, trabajando más con voces y sonidos. En 1970 lanzaría ‘’The Doors Of Perception’’, un trabajo un tanto oculto y a la vez exótico y experimental, producido por Herbie Mann y grabado por Dave Pike y su grupo de all-stars como Lee Konitz, Eddie Daniels, Don Friedman, Chuck Israel, y Arnie Wise. En este trabajo (grabado quizás ya en 1966) se emplea cierta búsqueda acida y experimental, que no es deliberada pero es marcada y característica. 

El sonido es de jazz, jazz psicodelico, free jazz, baladas medias melosas, y en todo ello se liberan sonidos y algunos efectos que le dan un toque acido a las sesiones. Lamentablemente el disco consta solamente de 5 temas, y dos de ellos apenas pasan de los 3 min., me queda un poco la sensación de queres escchar un poco mas, tendre que investigar mas sobre David Pike a ver que encuentro.

Cod: #1195

28 ago. 2013

Don Shinn - Takes A Trip (1969)

Don Shinn (nacido Donald Shinn , 15 de diciembre de 1945, Southampton , Hampshire) es un tecladista Inglés, multi-instrumentista, compositor y vocalista. Se le conoce principalmente como organista y pianista, y también toca el vibráfono. Es citado por el mismísimo Keith Emerson como una de sus grandes influencias, también así por el bajista de Uriah Heep, Paul Newton.

Citando la influencia de Shinn, Keith Emerson recuerda: "Don Shinn era un hombre de aspecto extraño, muy extraño. Tenía una gorra de colegial, gafas redondas ... Acababa de pasar por el Marquee cuando lo vi tocar ... El público era pura histérica .... Y me dije: '¿Quién es este tipo?' Había estado bebiendo whisky de una cucharilla y todo tipo de cosas ridículas. Tocó un arreglo del Concierto de Grieg, el Brandenburg y todo. Y realmente me inspiro... toco realmente bien y consiguió un sonido fantástico de la L-100. Luego se sacó un destornillador y comenzó a hacer ajustes mientras tocaba. Todo el mundo se moría de la risa. Lo vi y me dije: ''Espera un minuto! Ese tipo tiene algo ". Supongo que ver a Don Shinn hizo darme cuenta de lo que me gustaría hacer en escena. Él y Hendrix fueron las principales influencias sobre la forma en que desarrollé la puesta en escena en mi conciertos…". 

A principios-mediados de 1960 grabó y tocó con los grupos británicos como Los Meddy EVILS , The Echoes  o  The Soul Agents (con Rod Stewart ). En 1967 formaria su propia banda, ‘’The Shinn’’, en la cual donde fue acompañado por el bajista, futuro Uriah Heep, Paul Newton, el baterista, futuro The Nice, Brian "Blinky" Davison , y el vocalista Eddie Cordero. En 1969 lanzan dos álbumes instrumentales, ‘‘Departures’’ y ‘'Don Shinn Takes A Trip'’ (llamado ‘’Temples With Prophets’’ en la edición británica, la cual además contaba con una portada diferente.)


‘’Takes A Trip’’es realmente un viaje, un despegue  sin retorno... desde una plataforma proto progresiva, aguda y critica... que se despliega, sin ningún tapujo o timidez, hacia una fusión inédita para la época, de psicodelia (tipo ‘’Arzachel’’), jazz rock acido (tipo ‘’ Hansson & Karlsson’’), sonidos progresivos sinfónicos tempranos (estilo ‘’The Nice’’) y hasta ejecuciones de música clásica, en lo que también sería un precursor absoluto, al final del primer corte del disco,‘’Pits Of Darkness’’ (tema que dura alrededor de 18 min. y consta de la unión de varios pasajes instrumentales) se puede escuchar una interpretación en teclado de un pasaje clásico, bien dramático y oscuro, estilo desarrollado años más tarde por Emerson, Lake And Palmer...

Ningún tema tiene desperdicio alguno, el sonido consta de sesiones instrumentales construidas desde el alucinante sonido y fina y dedicada elaboración desde el teclado/piano de Shinn, que por momentos rompe con las estructuras en explosiones y ‘’freak-outs’’, (como en el sobervio ‘’A Minor Explision’’), arrancándole al hammond un sonido saturado y reverberado, exactamente de la misma manera que Keith Emerson, Jon Lord, entre otros; y por momentos descoloca el caos, anteponiendo pasajes clásicos en piano (como en el tema de 10 min. ‘’Hearts Of Gladness’’), siempre acompañado fielmente por una guitarra eléctrica, que por momentos va tirando melodías tipo orientales, y por el bajo y batería que se encargan de construir una base sólida para las sesiones, estando a la altura de la eclécticidad de Shinn...

Un disco obligatorio por su perfecta calidad de sonido, para todo amante del prog/psicodelico, psicodelia, incluso recomendado para seguidores del ya nombrade en esta reseña… xD, Keith Emerson o de alguna de sus bandas. Lamento no haber escuchado este disco antes, aunque llegó a mi en un momento justo en el que me estaba empezando obsesionar con algunos trabajos en teclado…

Un año mas tarde, ya fuera de su banda, se une a la banda inglesa ‘’Dada’’ (con Elkie Brooks) y aparece en su álbum homónimo lanzado en 1970. También ha trabajado con Kiki Dee , James Taylor , Engelbert Humperdinck , Stan Tracey , el  vocalista persa Parvaneh Farid, Iguana, y Renaissance. A partir de enero de 2012, informes no confirmados indican que Shinn sigue estando activo musicalmente y con sede en la zona de Southampton, en el Reino Unido.

Cod: #1035

27 ago. 2013

Gabor Szabo - Bacchanal (1968)

Gábor Szabó (Budapest, 8 de marzo de 1936 - Budapest, 26 de febrero de 1982), fue un guitarrista, en mayor parte autodidacta, húngaro especializado en la fusión de la música folclórica húngara con el jazz. Comenzó a tocar la guitarra a los catorce años tocando en clubes nocturnos y participando enjam sessions mientras vivió en Budapest. A los 20 años, escapó de su país al producirse la invasión soviética y se marchó a Estados Unidos, radicándose en California junto con su familia.

Estudió en el Berkeley College (1958-60) y en 1961 se unió al innovador quinteto de Chico Hamiltonque contaba con Charles Lloyd entre sus músicos. Inspirado por Hamilton, Szabo desarrolló un sonido más distintivo. En 1965 abandona el grupo de Hamilton para aproximarse al pop-jazz en el quinteto de Gary McFarland y en el vanguardista cuarteto de Charles Lloyd que contaba con Ron Carter y Tony Williams.

Szabó inició su carrera como solista en 1966, grabando uno de sus mejores discos, Spellbinder, con temas como "Gypsy Queen", la canción que Santana convertiría en un gran éxito en su disco Abraxas (1970). Formó luego un quinteto innovador (1967-69) con la colaboración del guitarrista Jimmy Stewart, y acompañados por Hal Gordon en percusión, Jimmy Keltner en bacteria y Louis Kabok y en bajo.

De ese quinteto saldrían varios memorables discos, inspirados por la revolución musical de finales de los 60s, de la cual se nutrieron de sonidos y exploraciones étnicas y trabajos acústicos especializados, típicos de la época. Entre sus lanzamientos, cuales se encontraría el que les presentamos en esta ocasión, ‘’ Bacchanal’’, grabado el nueve de Febrero de 1968, en Los Angeles.


Fue en esta grabación donde triunfaron sus experimentos más personales, retroalimentados con distintos estilos y con algún toque psicodelico. ‘’Bacchanal’’  es un trabajo difícil de encasillar en tal o cual género, es una fusión total entre jazz psicodélico y folk, con toques de salsa, pop, flamenco, indio y hasta del Medio Oriente, creando un estilo muy místico y totalmente único; un trabajo netamente instrumental, que tal vez no sea especialmente psicodélico, (pero como ya dijimos, por supuesto… en este blog no subimos solo psicodelia) pero aun así lo compartimos, por el hecho de que es bastante experimental y bastante atípico. 

Una guitarra es la que dirige los distintos pasajes, que transcurren repletos de condimentos étnicos y ornamentaciones muy seductoras, como bongos, un contrabajo haciendo las bases, incursión en melodías muy variadas, siempre yendo y viniendo por una vereda jazzística a veces mas marcada y a veces más sutil. La exploración define esta obra y el resultado es un sonido altamente particular, experimental y personal. Mientras que en parte parece un álbum de covers de pop de los 60s, el quinteto inspirado en Szabo transforma el material en el que está de una colección instrumental de jazz y fusiones de primer nivel.

La aparición de la música rock (especialmente, George Harrison, Eric Clapton y Jimi Hendrix) llevó a Szabó a experimentar exitosamente con la fusión, aunque también tomó en ocasiones una dirección comercial menos exitosa. A lo largo de los setenta, Szabó trabajó por la costa oeste, hipnotizando a las audiencias con su estilo. Pero, al tiempo, se decantó por un tono más comercial, a pesar de que grabaciones como Mizrab se revelaron como éxitos de la fusión del jazz con elpop, la música gitana, india y asiática.

Szabó visitó Hungría en varias ocasiones durante los setenta, pudiendo tocar exitosamente con varios músicos autóctonos. Fue hospitalizado durante su última visita y murió en 1982.

Cod: #1087

26 ago. 2013

Klaatu - 3:47 EST (1976)

Klaatu fue una banda canadiense de rock progresivo a finales de los años setenta y principios de los ochenta. Su primer álbum, 3:47 EST (titulado Klaatu en Estados Unidos) tenía un estilo muy similar al de los Beatles, particularmente en la canción "Sub-Rosa Subway", además de no contener ninguna clase de información biográfica en su comercialización. Esto propició que se creara el rumor de que se trataba de un proyecto anónimo del cuarteto de Liverpool.

La banda tomó su nombre del personaje interpretado por Michael Rennie en la cinta de ciencia ficción Ultimátum a la Tierra. La película a su vez está basada en el cuento Farewell to the Master de Harry Bates.

La canción más famosa de Klaatu, "Calling Occupants of Interplanetary Crafts", fue hecha cover por los hermanos Carpenter en 1977. Su segundo álbum, Hope, incluye contribuciones de la Orquesta Sinfónica de Londres, y es considerada por los seguidores de la banda como un trabajo igual o superior al primer álbum.

Su tercer disco, Sir Army Suit, fue lanzado en 1978. Dos años después salió a la venta el álbum Endangered Species, en el que la banda por fin reveló la identidad de sus integrantes: Terry Draper, John Woloschuck y Dee Long. No había conexión musical alguna con los ex Beatles. Después de terminar su contrato con Capitol en los Estados Unidos, lanzaron su último álbum Magentalane únicamente en Canadá.

Sus grabaciones salieron en formato CD relativamente tarde, y hasta poco después del año 2000, diversas compañías disqueras (incluyendo a Capitol) solo habían lanzado sus álbumes con baja calidad de sonido y en algunos casos un orden incorrecto de las canciones. Finalmente, Bullseye Records lanzó los discos en su versión original, y con alta calidad. Bullseye también sacó un álbum de tributo a Klaatu, titulado Around the Universe in Eighty Minutes.

Los tres integrantes de Klaatu se reunieron el 7 de mayo de 2005 para una breve presentación en el KlaatuKon de Toronto, Canadá. La lista de canciones consistió de "At the End of the Rainbow," "I Don't Wanna Go Home", "Cherie", "Magentalane," "Little Neutrino," y "All Good Things".

Actualmente se ha generado una nueva oleada de interés por la banda, gracias a su similitud con the Beatles y un rumor propagado en la red sobre la supuesta sustitución de un Paul McCartney fallecído en 1966 por el percusionísta de Klaatu, Terry Draper.

Ahora veamos, vamos a entrar al tema en profundidad, en el ''rumor'' en el que Klaatu eran los Beatles, cosa que no fue así pero veamos, obviamente encontré una fuente mejor de lo que yo pudiera escribir y la voy a compartir con ustedes. 

Después de su separación, los Beatles lanzaron un disco al mercado en el año 1976. ¿Habían dejado aparte sus rencillas los cuatro de Liverpool y se habían vuelto a reunir en un estudio? ¿Cómo es posible? La aparición del álbum “Klaatu” desconcertó a más de uno. Su sonido psicodélico podía encajar perfectamente con el “Sgt. Pepper’s” y el “Magical Mystery Tour”. ¿Se habían escondido los Beatles bajo el pseudónimo de Klaatu?
El primer avispado que encontró la conexión entre los Beatles y Klaatu fue Steve Smith, que publicó un artículo en el periódico de Rhode Island “The Providence Journal” con el titular “Could Klaatu be The Beatles? Mystery is a Magical Mystery Tour” (“¿Podrían Klaatu ser los Beatles? El misterio es un viaje mágico y misterioso”). El rumor pasó a las emisoras de radio y el boca a boca hizo el resto. Las ventas del álbum crecieron como la espuma. Todo el mundo quería tener el nuevo disco de John, Paul, George y Ringo.


¿Pero por qué razón tenía que ser ese álbum un trabajo de los Beatles? Las múltiples pistas eran evidentes. El disco fue lanzado por Capitol Records, la compañía discográfica que había editado los álbumes de los Fab Four en Estados Unidos. Ni la portada ni el interior contenían fotografías del grupo. Además, no aparecían los nombres de los miembros de la banda por ninguna parte. De hecho, los nombres ni siquiera figuraban en los créditos de las canciones; tanto la composición como la producción estaban acreditadas bajo el nombre de Klaatu.

Hasta ese nombre esconde pistas: Klaatu. Así se llama el extraterrestre humanoide de la película de ciencia-ficción “Ultimátum a la Tierra” (Robert Wise, 1951). Quizá fuera casualidad, tal vez una coincidencia, pero la portada del álbum de Ringo Starr “Goodnight Viena” (1974) es una parodia de una escena de esa película. En la fotografía de la cubierta, el batería de los Beatles sustituye a Klaatu, el protagonista del largometraje.

ero no todo quedaba en cosas tan banales como el nombre de la banda o la ausencia de datos en la funda del disco. Las voces muchas veces sonaban cercanas a las de Lennon y McCartney, los instrumentos parecían calcar el sonido de temas como ‘All you need is love’ o ‘Maxwell’s silver hammer’ y en algunas canciones aparecían mensajes ocultos. El tema ‘Sub-Rosa subway’ podría ser una referencia al álbum de Paul McCartney “Red rose speedway” (1973). Además, se supone que si se reproduce al revés esta canción, se pude escuchar la frase “It’s us, it’s The Beatles” (“Somos nosotros, somos los Beatles”).
El tema ‘Sir Bodsworth Rugglesby III’ tiene aspectos en común con otra teoría relacionada con los Beatles: la leyenda urbana que dice que Paul McCartney murió y fue sustituido por un doble. En esta canción se escucha “Officially pressumed as dead”. Las siglas “O.P.D.” (“Declarado Oficialmente Muerto”) aparecen en el interior de la cubierta desplegable del “Sgt. Pepper’s”, en la ropa de McCartney. Sin embargo, hay que aclarar que las siglas que aparecen en la chaqueta de Paul en realidad son “O.P.P.”, correspondientes a Policía Provincial de Ontario. Más adelante, la letra de la canción dice: “He’s the only man could ever get to Hell and come back alive”. Paul McCartney sería el único hombre que fue al infierno y pudo volver con vida, ya que “murió” y fue “reemplazado” como si no se hubiera ido. Resulta gracioso cómo se cruzan estos dos descabellados rumores.

Todas estas interpretaciones llevaron a diversas conclusiones. Los Beatles no se habían reunido en los setenta para grabar un nuevo disco; las canciones de “Klaatu” se grabaron en 1966 y el álbum sería la continuación de “Revolver” con un sonido más novedoso y psicodélico. Desgraciadamente las cintas se perdieron y por si fuera poco, esto coincidió con la supuesta muerte de Paul y su sustitución por el ganador del concurso de dobles llamado Billy Shears o William Campbell. Posteriormente, los Cuatro de Liverpool continuarían con la psicodelia al realizar el álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”.
Mucho más adelante, las cintas perdidas volvieron a aparecer. ¡Sorpresa! Todas las “nuevas” canciones se encontraron en 1975 cuando se buscaba material para “The long and winding road”, un proyecto que se abandonaría y más tarde se recuperaría con “The Beatles anthology”, de 1995. Pero en lugar de lanzar el álbum bajo el nombre The Beatles, decidieron hacerlo con el misterioso pseudónimo Klaatu, ya que lo que realmente importaba era el contenido del disco y no el nombre del grupo. De esa manera, la música hablaba sola.

Al final, los que acabaron hablando fueron los verdaderos miembros del grupo Klaatu. En realidad, la banda no estaba formada por unos Beatles enmascarados jugando al despiste; Klaatu era un trío canadiense compuesto por John Woloschuck, Terry Draper y Dee Long. Con su primer álbum homónimo, también conocido como “3:47 EST”, pretendían hacerse un hueco en el mundo del rock, y su manera de llamar la atención fue evitar cualquier dato que pudiera identificar a los creadores del disco. La jugada se les fue de las manos cuando el público creyó que detrás de Klaatu se escondían John, Paul, George y Ringo; pero al mismo tiempo, esta confusión les vino de perlas a la hora de vender su álbum.

El misterio de la identidad de Klaatu aguantó dos discos más, “Hope” (1977) y “Sir Army Suit” (1978). En el cuarto trabajo publicado, “Endangered species” (1980), los músicos acabaron descubriendo el pastel y sus nombres aparecieron por fin en los créditos de las canciones. Ninguno de los temas estaba firmado por Lennon o McCartney.

El disco tiene alguna decadencia y parecida a la de los Beatles, medio progresivo y con un toque de psicodélico, y te da paz, las voces y los coros parecen cantos de ángeles y lindos para pasar el rato o solamente para escucharlos para dormir.

Cod: #1058

Sleepy John - Sleepy John (1970)

‘’Sleepy John’’ fue una banda estadounidense de corta duración, nacida a finales de los 60s y compuesta por Tom Williams en batería, David Lee en teclados y voz, Frank Trowbridge en guitarra y voz, Jim Bartlett en bajo y voz, y John "Bosco" Jackson en bajo. Lee y williams se conocian desde adolescentes y permanecieron juntos tocando en varias bandas hasta formar ‘’Sleepy John’’.

Entre 1969 y 1970 grabaron en dos partes y registraron un abrumador álbum homónimo de heavy psicodelia, repleto de bien elaborados temas, pesados y bastante oscuros, que convergen dentro de un blues rock pesado y bastante garagero y un rock progresivo bastante sombrío, similar a principios de Uriah Heep, Deep Purple, Spooky Tooth o The Doors.


Los temas son bastante ásperos, pero no se estancan en ningún momento, fluyen naturalmente y hasta llegan a deslumbrar con grandes pasajes prog bien fluidos y buenos riffs de guitarra. El sonido tiene una característica garage que le da un toque rustico y suaviza la dureza de los solos ardientes de la guitarra y los frenéticos arranques del teclado. 

A veces se vuelve alucinante, con una agresividad pegadiza impulsada con melodías penetrantes, aunque tambien tiene otros lares, hay un interrupto medio jazzero en ‘’Prelude To A Dream’’, algo mas melódico en ‘’Nothing’’, y después algunos pasajes  mas melódicos y  un tanto arriesgados siempre dentro de cierta rusticidad. 

La banda seguiría tocando hasta 1972, cuando de a poco se iría desintegrando. Lee se mudó a Seattle y se unió a Stone Garden.

Cod: #1174

25 ago. 2013

The Deep - Psychedelic Moods (1966)

The Deep fue una efímera estadounidense de rock and roll formada en Philadelphia, Pennsylvania , a mediados de la década de 1960. Su estilo del rock and roll se puede caracterizar como protopunk a veces, mientras que en otros, su música se adentra en más sonidos psicodelicos.

De hecho, su mayor fama se debe, probablemente, que es muy probable que el título de su único álbum, The Psychedelic Moods of the Deep, la primera vez que la palabra "psicodélico" se utilizó en un título de álbum.

La información sobre la banda es escasa, y la identidad del único miembro se sabe con certeza: la de guitarrista, cantante y compositor Rusty Evans . Evans había actuado como Greenwich Village músico popular a finales de 1950 y comienzos de 1960, grabando tres álbumes bajo su propio nombre, y más tarde fue miembro del grupo de folk The New Christy Minstrels. Músico David Bromberg también es conocido por haber jugado el único álbum de la profundidad, aunque se desconoce en qué pistas que jugó.

El álbum Psychedelic Moods fue grabado en agosto de 1966 para el Cameo-Parkway, que también fue el hogar de protopunkers compañeros signo de interrogación y la Mysterians . Aunque la fecha exacta de lanzamiento del álbum aún no se ha establecido definitivamente, el expediente más probable había sido enviado a las tiendas a finales de octubre de 1966, sobre la base de las fechas de lanzamiento conocidos y números de catálogo de otros álbumes Cameo-Parkway. Esto lo convertiría en el primer álbum de incluir la palabra "psicodélico" en su título, superando a los azules Magoos "Psychedelic Lollipop", lanzado ya el 1 de noviembre de 1966, y el Las 13th Floor Elevators 'álbum homónimo, lanzado en torno a la última semana de noviembre de 1966.



Psychedelic Moods no se vendio bien, y el grupo no hizo una gira para apoyarlo. Parece que han existido como una banda única-estudio, y, aparte de las sesiones para el álbum, no produjeron otras grabaciones bajo ese nombre. Cualquiera que sea el caso, Rusty Evans dejó Cameo-Parkway para grabar un nuevo álbum para la Columbia Records label en 1967. Abandonando el nombre de The Deep, este segundo álbum fue acreditado a la escena Freak Scene ''Psychedelic Psoul''.

El sonido de este álbum es muy similar a la del álbum de The Deep, y debe ser considerado como un seguimiento en todo menos en el nombre. Como su título indica, Psychedelic Psoul se compone de canciones de rock psicodélico, y es en gran medida producto de su época. Desafortunadamente, Escena Freak estaba condenado a la misma suerte que The Deep. No de sus conciertos y su álbum no gráfico. El álbum ha sido reeditado por Sony BMG a través de Columbia Records en vinilo.

Después de esta aventura, Rusty Evans abandonó el rock psicodélico y rollo para siempre, volviendo a sus raíces populares. Él registró bajo su nombre de nacimiento Marcus para un álbum homónimo en 1969, que a menudo elogiado como un ejemplo temprano de psych-folk music. Él no registró otro álbum hasta 1979, cuando lanzó ''Life's Railway Heaven" otro esfuerzo popular. Evans ha registrado esporádicamente desde entonces, por lo general en el estilo de música folk y rockabilly.

Este disco en mi opinión no lo recomiendo para ''viajar'' aunque no lo he probado estando así pero sé que me daría algo de miedo, este disco es muy alocado y estaría en mi top 10 de discos locos, no primero pero muy cerca, a veces folk y a veces medio fuzz, linda combinación.

Cod: #1073

Listening - Listening (1968)

Esta banda estadounidense relativamente poco conocida, nace en Boston, Massachusetts, bajo el nombre de ‘’PPMWW’’, los miembros originarios eran Peter Ivers, Peter Malick, Michael Tchsudin, Willie Loco Alexander y Walter Powers. Michael Tschudin escucha hablar de un joven guitarrista llamado Peter Malick, con quien se pone en contacto y reorganiza la alineación de la banda, así nace ‘’Listening’’. 

La banda liderada por el tecladista Michael Tschudin, pero serían además las contribuciones de los ex Velvet Underground Walter Powers en bajo y el adolescente guitarrista Peter Malick que le darían a esta banda grandes sonidos, alcanzando formar parte de lo que ahora se llama ‘’sonido Boston’’…

La formación finalmente queda compuesta por el gran tecladista Michael Tschudin, qu parecía ser un actor principal en el sonido de la banda, el bajista Walter Powers, el cual provenía de la banda ‘’ The Lost’’, y quien luego siguió tocando hasta participar de la movida punk de Boston, el joven guitarrista Peter Malick, con marcadas influencias blues por parte de artistas como Muddy Waters, Buddy Guy y John Lee Hooker, y el baterista Ernie Kamanis…


Grabado en los Vanguard Studios de Nueva York y lanzado el 1 de Junio del 68, ‘’Listening’’, seria su único trabajo editado, una obra relajada y compacta de rock psicodelico un tanto suave, con toques hard y pop, plagado de hammonds y buenos solos eléctricos que por el estilo denotan cierta influencia de Clapton o Hendrix. 

Una combinación de riffs bluseros y cierta búsqueda instrumental que, de la mano del impecable trabajo de Tschudin en hammond y piano, se estilizan bastante hasta llegar a buenos pasajes de rock psicodélicos y estructuras bastante amplias y experimentales, y que sin deslumbrar muy ferozmente… llegan a desarrollar su propio lenguaje psicodélico, como en la alucinante ‘’9-8 Song’’. 

Elementos tomados de Jimi Hendrix, The Band o de Vanilla Fudge, hacen de esta una obra fresca y entretenida, por momentos también denotando alguna influencia de Santana en algún tema o tambien algún pasaje medio jazzero, aunque su punto más alto estaría en los temas mas hard y psicodelicos, con buenos riffs y buenos solos blueros…

La portada del disco es un recordatorio del movimiento psicodelico local, es una foto de ellos tocando en vivo en el Esplanade’s Hatch Shell en Boston, durante el concierto de rock ‘’ Bosstown Sound’’…

Cod: #1134

22 ago. 2013

Astor Piazzolla & Gary Burton - The New Tango (1986)

Otro genero que estrenamos en este joven blog, tango, y de la mano del genio y vanguardista Astor Pantaleón Piazzolla. Por si algún distraído no sabe quien es, Astor fue un bandoneonista y compositor argentino, considerado uno de los mejores músicos del siglo XX, nacido en Mar del Plata, , Argentina, el 11 de marzo de 1921.

Fue uno de los músicos de tango más importantes del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.

Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires». Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante. La verdad es que sobrepaso todo límite con su genialidad y creatividad absoluta…
El trabajo que aquí le presentamos, el primero de Astor que subimos al blog, es el que realizó en conjunto con Gary Burton, vibrafonista que desde los 17 años se dedicó al Jazz, y dándole un sitial muy importante a un instrumento musical no muy conocido como el "Vibráfono", con el cual irrumpe la escena musical de los setentas, llegando incluso a ser considerado un músico de vanguardia. Su linea es el Jazz, pero ha hecho experimentos musicales desde lo progresivo hasta lo contemporáneo o vanguardia.

Grabado en Julio de 1986, en el famoso Festival de Montreux, este disco, ‘’The New Tango’’, nos muestra a dos grandes exponentes de dos instrumentos bien dispares, y no muy conocidos, como el Bandoneón y el Vibráfono, funcionando a la perfección y fusionándose en muchos nuevos y vanguardistas sonidos que parten desde el tango y el jazz como base y se extienden hasta límites insospechados. Acompañados por Fernando Suerez Paz en Violin, Pablo Ziegler en piano, Horacio Malvicino en guitarra y Hector Console en bajo, explotan el tango elaborando una serie de piezas majestuosas, con mixturas en bases armónicas y exquisitas melodías de tango, tal vez más clásico… que se entremezclan con un jazz, tal vez aportado por el vibráfono (el cual por momentos marca las bases rítmicas y melódicas, como en la increíble ‘’Vibraphonissimo’’.) y crean un sonido alucinante y altamente complejo, exuberando (palabra que inventé) cada pasaje acústico de las presentación…


Un quinteto acústico muy singular en su sonido, en el cual cada músico juega un rol importante en la elaboración del sonido, el piano marcando introducciones y bases o el violín condimentando pasajes con hermosas intervenciones…

Esta es muestra de lo que es el tango de vanguardia, tango fusionado con jazz y música clásica, el cual fue criticado en sus comienzos porque básicamente es imposible de imitar o copiar… a menos que seas un músico virtuoso. No sé qué más podría decir, eso es lo que pude elaborar, desde mi poca experiencia con el tango…

La música de Astor Piazzolla es sin dudas una de las mayores expresiones artísticas que la Argentina ya dió al mundo, fuente de inspiración para muchos jóvenes exponentes de esta música, Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, pero dejó como legado su inestimable obra - que abarca unos cincuenta discos y una historia muy profunda…

21 ago. 2013

Santana - Santana (1969)

Carlos Santana nació en México en 1947, y se trasladó a San Francisco en la década de 1960.  Con el amor por el jazz y el blues, comenzó a convertirse en un guitarrista talentoso, al mismo tiempo que absorbe la escena hippie de San Francisco. Formó el Carlos Santana Blues Band en 1967, que pronto se hizo famoso por su estilo jam basado en la improvisación. Se destacaron por su incorporación de estilos musicales latinos en su sonido, y en 1969 firmaron con Columbia Records, después de haber cambiado su nombre a simplemente Santana. 

La banda estaba compuesta por Dave Brown en bajo, Mike Carabello en congas y percusión, Mike Shrieve en batería, Santana en guitarra, Gregg Rolie en piano, organo y voz y José Chepito en timbales, congas y percusión. En 1969 lanzan su primer álbum, el homónimo ‘’Santana’’. Grabado en mayo y lanzado en Agosto, el álbum estaba destinado a ser un gran lanzamiento, dada una ventaja inicial por el impactante desempeño de la banda en el festival de Woodstock, unos días del lanzamiento del disco, en ese mismo  mes.

El disco causaría un fuerte impacto en la escena de la época, por su sonido explosivo, que fusiona de forma inédita rock/blues, rock latino, jazz, salsa, funk e incluso denota una profunda influencia de música étnica africana, de hecho en el mismo disco hacen un cover de ‘’Jin-Go-Lo-Ba’’, canción de la banda nigeriana Babatunde Olatunji.


El sonido de este disco es realmente un placer para los sentidos, la banda se nutre a sí misma, se combina y entremezcla en sesiones instrumentales orgásmicas, repletas de arreglos, improvisaciones individuales y colectivas, (aunque, por indicación del entonces manager de la banda, Bill Graham, se desarrollaron algunos de los temas de forma más convencional.) plagadas de teclados, una tremenda voz de Gregg Rolie y por supuesto enormes participaciones de la guitarra de santana. Todo ello contenido en un disco naturalmente de sesión y cuya característica principal es esa, la interacción entre los músicos en plena improvisación. La crítica recibiría al trabajo con grandes alabanzas, de hecho la revista Rolling Stone, llegó a decir que Santana hacía por la música latina lo que Chuck Berry había hecho por el blues…

La banda lanzaría dos discos más… continuando con sus importantes aportes del rock latino, hasta ir desintegrándose. Carlos Santana se quedaría con el nombre de la banda y continuaría su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. En 1997 el “Santana Band” se juntó pero sin Carlos Santana e incluyeron a Neal Schon y a Alphonso Johnson para formar la banda “Abraxas Pool” con el cual solo sacaron un disco.

                                              Cod: #1149

16 ago. 2013

Magic Carpet - Magic Carpet (1972)

Antes de comenzar con el análisis de este disco quiero decir que me disgusta un poco que nadie comente... cuando sabemos que ya tenemos  nuestro trafico de seguidores y visitantes que descargan los discos, o peor aun... que solamente comenten cuando tienen alguna queja o inconveniente, no nos merecemos esto, pero bueno... es lo que hay... y vamos a seguir con esto de todos modos... Ahora si, les dejo el análisis del disco:

La historia de Magic Carpet, legendaria banda del Reino Unido, comienza allá por principio de los 70s, cuando el sitarista Clem Alford, el guitarrista Jim Moyes y el percusionista, con formación india, Keshav Sathe se juntan creando ya desde ese momento la fucion musical que caracterizaría a la bandas en los siguientes álbum. Los tres músicos crean ’’Sagram’’, y graban ’’Windmill’’, disco que fue lanzado si consentimiento de la banda.

Poco después del lanzamiento de ese tabajo, la banda consigue un contrato para Mushroom Records, con la condision de sumar un cantate. Jim Moyes se contacta con la cantante Alisha Sufit, quien estaba en Islington, Londres, cantando y escribiendo canciones. Rapidamente los cuatro músicos congeniaron y así se formo ’’Magic Carpet’’.

La banda grabó el álbum homónimo ’’Magic Carpet’’ en el invierno de 1971, el cual fue lanzado en 1972, creando un sonido único, una fusión inédita entre pop, folk y música india tradicional, creando un pop psicodélico alucinante, en un verdadero combinar de estilos e influencias musicales. El trabajo gira en torno a la formación clásica del virtuoso sitarista Clem Alford y el maravilloso trabajo de la vocalista Alisha Sufit, constituyendo un trabajo considerado como uno de los mejores discos de folk psicodélico de influencia india de la década de 1970.


El sonido se basa de construcciones de música clásica india, por los arreglos de sitar, percusión y por las melodías. Sesiones vocales e instrumentales que se repiten cual ragas, con una percusión exquisita y acompañamiento de guitarra eléctrica que denota también cierta formación india. Desde entonces, la versión original de vinilo se ha convertido en un codiciado coleccionable, ahora reeditado en CD por el sello discográfico Magic Carpet…

Los cuatro permanecieron juntos durante casi un año, haciendo algunos conciertos de prestigio - el 100 Club de Londres, Wavendon (Cleo Laine y el lugar de John Dankworth), varios festivales, tocando para la BBC, etc, pero finalmente se separaron en 1972.

Tras un lapso considerable, los cuatro se reunieron de nuevo. Jim ya no estaba actuando en público y Keshav se había retirado, pero Clem y Alisha seguían jugando profesionalmente. En 1996 grabaron el álbum Once Moor o ’’The Magic Carpet II’’.

El cual consiste sobre todo en canciones escritas y cantadas por Alisha, además de algunas canciones puramente instrumentales, con Clem Alford en sitar y tamboura, Alisha en la guitarra, y Pandit Dinesh y Esmail Sheikh en tabla percusión.  

Cod: #1211

13 ago. 2013

Arco Iris - Los Elementales (1977)

Hacia el año '68, Gustavo Santaolalla intentaba infructuosamente conseguir algún contrato para su banda, "The Crows", hasta que dio con Ricardo Kleiman, quien le aconseja comenzar a cantar en castellano. Así, cambio de nombre de por medio, Arco Iris entra en un estudio.

Con el tema "Blues de Dana" ganan en el Festival Beat de la Canción Internacional que se realiza en Mar del Plata en 1970. Con el nombre de ese tema, el sello RCA saca un disco recopilación de los simples editados hasta ese momento, casi simultáneamente con la aparición del primer LP de la banda ("Arco Iris", 1970).

Arco Iris era ya mucho más que un grupo de rock. Con la guía espiritual de la modelo ucraniana Danais Winnycka (Dana), conformaron una comunidad en El Palomar, en el Oeste del Gran Buenos Aires, que se regía por estrictas normas naturistas: estaba prohibido el consumo de carne, alcohol, drogas y también el sexo.

"Mañanas campestres" (1972) es el siguiente éxito, que inicia la tendencia folklórica que quedaría marcada con el LP "Tiempo de resurrección" (1972) y, sobretodo, con la ópera "Sudamérica, o el regreso a la Aurora" (1972).

Este estilo autóctono persiste en "Inti-Raymi" (1973), pero se abandona completamente en "Agitor Lucens V" (1974), una obra conceptual de corte sinfónico que logró gran éxito.


En 1975, agobiado por el estilo de vida, Santaolalla deja la banda. Sin su voz principal, convocan a Ignacio Elisavetsky (guitarra) y a Mario Cortez (teclados). 

En 1975, agobiado por el estilo de vida, Santaolalla deja la banda. Sin su voz principal, convocan a Ignacio Elisavetsky (guitarra) y a Mario Cortez (teclados). Editan "Los elementales" (1977) y luego emigran a Estados Unidos, donde tocan como acompañantes de Herbie Hancock, Lalo Schifrin y Chester Thompson, entre otros.

Encontré un muy buen comentario del disco y lo voy a compartir con ustedes.
Al alejarse Gianello y fundamentalmente Santaolalla, principal compositor, muchos pensaron que la carrera de Arco Iris estaba terminada. Luego de un prolongado lapso sale en 1976 un simple que contiene dos temas ( Sin Contratiempos / Los del casco de Oro), en cuya portada no aparece el nombre "Arco Iris" que marcan una transición entre la era de Santaolalla y los tiempos por venir. Ara Tokatlian es ahora el único lider musical de la agrupación y ocupa un papel fundamental no solo en los vientos sino también en los teclados (piano y sintetizadores), en los que ha venido desarrollando un muy buen trabajo. es además el principal cantante. Las composiciones ahora se despojan del gran bagaje folklórico que poseían y se enmarcan el el área de la fusión jazz rock, aunque conservando aires autóctonos. Las nuevas adquisiciones de la banda Ignacio Elisavestzky en guitarras y Josá Luis Párez en batería y percusiones despliegan un trabajo elogiable que termina de conformar un álbum excelente, con el cual Arco Iris cierra su actividad discográfica durante los 70s.

Cod: #1061

11 ago. 2013

Tomorrow - Tomorrow (1968)

Grupo británico de pop psicodélico derivado de la banda de R&B In Crowd, formación con estética mod fundada a mediados de los años 60, que transfiguró su sonido y su nombre en 1967 cuando la psicodelia se hizo dueña de la escena londinense.

Tomorrow, un combo al estilo de Soft Machine, The Move o Pink Floyd que se encontraba influenciado por los Beatles, estaba compuesto por el cantante Keith West, el guitarrista Steve Howe, el bajista John "Junior" Wood y el batería Twink (de nombre real John Alder).

Con la producción de Mark Wirtz, el grupo grabó un par de excelentes singles llamados "My white bicycle" (cara b "Claramont Lake") y "Revolution" (cara b "Three jolly little dwarfs"), marcados por la originalidad en su escritura lisérgica (obra de la pareja de compositores y productores Ken Burgess y Keith Hopkins) y su brillante ejecución instrumental.
Al mismo tiempo y paralelamente, West y Wirtz trabajaban en el proyecto "Teenage Opera", consiguiendo el cantante un gran éxito en solitario con el single "Excerpt from a teenage opera" (número 2 en Gran Bretaña) y menos con "Sam", otro sencillo editado de "Teenage Opera".

El grupo grabó su único y homónimo Lp en los estudios Abbey Road. El resultado, "Tomorrow" (1968) fue un trabajo sobresaliente que incluía los singles previamente publicados y otras piezas de indudable valor como "Shy boy", "Colonel Brown", "Hallucinations", "Real life permanente dream" o "The incredible journey of Timothy Chase".
El álbum, inexplicablemente, pasó bastante inadvertido en su tiempo y provocó el fin de Tomorrow como banda.


Sus componentes continuaron en el negocio del disco, formando parte con el tiempo Twink de los Pretty Things y Steve Howe del famoso grupo Yes. Gran disco de pop psicodélico el realizado por la banda británica Tomorrow, un combo que sólo publicó este álbum en su corta carrera.

Una pena pues este trabajo muestra su habilidad tanto en la escritura de canciones de elaborada disposición instrumental como en la factura de la misma.

Steve Howe (futuro miembro de Yes) brilla en la guitarra y Keith West demuestra talento como apto vocalista para transmitir estas imaginativas canciones de notoria construcción melódica, osadía en la estructura y lisergia en la lírica. 

Influenciados por los Beatles (a los que versionan con "Strawberry Fields Forever"), sus mejores temas son los más inclinados a la psicodelia: "My White Bicycle" (con empleo del phasing), "Real Life Permanent Dream" y "Revolution".

En su faceta más pop destacan "Colonel Brown", "Claremont Lake", "Auntie Mary's Dress Shop" y, sobre todo, las dulces melodías de "Shy boy" y "Hallucinations".

Cod: #1133

10 ago. 2013

Ravi Shankar - Vision Of Peace (2000)

Ravi Shankar (Benarés, Raj Británico, 7 de abril de 1920 - San Diego, Estados Unidos,11 de diciembre de 2012) fue un músico indio conocido mundialmente por ser un virtuoso del sitar. Pandit Ravi Shankar, es Brahmana de nacimiento la casta sacerdotal hindú.

Discípulo de Allauddin Khan (fundador del Maihar gharana de música hindú clásica), Pandit Ravi Shankar es posiblemente el instrumentista hindú más reconocido, es conocido por ser pionero en la traída del poder de la tradición de música hindú clásica, así como por músico hindú y sus ejecutantes en general. Esto se debe, en parte, por su asociación con The Beatles y mas especialmente con George Harrison, así como por su carisma personal. 

Su carrera musical atraviesa más de seis décadas y Shankar actualmente sostiene el Récord Guinness por la carrera internacional más larga. A lo largo de su vida nos ha dejado una innumerable cantidad de discos, conciertos (pasando incluso por Woodstock y el Monterrey Pop Festival), trabajos, producciónes y colaboraciones (la más famosa, tal vez sea ‘’Collaborations‘’, reedición de discos en colaboración con George Harrison.)


En este caso les traemos ‘‘Vision af Peace‘‘, un disco doble en los que Shankar hace gala de su maestría en sitar, junto a Jiban y  Widya que tocan Tampura  y Alla Rakha, en  Tabla.

La Tampura en sus diferentes tamaños es empleado en la música clásica del Norte de la India para la producción de los sonidos "pedales", los cuales tienen como función recordar al solista los sonidos principales del Raga sobre el que se improvisa. De ahí que siempre escuchemos en el fondo una serie de sonidos durante toda la pieza musical.

Esta re-edición compila dos grabaciones famosas de Ravi Shankar, ''Towards the Rising Sun'' y ''Ravi Shankar Plays Ragas'', que datan de finales de los 70s. Shankar trabaja el ritmo de tabla con la voz y un hermoso trabajo de flauta y sitar que recuerda “Japanese Melodies” de Laskine y J. Pierre Rampal. El segundo disco contiene una serie de ragas al más puro estilo de la India. 

Sabemos que Ravi Shankar tiene su audiencia y seguidores, así que aquí les dejamos un viaje por el Oriente, fino e íntimo, para los entendidos.... y para los ´´no tanto´´ que quieran averiguar de que se trata esto de la música clasica indu.

Cod: #1095

9 ago. 2013

Tantor - Tantor (1979)

Héctor Starc y Rodolfo García ya se presentaban juntos aún antes de la disolución de Aquelarre, la banda en la cual militaban. Durante la extensa estadía en España (1975-77), Starc le enviaba por correo los temas instrumentales que componía, para que Machi le agregara las partes del bajo. La presentación oficial de Tantor fue en diciembre de 1978 y grabaron al año siguiente, con Leo Sujatovich y Lito Vitale como músicos invitados. «(El disco) no tuvo ninguna repercusión porque la música instrumental acá nunca pegó», reconoce Starc (E.Avalos, pág 120).

Las dos reuniones de Almendra (y las consiguientes giras nacionales) tuvieron ocupado momentáneamente a García, por lo que Tantor vio frenado su crecimiento de popularidad. En 1981 quedaron reducidos a un dúo, tras lo cual se incorporaron Babú Cerviño (teclados) y Marcelo Torres (bajo). Con esta formación tocaron en B.A.Rock '82 y grabaron el segundo disco. La presentación en el Festival de La Falda '83 fue la última del grupo.


Tantor fue el primer álbum de la banda de rock argentino Tantor, grabado en 1979. Los ex-integrantes de Aquelarre, Héctor Starc y Rodolfo García se reunieron con Carlos Alberto ''Machi'' Rufino ex Invisible y bajista de Luis Alberto Spinetta en el cd Spinetta a 18' del sol (1977). Además de estos tres integrantes el cd Tantor cuenta con Lito Vitale y Leo Sujatovich (posteriormente se vincularían a una de las grandes bandas de lo 80' encabezada por Luis Alberto Spinetta, Spinetta Jade). El disco, esta compuesto por una base de jazz y no logró tener éxito entre el público.

Este disco consta de 7 canciones medio jazzeras y tirando más para progresivo medio sinfónico.  Para comparar a esta banda, puede ser algo similar a Materia Gris o la Máquina de hacer pájaros.  Uno de los temas que más se destacan en mi opinión es Oreja y  vuelta al ruedo, o Niedernwohren. Este disco es bastante raro, y es una joya del rock nacional.

Cod: #1201

7 ago. 2013

Axe - Axe Music (1969)

A mas raro es el disco... mas lisérgico y volado se vuelve... y este es un ejemplo, una enfermedad psicodelica rara de esta banda británica, nacida en 1967, en la localidad de Northampton, Inglaterra, e integrada por Vivienne (voz), Tony Barford (guitarra), Steve Gordon (percusión), Mick Nobbs (bajo), Roger Hillard (guitarra acústica). Aunque esta es otra banda de la que no encontré mucha data... 

Este disco fue grabado en los 70s (salvo por el ultimo tema que es en vivo y pertenece a una presentación de 1969...) pero no vio la luz hasta finales de los 90. Se realizaron 3 ediciones (básicamente es el mismo sonido pero bajo distintos nombres...), se lo puede encontrar como ''Live And Studio'', ''Music'' o ''Axe''... al igual que el nombre de la banda. 

El sonido es muy especial... otro autentico ejemplo de rock psicodelico, bien arraigado e influenciado en la psicodelia de los 60s....; esta banda profundizo su experimentación por un lado mas oscuro, hacían un folk rock psicodelico... un tanto progresivo, experimental y oscuro; con melodías atrapantes que nacen de guitarras lisergicas con un sonido profundo, acompañamiento acústico, efectos de sonido, sesiones experimentales y un rock bien acido... 


La confección de los temas en general se basa de una base rítmica y melódica en guitarra eléctrica, algunos con riffs con un aire místico, que marcan el camino para las melodías, el armado del tema, la cantidad de arreglos acústicos, los diferentes pasajes instrumentales y la hermosa voz líder femenina. 

Como muchas bandas psicodelicas... las sesiones parecen ser uno de sus momentos favoritos, lo reflejan en la mayoría de los temas que se terminan hundiendo en una zapada estilo ritual... desprendiéndose de cualquier base predeterminada.

Una de sus claras influencias parece ser (ademas de Greatfull Death) Jefferson Airplane... no solo en el hecho de incluir a una voz femenina sino también en el sonido de algunos temas, como por ejemplo ''Another Sunset, Another Dawn'' o ''Strange Sights And Crimson Nights''. (tambien por el hecho de que en otro disco en vivo interpretan varios temas de Jefferson... ) He aquí una auténtica joya extraviada en el tiempo... de folk rock psicodelico, que todo amante del rock y/o la psicodelia... no podría dejar pasar.

Cod: #1140

5 ago. 2013

Clear Blue Sky - Clear Blue Sky (1971)

Este fue un joven power trio británico de hard rock psico-progresivo, compuesto por John Simms, Ken White y Mark Sheather. Sus orígenes tienen lugar en Acton, Londres, donde los tres músicos se criaron juntos desde chicos y hasta fueron a la misma escuela (los hermanos Duhig que pasaría a formar Jade Warrior también asistieron a la misma escuela). La primera banda que formaron se llamo Jug Blues y empezaron tocando desde la universidad y en clubes clocales, mas tarde cambiarian su nombre al de Matuse e incluso mastarde al de X, recorriendo Alemania lo cual les valio una considerable cantidad de experiencia.

El grupo comienza a escribir su propio material, hasta impresionar al manager Ashley Kozak, por el cual consiguen un contrato para ‘’Vertigo’’ y cambian su nombre a ‘’Clear Blue Sky’’. Así en la primavera de 1970, la banda entró en Island Studios, al lado de Led Zeppelin que estaba ocupado grabando Led Zeppelin II. La producción fue encomendada a uno de los mejores productores en ese momento, Patrick Campbell-Lyons , quien había tocado con Nirvana (la banda de Reino Unido!) unos años antes y quien les brindo ayuda para adquirir lugar en estudio. La portada del álbum fue hecho por Roger Dean, una de los primeros trabajos realizados por el legendario artista. 


El disco homónimo ‘’Clear Blue Sky’’ fue lanzado en Enero de 1971, publicado en Europa bajo el nombre de ‘’Play It Loud’’ y con una portada distinta. La banda era todavía muy joven, pero la música que crearon era innovadora para la epoca, ya que combinaba ese toque de blues pesado con pasajes de psicodelia y la complejidad del rock progresivo. Sus influencias van  por el lado de The Jimi Hendrix Experience, Black Sabbath o Deep Purple.

El sonido que alcanzan es similar al de Jhon Duu Can en Andromeda, ese blues rock pesado, plagado de grandes riffs y orgias eléctricas cual solos. Un hard rock bien elaborado, con muchos pasajes que constan de construcciones en guitarra eléctrica y por momentos una guitarra acústica de fondo acompañando, y cambios que parecieran acercarse a estructuras progresivas, con un sonido realmente arrollador… y autentico, ya que esta era una banda con cierto estilo de jam band, improvisaban mucho y de hecho el mismo disco fue grabado en pocas tomas…


Al tiempo el bajista, Mark Sheather, dejó la banda a favor de la vida matrimonial siendo reemplazado por Kraznet Montpelier. La banda estuvo de gira constantemente, dando muchos conciertos, también pasando algún tiempo en estudio. Aunque lamentablemente por problemas de gestión hicieron que la banda abandonara las giras. El album no funciono comercialmente y poco después se separaron para retornar décadas después y grabar nuevos discos como “Destiny” (1990), que recogía material previo, “Cosmic Crusader” (1996) y “Mirror of the stars” (2001).

Cod: #1106

2 ago. 2013

The Rationals - The Rationals (1970)

''The Rationals'' es una banda de soul formada en 1964 en Detroit, EEUU; (Scott Morgan en la voz y guitarra, Steve Correll en la voz y la guitarra, la voz de Terry Trabandt bajo y voz y Bill Figg en la batería y percusión) muy bien lograda y con mucho feeling por cierto. Nace en la escena garage de la epoca con un estilo mas beat y se convierte rápidamente en una de las bandas mas influyentes de la zona (aunque tiene que lidiar contra banda como... MC5, the Stooges, SRC, Frost, entre otras...). 

Desde 1965 comienzan a editar singles, con uno de los primeros que lanzan, "Gave My Love", adquieren cierta notoriedad y logran un contrato a nivel nacional... logrando llegar a Michigan con un puesto #92 en el Billboard Hot 100 aunque lamentablemente no obtienen mucha difusión radial nacional... 

Finalmente en 1970 logran lanzar su primer disco en concreto, llamado igual que la banda... ''The Rationals''. Es un disco de soul y rythm psicodelico. El sonido de la banda esta muy bien armonizado y balanceado con un soul muy sutil que se despliega con versatilidad y amplitud, con melodias mas suaves cuando son requeridas y con mas fuerza cuando es requerida... y todo desarrollado con una virtud poco comun en una banda blanca pseudo garage; pareciera estar influida, por momentos, por un coro gospel. Cada tema en si es una muestra de lo que la banda es capaz de desplegar... dentro del soul, con puntos altos como ''Temptation 'Bout To Get Me, ''Something's Got a Hold On Me'' y ''Glowin''... 


Una particularidad del disco es que al final de algunos temas se escucha una melodia muy atrapante y profunda que se encarga de cerra al tema en si y la cual se puede escucha en ''Ha-Ha'', que seria el ultimo tema del disco... en el cual se despliega esa composición acustica muy agradable, la cual tambien constituye uno de los puntos mas altos en cuanto a extravagancia y psicodelia del disco. 

Lamentablemente en ese mismo año (1970) se separan, siendo el que Morgan continuó la construcción de sus credenciales de culto durante los próximos 25 años en las grabaciones esporádicas con con la Sonic Rendezvous Band (que también contó con la MC5 Fred Smith), de Scott Morgan Band, y los Scott's Pirates; aunque nunca adquirió... ni The Rationals ni Scott Morgan el reconocimiento que merecen... 

En el 2009 Big Beat reedita todo sus primeros singles en la antologia ''Think Rational'', con muchas grabaciones de sus primeros años.

Código: #1023
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