30 jul. 2013

Climax Blues Band - The Climax Chicago Blues Band (1969)

‘’The Climax Chicago Blues Band’’ fue de las mejores bandas blues… paradójicamente proveniente de Stafford , Inglaterra, en 1968, la cual toma ese nombre debido a su sonido blusero típico de Chicago. Los miembros fundadores originales de esta fructífera banda eran el guitarrista y vocalista Peter Haycock , el guitarrista Derek Holt; el tecladista Arthur Madera, el bajista Richard Jones, el baterista George Newsome y el saxofonista y cantante Colin Cooper…

Firmaron con Parlophone para publicar su homónimo Lp debut, “The Climax Chicago Blues Band”, grabado en 1968 y lanzado en 1969, un disco producido por Chris Thomas que recreaba su pasión por el sonido blues con versiones de temas de Jimmy Reed, Sonny Boy Williamson o Howlin’ Wolf, llenas de yeites y sutilezas muy agradables, típicas del blues, que inspiran realmente a tocar…

Este disco de blues y rhythm, está plagado de piezas cortas, clásicas, bien variadas y relativamente suaves, rhythms eléctricos llenos de solos y armónicas, no es un disco arriesgado, pero es un gran trabajo de blues recomendable para todo amante del genero, y de hecho es apenas el primer disco de la banda…


Tras este primer álbum, el bajista Jones dejó el grupo para concentrarse en sus estudios universitarios, pasando Holt a tocar las cuatro cuerdas. En 1970, el grupo acortó su nombre a la Climax Blues Band, debido a la presión de la Americana banda "The Chicago Transit Authority". 

Con el tiempo, y varios discos, se quedaron en cuarteto, y se fueron orientando hacia un sonido mas rock, pero eso lo percibiremos en los discos siguientes. En las últimas décadas han seguido girando en vivo, grabando discos de poco valor esporádicamente, como “Drastic Steps” (1988) o “Blues from the attic” (1995), reeditando sus mejores trabajos y publicando recopilaciones con sus grandes éxitos.

Cod: #1107

Sobre nosotros y el blog:

Sean todos bienvenidos a este blog psicodélico!
Tal como dice el mensaje de inicio, ‘’El Jardin De Las Delicias Psicodelicas’’ es un blog de resistencia cultural, un espacio sin fines de lucro creado para compartir y difundir buena música, arte en general, toda aquella forma de arte que se aleje del consenso comercial establecido por las distintas empresas disqueras, televisivas, etc. Como verán, lo que más compartimos aquí es música, discos, especialmente de psicodelia y rock progresivo, pero, como también consta en el mensaje de inicio, en este espacio hay lugar para toda buena música, por lo que también podrán encontrar avant garde, jazz, y lo que vaya surgiendo. 

Al igual que algun otro blog, nosotros también nacemos desde una iniciativa en Taringa, no desde un grupo en concreto sino más bien de algún usuario en particular, compartiendo discos en posts, luego se sumaría el compartir discos en facebook, hasta que la idea de este blog no se haría esperar más, surgiendo y de a poco tomando forma, hasta ser lo que es hoy. 

Sobre derechos de autor:

Entendemos lo que representa todo esto, la persecución que hay a los usuarios que suben discos/música y lo que significa para el autor su disco, lo entendemos además porque a nosotros somos músicos y también (como a tantos) nos han eliminado cuentas de hosts y posts. Entendemos también que estamos subiendo música con propiedad intelectual y/o de autor, nuestra meta no es obtener un beneficio económico de todo esto, el material que subimos no nos pertenece, solo lo hacemos, lo compartimos con el fin de dar a conocer toda esta musica que la verdad, si fuera por el comercio y las cadenas musicales globales, solo escucharíamos a 2 o 3 artistas, quedando todo lo demás virtualmente ocultado o desaparecido (cosa que, por supuesto, ocurre y seguirá ocurriendo, ya que la meta de las compañías no es difundir el arte sino venderlo masivamente). 

Aunque también es verdad que la mayoría de discos que compartimos aquí tienen más de 40 años y que en muchos casos las bandas ya no existen y sus discos jamás fueron editados ni siquiera en casete, por ende dudo que estemos entorpeciendo el ‘’legítimo derecho del autor’’ de cobrar o ganar por su trabajo, y por el contrario, si no fuera por todos estos blogs en los que se comparte este tipo de música, la industria del rock ‘’vintage’’ no tendría tanta repercusión y por ende se venderían menos discos… 

AUN ASI Y DESDE YA, EN CASO DE QUE ALGUNA PUBLICACION DE ESTE BLOG MOLESTE O PERJUDIQUE DE MANERA DIRECTA ALGUN  MUSICO, ROGAMOS POR FAVOR DIRIGIRSE A ESTE CORREO ver correo aquí  PARA CONTACTARSE CON NOSOTROS Y ASÍ RETIRAR NOSOTROS EL MATERIAL INDICADO DEL BLOG.

También debemos aclarar que bajo ningún punto de vista o consideración esto se detendrá,  seguiremos compartiendo música,  sumaremos administradores, y si este blog en algún momento llega a ser eliminado... pues crearemos otro, y si ese otro llega a ser eliminado, crearemos 5 mas y crearemos 20 cuentas en host y seguiremos compartiendo, porque esto no se va a detener jamas, mi alma no se detendra jamas...
Sobre nuestros hosts y la calidad de audio:

Todo lo que subimos va a nuestros hosts en MEGA, tratamos de que la calidad de audio que subimos sea en formato FLAC o algún formato lossless, la mayoria de los discos van con su respectivo cue., log. scans, etc. Hacemos todo el esfuerzo posible para conseguir el material y compartirlo, solo esperamos que descarguen, descarguen más y descarguen todo, y disfruten con todo lo que subimos, y si a alguien se le ocurre dejarnos un coment, será muy bienvenido porque es un aliciente o motivación muy importante para seguir compartiendo cosas… 
Sobre gustos y conciencia música

La idea aquí es ir ampliando la visión musical, ir investigando, buceando, para conocer un poco más sobre que variantes hay para escuchar, porque si se trata de los medios de comunicación populares a los que estamos expuestos, entonces solo escucharíamos muy pocos artistas y estilos, y eso es algo peligroso, y se efectúa constantemente. Personalmente creo que la música es algo muy digno y debe ser tratado como tal, pero hay mucha gente que no lo piensa así y han vuelto a la música (junto con cualquier otra cosa que sirva para vender y hacer propaganda) en un negocio, en un producto descartable que constantemente se está maniatando y vendiendo, y promocionando por doquier, y por ende lo verdadero del arte queda de lado, escondido, machacado, aplastado.

Sugiero que como artistas, o músicos, o melómanos, o como simples oyentes degustadores de la música, investiguemos y cuestionemos que es lo que escuchamos; a esto lo aplico también a la vida misma y a los valores bajo los cuales vivimos, pero este no es un blog de filosofía (talvez si lo es) así que no voy a adentrarme a hablar sobre lo que entiendo por libertad; pero si nos referimos a la música, pues la meta aquí es brindar un lugar verdadero donde se exponga verdaderamente aquello que musicalmente fue creado para traer arte, variedad, frescura, innovación, peligro, incomodidad, arte nuevo, arte viejo, nuevos artilugios, experimentación, etc., todo eso a lo que no estamos para nada acostumbrados porque popularmente la música se ha vuelto algo fácil, cómodo, rápido, algo meramente eventual y técnico, con poco sentido de la intrepidez y la creatividad.

También pienso que las opiniones tienen muy poco y nada de valor, porque dividen a la gente, generándose la conciencia de la división de clases o de ideologías, y lo que menos quiero con este blog es generar eso, como una especie de ‘clase’ o ‘gusto’ psicodélico exclusivo y separado de los demás géneros. Por el contrario, quiero que la psicodelia esté a la altura de cualquier género, en cuanto a la consideración de la gente, al igual que los tantos géneros y sub géneros que compartimos aquí, y que han dejado huellas imborrables en el arte y que poco se sabe de ellos.

29 jul. 2013

Arco Iris - Sudamérica o Regreso a la Aurora (1972)

Hacia el año '68, Gustavo Santaolalla intentaba infructuosamente conseguir algún contrato para su banda, "The Crows", hasta que dio con Ricardo Kleiman, quien le aconseja comenzar a cantar en castellano. Así, cambio de nombre de por medio, Arco Iris entra en un estudio.

Con el tema "Blues de Dana" ganan en el Festival Beat de la Canción Internacional que se realiza en Mar del Plata en 1970. Con el nombre de ese tema, el sello RCA saca un disco recopilación de los simples editados hasta ese momento, casi simultáneamente con la aparición del primer LP de la banda ("Arco Iris", 1970).

Arco Iris era ya mucho más que un grupo de rock. Con la guía espiritual de la modelo ucraniana Danais Winnycka (Dana), conformaron una comunidad en El Palomar, en el Oeste del Gran Buenos Aires, que se regía por estrictas normas naturistas: estaba prohibido el consumo de carne, alcohol, drogas y también el sexo.

"Mañanas campestres" (1972) es el siguiente éxito, que inicia la tendencia folklórica que quedaría marcada con el LP "Tiempo de resurrección" (1972) y, sobretodo, con la ópera "Sudamérica, o el regreso a la Aurora" (1972).
En este caso vamos a subir y analizar Sudamérica o regreso a la aurora, una obra de esta emblemática banda.

Este disco es una ópera, empecemos con los actos.
Acto Primero: Sobre la margen derecha de un río yace un imperio en total estado de decadencia, debatiéndose en sus propias miserias humanas. El emperador dueño y señor lejos de ver la catástrofe vive ocupado en las diferentes bajezas de su mente enferma. Su hijastro, Nahuel, jóven indio recogido en uno de los tantos avances conquistadores sobre pueblos indígenas, a pesar de estar criado en medio del lujo y la molicie de la corte, no participa de sus orgias y banquetes. Sumido en profunda tristeza. Recuerda de cada vez con más amor, sus días de niñez en el ambiente natural y simple de su tribu iluminado por los rayos benéficos del culto al Sol que ahora comienza a reflejar en su alma, él también es hijo del Sol, y la continúa oscuridad que lo rodea, oprime su corazón de dolor: hasta Amancay, una hermosa doncellaa de la corte, sol de su amor, llena de pureza y luz interior, ha desaparecido en medio del caos dándosela por muerta en el bosque. Lleno de desconsuelo entona Nahuel su triste canción (Canción de Nahuel) en laa soledad en su cuarto.

Un extraño sonido llama su atención y con refulgente luz, aparece en la ventana un ser alado semejante a un pájaro dorado quién entonándole su canto le habla de su evolución espiritual y lucha interior (Canto del pájaro dorado).

Como ave en libertad, se siente Nahuel inundado de felicidad, su mente queda en calma y como mecido en un nido su alma empieza a flotar sobre un mar de luz de luna, hasta llegar un claro bosque (Viaje Astral). Allí encuentra a un anciano maestro sentado en la piedra del recuerdo, bajo el Árbol del Amor: aquél le dice, ''Prepará el camino porque soy yo el que vuelve hacia ti''... Nahuel comprende entonces que él es el Elegido (Tema del Maestro). Debe reunir a seis hombres y partir hacia el Norte. Al mirar al Árbol del Amor percibe las flores llenas de música y en sus hojas el oro del sol, a su alrededor los silfos y faunos danzan con los diminutos seres del campo. La hora de la iluminación, había llegado ... (Iluminación)

Lleno de fervor vuelve Nahuel a la ciudad (Gira) promieniendo a quien quiera seguirlo libertad, paz, y un gran Tesoro Espiritual (Sígueme) Un negro, apesadumbrado por sentirse como un extraño en su propia tierra, siente despertar en su alma el llamado de liberad (El Negro). Tres campesinos que habían llegado a la ciudad buscando mejora económica y un viajero aventurero, prometen acompañarlos (Los campesinos y el viajero) Un estudioso de la naturaleza va cumplido u prsagio en las palabras de Nahuel (El estudioso) Al amanecer todos emprenden la partida (Oración de la partida) felices y llenos de entusiasmo. Como resultante, Nahuel da su primer mensaje de luz a sus futuros hermanos (Sálvense ya).


Acto Segundo :
Traviesa y llegada a la Casa del Sol en las 'colinas'. Emprendida su travesia, el estudioso escucha el sonido de la voz, la cual hace que del Árbol del Amor broten ramas en su interior, cuyas flores son luz con música, eco de su luz (Recuerdo).

La inmensa llanura llena de gozo, sus almas y animados por un mismo ideal entonan (La canción de los peregrinos).El viento se lleva sus voces, vuelve el silencio, Nahuel mira hacia el cielo que se parte en un ave azul de ojos infinitos que lo miran desde el sonido lejano de su voz (Amancay). Lleno de esperanza presiente que no está muerta, renace la fé y la fuerza interior. El paisaje ha cambiado, retumban los sonidos en la selva atenuados por los algodonales, los brazos de los trabajadores reunen todos los ritmos, todos lo anhelo, todo el amor en (Hombre)

Transcurrido algún tiempo, el aventurero decepcionado por no tener sensaciones nuevas, decide abadonarlos. (Deserción del viajero) El hecho provoca inquietud en el resto de los compañeros. Los campesinos ponen de manifiesto su falta de entonando (La duda de los campesinos). Como respuesta a la duda, al Árbol del Amor, las abejas de la feliciddad, al abrigo de (El aliento de Dios).

A su regreso a la ciudad el viajero encuentra una ''aventura nueva'' revela los planes de Nahuel al emperador (El viajero delata a los peregrinos). Este furioso y dolorido por el abandono de su hijastro, envía un ejército de mercenarios en persecución de los peregrinos. En plena salva se produce la batalla, la orden es atrapar o matar (Persecución de los peregrinos). Dos de los campesinos resultan muertos y el tercero es capturado.
Sorpresivamente una luz brilla en el cielo, un disco luminoso se acerca y el ''pájaro dorado'' le señala a los restantes por dónde deben escapar.

Tres días recorren las galerías subterráneas llenaas de eco mineral, guardián del silencio (Viaje por las galerías subterráneas) hasta que la luz de la Nueva Aurora los atrae hacia la salida, a orillas del inmenso lago (Salida al inmenso lago - Iluminación) allí Amancay resplandece en el sol extendiendo a todos al lugar del recuentro (Reencuentro con Amancay - Oremos) dónde a su vez van llegando otros seres desde los cuatro puntos cardinales. Largo tiempo esperaron el regreso al hogar y ese día llegó. Mucho les queda por hacer en esa tierra dónde la sangre nunca ha sido derramada, y dónde la atmósfera pacífica hace de ese Lugar de las Flores, un paraíso terrenal.

Nuevamente aparece bajo el Árbol del Amor cuyas hojas están grabadas en oro, la figura y la voz del Maestro (Las colinas y el Maestro) que sonriendo al Remanente dice ¡Hijos míos! ¡Hermanos de la Nueva Aurora! Vivan en armonía con el Creador y reflejen esa imagen en sus hijos: para ello él les deja el ''Arco Iris'' como símbolo de enterna alianza en esta Nueva Era que comienza (Sudamérica).

La música:
La ópera comienza con la obertura que no sólo es el preámbulo de la obra, si no que musicalmente nos describe los momentos dramáticos que antecenden y que finalmente desembocan en la trama argumental propiamente dicha en la trama argumental propiamente dicha. En los primeros compases el auto trata de reflejar el nacimiento de América del Sur, el surgimiento de la nueva tierra desde lo infinito y lo desconocido. Esto está reprensentando por el sonido de un huevo que se parte marcanso así el comienzo vibratorio de la vida manifestada. Inmediatamente luego de esto se puede oír arcaicos instrumentos folklóricos  que simbolizan la Sudamérica primitiva poblada solamente por plantas y animales: y es después de este comienzo cuando desde el fondo crece un pasaje (Iluminación) muy importante dentro de la obra que marca el nacimiento ddel hombre en el nuevo continente. Ligado a esto continúa el relato musical pintándonos la vida libre del indio americano y enseguida la amenaza siniestra de una fuerza que los exterminara. A continuación el autor nos muestra a través del blanco y del indio americano y enseguida la amenaza siniestra de una fuerza que los exterminará. A continuación el autor nos muestra a través de un pasaje de guitarra con reminiscencias españolas, la colonicazión y la aparente destrucción del mundo cultural reinante en esa época. Es entonces cuando ante la decandencia que sucede a los hechos anteriores se comienza a gestar la conciencia de recusitar los antiguos valores escenciales del hombre, manifestando en un breve trozo que da el título de la ópera (Sudamérica) y la determinación de alcanzar la meta en el párrafo siguiente lleno de fuerza y vida para llega al último pasaje de la obertura que expresa totalmente en su contenido la suprema aspiración de la salvación espiritual.
Musicalmente Sudamética o el regreso a la Aurora está basada en la fusión de los habituales elementos de la música pop con ritmos candencias y estructuras del folklore indoamericano.

A través de toda la obra podemos citar candencias norteñas de los saxos en el Canto del pájaro dorado, el ritmo de vals peruano en el Viaje Astral, la baguala del Tema del maestro y el ritmo colombiano de Los campesinos y el viajero, l cueca en el tema El estudioso, la vidala de la Canción de los peregrinos, la chacarera y el vibrante pasaje de percusión en Hombre, dónde se fusionan desde un elemento como el malambo hasta cadencisa de ritmos afrocubanos como por ejemplo el llamado santo: la zamba en El aliento de Dios y en el final un neto ritmo de carnavalito en Sudamérica.

Cabe destacar que Arco Iiris no es la primera vez que incursiona en este tipo de fusión, esta obra surge como resultante de una tarea que el grupo viene realizando desde 1969 y que persigue como objetivo principal el crear una música telúrica de contenido americano pero con la visión que su tiempo y su evolución como hombres les exige.

Cod: #1059

25 jul. 2013

Akritas - Akritas (1973)

En este blog generalmente escribimos nuestras propias reseña, pero en este caso encontre (en este blog) una reseña que me ha gustado mucho y por eso me tomo el atrevimiento que copiarla tal cual, ''TUCO RAMIRES''... espero que no te moleste!

''Cómo puede uno intentar la descripción de un álbum cuyo idioma desconoce profundamente, de una duración harto breve y del que, además, no se puede distinguir un corte de otro (pues la remasterización en CD omitió la separación de los tracks en pro de presentar un solo track de 33 minutos)? La solución es, me parece, partir de una descripción muy general y enfatizar los puntos más relevantes del mismo. 

Como preámbulo a mi comentario, debe decirse que este supuesto trío sólo lo es en apariencia, pues a la base de Tasoulis-Logaridis-Tsoupakis (clásica formación keyboard power trío a la ELP) se agregan dos convidados en guitarra y órgano que hacen mucho bien al asunto, en especial el buen guitarrista Papachristou, ya difunto, por cierto. Como antecedente histórico, vale la pena mencionar que el bajista y guitarrista Stavros Logaridis había formado parte de Poll, banda cuyo primer trabajo es digno de rescatarse.

Estilísticamente, Akritas ofrece afinidades con nombres conocidos por todos nosotros. Una referencia obvia puede ser ELP, vista la formación de pseudo-trío complementado con guitarras, impresión que se confirma con el tarkusiano arranque del disco y algunos pasajes tecladísticos de gran intensidad. Empero, esta similitud es sólo referencial, y pudieran agregarse también afinidades con Gentle Giant (en la complejidad de algunos pasajes instrumentales) y un cierto divertimento jazz que me parece próximo a Zappa o incluso Supersister. Otros han querido ver proximidades al rock italiano, aunque esto me parece sólo cierto en lo que toca a cierta “mediterraneidad” propia de los grupos de ambas naciones. Y no es de soslayarse la influencia del coloso griego de la época, Aphrodite’s Child, sobre todo en los pasajes más helénicos de la música. 

Los temas de este “Akritas” son todos breves, entrelazados entre sí para formar dos suites de poco más de 16 minutos cada una, divididas solamente por la inevitable mecánica de dar vuelta al LP. Decíamos que la primera de estas suites arranca revisitando las sonoridades del Tarkus emersoniano, aunque pronto se aparta de esta vía en pro de un sonido jazzeado, con brillante trabajo de guitarra eléctrica y piano. 


La voz de Logaridis es muy peculiar, con alguna vaga similitud con Demis Roussos, aunque resulta menos agraciada que la del alejandrino. Hay bonitos pasajes acústicos que remiten a la música popular griega, a los que acompaña una batería vigorosa que complementa los estertores de la guitarra eléctrica de Papachristou. Sigue uno de los momentos que más me agradan de todo el disco, un excelente instrumental donde los dos tecladistas, Tasoulis y el invitado Papadopoulos, se dan un quién vive en cuanto a hacer orfebrerías con el órgano, para luego pasar a figuras de piano enmarcadas en una sólida base rítmica que suena más vital que en ningún otro momento del álbum, orientándose decididamente al jazz. Tras una breve pausa, el grupo se toma su tiempo en la construcción de un tema discreto que, de a poco, vuelve a coger su vuelo, esta vez de las manos de Tasoulis que corren ligeras sobre el piano, mientras la voz de Logaridis chasquea desenfrenada siguiendo las notas del piano que incrementan cada vez más su velocidad, hasta que el viejo y querido VCS hace su aparición. El lado A concluye con una canción sencilla, piano y voz solamente. 

La cara B comienza con un tema sencillo y alegre de piano al que se agrega un ululante sintetizador que me hace recordar un poco el querido tema de “Trilogy”, quizás también por la percusión a cargo de Tsoupakis, aunque en Akritas, a diferencia de ELP, la guitarra eléctrica es una firme protagonista. De nuevo el piano suena alegre, aunque súbitamente Tsoupakis nos traslada a un magnífico pasaje instrumental donde su combativa batería brilla sobremanera y es el soporte de varias capas agitadas de piano y sintetizador, para luego sonar en solitario. Prosigue un tema suavísimo, casi pastoral dirían algunos y que suena muy italiano, casi tan sencillo y austero como aquel “Principe di un Giorno” de Celeste. Estas calmas mediterráneas poco duran, pues luego se vuelve a un sonido de raíz popular griega más agitado y vital, donde el propio cantante Logaridis pretende sonar más enérgico. Siento que en este pasaje hay algo de afinidad con aquel 666 de sus hermanos mayores Aphrodite’s Child, en aquella convulsa parte de The Capture of The Beast. El permanente eclecticismo de este grupo se vuelve a poner de manifiesto con un pasaje de piano muy clasicista que pronto cede paso a un caos sonoro afortunadamente breve. De repente, surge de la nada una balada acústica acompañada de rugosos sintetizadores y buenos efectos e órganos que, lentamente, se van desintegrando para, de este modo, dar fin al álbum. 

No es este, sin dudas, una obra menor en el contexto griego. Yo lo pondría entre los tres mejores álbumes de progresivo de este país, sólo abajo del 666 de Aphrodite’s Child y codo a codo con esa otra maravilla que es Armageddon de la PLJ Band. Empero, hay otros álbumes de este mismo periodo en Grecia que me parecen superiores, aunque no sé si pudieran calificarse de rock progresivo en sentido estricto. Pero de ellos ya hablaremos en su oportunidad. En tanto, me gustaría conocer su opinión respecto de este excelente trabajo, ampliamente conocido de muchos de ustedes.''

22 jul. 2013

Gleemen - Gleemen (1970)

Gleemen fue una banda italiana formada en 1968 en la ciudad Genoa e integada por Maurizio Cassinelli en bateria, voz, Bambi' P.N. Fossati en guitarra y voces, Angelo Traverso en bajo y Lio Marchi en teclados. Entre 1968 y 1970, el grupo actuó en vivo, adquiriendo la experiencia necesaria con el fin de grabar su primer y unico discos bajo este nombre. 

En 1970 lanzan ''Gleeman'', predominantemente de blues/rock prog y toques de psicodelia, hard, garage y funky. El sonido es muy dinámico de principio a fin... producto de una banda con buenas capacidades, variado... ya que exceden algunos limites y ofrecen varios contrastes entre hard rock y blues. 


Algunos temas convergen especialmente como en sesiones de soul y zapadas, por ejemplo ''Spirit'' o ''Un'amica'' donde se mezcla el buen trabajo de la guitarra dura, por parte de Fossati, con algunas sutilezas del teclado y momentos improvisados que denotan la despreocupación que tenían por la duración. (aunque el disco tampoco tiene cortes excesivamente largos, de hecho la mayoría no supera los 3 o 4 min.) 

Después de este lanzamiento, el cuarteto cambió su nombre a ''Garybaldi'' , manteniendo la misma formación y lanzando otras emblemáticas joyas prog, por ejemplo ''Nuda'' de 1972.

15 jul. 2013

Kingdom Come - Galactic Zoo Dossier (1971)

‘’Kingdom Come’’ fue una banda británica de la década de los 70s, un grupo psicodélico y experimental de rock progresivo. Estaba liderado por el famoso Arthur Brown, quien con su estilo guía a la banda a una suerte de popularidad dentro del circuito de festivales de Gran Bretaña, llamando la atención, en parte, por su puesta en escena hasta teatral, con sus vestiduras, maquillaje y baile... xD

Después del colapso de ‘’The Crazy World Of Arthur Brown’’ en 1970, cuando el teclista Vincent Crane y el baterista Carl Palmer abandonan la banda para formar Atomic Rooster, Brown trabajó con un grupo variado de músicos en distintos proyectos llamados ‘’Strangelands’’, ‘’Puddletown Express’’, y (brevemente) ‘’ Rustic Hinge,’’, antes de encontrar los músicos que conformarían Kingdom Come. El principal de ellos fue el guitarrista Andy Dalby , compañero constante del mismo Brown. Ademas incluyeron Julian Brown (no familiar de Arthur) en voz, Phil Curtis en bajo, Michael Harris en teclado, Phil Shutt en bajo y Martin Steer en bacteria.

La banda publicó 3 trabajos, Brown declaró en una entrevista con una revista musical inglesa que los tres álbumes fueron destinados a presentar una progresión temática. La primera se centró en la situación de la humanidad en la actualidad, la segunda en el propio animal humano y la dicotomía entre la el cuerpo y la mente, y la tercera se centró en asuntos cósmicos y espirituales. En este caso, presentamos el primero de ellos, y en el cual por ahora me he encontrado mejor, ‘’Galactic Zoo Dossier‘’, lanzado en 1971.


Como es bien conocido, el estilo de Brown es bastante extrovertido, bizarro y alocado (aunque también lucido), en este caso llevado a un lugar más extremo que en su anterior proyecto ‘’The Crazy World Of…’’. Ahora la locura es más profesional, tiene suficiente compañía, la cual nutre el sonido con el uso de distintos sintetizadores, mellotrones y theremines, y explotan más los recursos musicales incursionando dentro de un rock bastante personal como lo es el de Brown, con sus puestas teatrales y sus juegos de voces… en parte por influencia de Captain Beefheart y talvez de Frank Zappa, llegando a elaborar un sonido progresivo que se desarrolla entre el caos psicodelico/espacial y los grandes riffs y pasajes blues-rock.

El álbum esta “armado” con un sinfín de artilugios progresivos bastante vanguardistas para la época… diseñado puntillosamente por Brown, con buenos pasajes hard y bues rock llegando a momentos profundo y seductores… hasta explotar inesperadamente en caos sonoros incalculables. Sin duda un álbum de culto por la gran calidad de composición e interpretación…

En 1974 la banda se separaría, por la poca repercusión comercial, la indiferencia de los críticos de música y la paupérrima promoción de la disquera, en especial en los EEUU. Mas tarde cambiarían su nombre al de Arthur Brown’s Kingdom Come por cuestiones legales con una banda llama igual.

Cod: #1071

12 jul. 2013

The Savage Resurrection - The Savage Resurrection (1968)

The Savage Resurrection fue una banda estadounidense de rock psicodélico, garage rock y se puede decir que sería acid rock. Nacieron en Richmond, California , Estados Unidos. La banda fue conocida como una de las bandas de rock psicodélico más jóvenes de la zona, con sus 16 años de edad, el guitarrista , Randy Hammon, que es el primo de Paul Whaley, baterista de Blue Cheer.

En 1967 el grupo firmó con Mercury Records en el que lanzaron su debut homónimo en 1968. Su álbum fue producido por Abe "Voco" Kesh que es famoso por su trabajo con la banda Blue Cheer y Harvey Mandel . Su sonido estaba cercano al de la banda Love y The Jimi Hendrix Experience.

Aunque yo creo que también el sonido de la banda está muy relacionado con Blue Cheer, las voces y las guitarras fuzz, etc.El cantante Bill Harper y el bajista Steve Lage dejó la banda poco después, lo que lleva a la desaparición del grupo. La banda continuó hasta finales del '68 y luego se separaron.


El disco consta de 13 canciones, con un sonido bastante blusero pero lleno de psicodelia, en una de las canciones que más se notan esas dos cosas es en Jammin', una pieza que dura 8:06 minutos, llena de fuzz y sonidos psicodelicos acopañando. 

Bueno ya viendo la tapa podes sacar tus propias conclusiones, una tapa típica de los 60's colorida y psicodélica en el cuál ya podes decir que es un disco bastante lisergico lo cuál lo es. 
La banda estaba formada por, Bill Harper, voz, Randy Hammon, Guitarra, John Palmer, segunda guitarra, Steve Lage, bajo, y Jeff Myer, batería. 

Cod: #1156

Gomorrha - Trauma (1971)

‘’Gomorrha’’ fue una banda de corta duración… muy ligada al movimiento krautrock alemán gestado a principio de los 70s. Nació en Cologne, Alemania, 1969, y estaba integrada por Ali Claudi en guitarra y voz, Eberhard Krietsch en bajo, teclados y voz, Ad Ochel en guitarra, voz, Veter Patten en Voz y Helmut Pohl en flauta y percusión…

En 1971 lanzan su primer disco, ‘’Trauma’’, producido por Conny Plank. Aquí ofrecen un trabajo progresivo de gran nivel..., altamente cautivante... Un rock progresivo potente, psicodelico y algo pesado, con distintas incursiones/fusiones a lo krautrock, funky, blues-rock, talvez algo de jazz... en el cual las guitarras son el centro y la base del sonido del álbum. 

Hay una alucinante incursión kraut de 13 min. llamada ''Trauma'', un jam psicodelico espacial... condimentado con teclados y todo tipo de efectos electricos y feedbak que crean una atmosfera muy profunda y acida; pese a ser una de las pocas sesiones extensas que cuenta el disco... este espiritu ''psych/experimental'' se esparce durante todo el disco, se conjuga perfectamente con las exuberantes guitarras... y se combina en una impecable simbiosis con la potencia del disco, las atractivas composiciones y la gran performance de la banda que constantemente se mantiene en un alto nivel.


El blues tiene sus buenos momentos... en algunos temas, en forma de soul/funk que se refleja en distintos riffs y arreglitos en guitarra... mezclados con otros arreglos, mas sutiles aun, de teclados. Talvez las voces (la mayoria en ingles, algunas creo que en aleman) sean uno de los puntos que no sigue la impecable linea que mantiene el disco, a veces pareciera como que no terminan de encajar... al lado de algunos grandes pasajes.

Luego de este lanzamiento, lanzarían, en 1972, un segundo album, 'I Turned To See Whose Voice It Was', otro trabajo de fusion entre krautrock y progresivo. Se separaron sorpresivamente en 1973, tras la publicación de sus dos memorables álbumes del rock independiente alemán.

La re edición de 'Trauma' que traemos aquí es la de cd de 1998, a las cual se le sumo varios temas bonus entre los cuales se encuentran outtakes de los temas del disco y con la particularidad que estan cantados en aleman.

Cod: #1074

7 jul. 2013

Affinity - Affinity (1970)

Affinity fue una banda britanica (de Brighton, East Sussex) de jazz-rock fusión que funciono desde mediados de 1968 hasta enero de 1971 cuando la cantante de la banda Linda Hoyle decide salir del grupo... marcando asi el final del proyecto. La banda estaba integrada por la ya nombrada cantante... junto a Mo Foster en bajo, Mike Jupp en guitarra, Lynton Naiff en teclados y Grant Serpell en bateria...

En 1970, antes de separarse, lanzan este elegante trabajo... con un sonido particular que sabe llevar muy bien una serie de temas de alto nivel. Grabado en Trident Studios and Island Studios, es un esplendido y selecto disco de rock prog un tanto estilizado y mezclado con un poco de jazz-rock, soul y blues, con piezas variadas (que van desde sutilezas jazzeras mas tranquilas, pasando por riffs estio soul... hasta llegar a grande momentos prog); y grandes intervenciones del teclado que, ademas de formar parte principal del sonido, por momentos sorprender con enormes zapadas que demuestra la gran destreza Lynton Naiff. 


El discos en si consta de 7 temas, en ese sentido es un disco rápido, muy cómodo y agradable de escuchar, con un sonido muy intimo y con gran feeling y con una voz principal impactante y dulce como ciertamente lo es la de Linda Hoyle (que recuerda mucho a Julie Driscoll). 

Mas tarde, en distintas ediciones, se agregarían 8 temas extra al disco, los cuales permiten apreciar mejor las posibilidades de la banda, en especial por temas como ''Yes Man'', que junto a ''Night Flight'' y varios mas... demuestran el gran disco que tenemos ante nosotros, muchas piezas de alto nivel y el deleite que todo lo dicho conlleva.

Cod: #1032

2 jul. 2013

Sweet Smoke - Just a Poke (1970)

Sweet Smoke fue una banda de rock psicodélico, jazz fusión formada en Brooklyn, Nueva York en 1967 con muchísimas influencias diferentes como el funk, el jazz, entre otros. La banda se trasladó a vivir como en una comuna en Alemania. 

Los integrantes de la banda son, Andrew Dershin, bajista, Jay Dorfman, baterista o percusionista, Marvin Kaminowitz, guitarra y voz, Michael Paris, saxo, percusión, voz y Steve Rosenstein, guitarra rítmica y voz. 

Su primer disco Just a Poke  se convirtió en una especie de icono de culto de la escena underground que estaba empezando a emerger como la respuesta de Europa a la escena hippie.


Just a Poke consiste de dos canciones cuyas duraciones son muy extensas. En el vinilo consiste de dos lados, como siempre, el lado A en dónde se encuentra Baby Night, cuya duración es de 16:38 el comienzo es muy tranquilo, comienza con una especie de flauta si no me equivoco, luego entra la voz y les dejo que lo escuchen ustedes.

Luego sigue Silly Saly que tiene una duración no mayor a la anterior, consta de 16:31, en dónde se nota muchísimo la influencia de Jazz que tienen estos muchachos, un disco MUY recomendable y tranquilo para disfrutar. Ya la tapa dice mucho, una tapa muy colorida y con distintos toques medios psicodélicos, este disco es una cosa perfecta para escuchar y eso me incentivó más en escucharlo.

Cod: #1196
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...