30 abr. 2013

Julian's Treatment - A Time Before This (1970)

Esta es una banda creada por el caribeño (específicamente de ''Mancomunidad de Dominica'') Julian Jay Savarin, escritor de ciencia ficción y músico; en los 60s se muda a Londres y queda impresionado por la escena musical que allí se estaba desarrollando... por lo que decide comenzar su propio proyecto, es así que junto a John Dover en bajo, Jack Drummond en batería, Cathy Pruden en voz y Del Watkins en guitarra y flauta... forman ''Julian's Treatment''...

En 1970, bajo el sello ''Youngblood'', la banda lanza su primer y unico disco... otra joya olvidada de prog y psicodelia, es un doble disco conceptual ideado por Julian Jay Savarin quien se encarga de la música y de la poética de ciencia ficción de las letras; musicalmente es un disco de rock prog psicodelico, aunque tiene toques hard y heavy el sonido en general es suave...


Un disco altamente creativo que despliega una interesante gama de piezas prog que alcanzan soberbios momentos musicales, no es excesivamente complejo pero contiene grandes pasajes liderados en mayor parte por un teclado que genera todas unas atmósferas espaciales, dramáticas y un tanto fatalistas y oscuras aunque también muy calmas y placenteras, una locura muy amable y suave... conducida por una potente voz femenina... y adornada con buenos arreglos de batería y por momentos con buenos solos eléctricos de guitarra...

Finalmente los temas ''The Coming Of The Mule'', ''Alda, lady of the outer worlds'', ''Alkon, Planet Of Centauri'', ''Fourth From The Sun'', ''The Terran'', (talvez algun otro mas...) quedan como grandes piezas que valieron la pena descubrir...

Lamentablemente, debido a los problemas de gestión y promoción, la banda muere rápidamente desapareciendo por completo, mas tarde el mismo Julian Jay Savarin como solista lanzaría el álbum ''Waiters On The Dance''...


28 abr. 2013

Rush - 2112 (1976)

Sabemos que Rush empezó en 1968, con sus primeros discos como, Rush, Fly By Night, por los cuales son más Hard Rock, tirándose al estilo Led Zeppelin, pero ya en 1976, sacando su disco 2112 comenzó toda su escencia del rock progresivo.

2112 como vemos aquí, consiste de 6 temas, empezando por 2112, un tema que dura 20:37, un tema de muuy larga duración, consiste en que tiene ''etapas'' empezando por Overture (4:32), luego con The Temples Of Syrinx (2:13), siguiendo con Discovery (3:29), Presentation (3:42), Oracle: The Dream (2:00), Soliloquy (2:21) y por último Grand Finale (2:14). En vinilo, se representa como un sólo lado, una canción, y luego las demas canciones pertenecen al lado B.


El resto de las canciones en el disco no guardan relación con el tema titular, aunque cuentan con letras de Neil Peart asimismo. Alex Lifeson y Geddy Lee escribieron las letras de dos temas, Lessons y Tears, respectivamente. Esta última canción es el primer tema de Rush donde toca un músico ajeno a la banda: Hugh Syme, quien contribuyó con una parte en melotrón y tocaría teclados en varias canciones de Rush en el futuro (como por ejemplo Different Strings en "Permanent Waves" y Witch Hunt en "Moving Pictures")

La banda, aún bajo la presión de la compañía discográfica (Mercury Records) de no realizar otro álbum conceptual (tras el fracaso comercial de su último larga duración, "Caress of Steel", que contenía dos temas así), prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero de Rush en figurar en los "Top Pop Albums" en Estados Unidos y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (durante la promoción su siguiente álbum, "A Farewell to Kings"). El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico "Moving Pictures".

Código: #1016

27 abr. 2013

Rainbow Ffolly - Sallies Fforth (1968)

Los hermanos Jonathan y Richard Dunsterville, dos jóvenes ingleses casi adolescentes, procedentes de la ciudad de “High Wycombe” en el condado de Backinghamshire. Llevaban haciendo música desde primeros de los sesenta con una banda llamada “The force four” y que se dedicaba principalmente a interpretar temas de sus admirados Everly Brothers.

Años después, ya en 1967, Jonathan conoció en la universidad a un baterísta llamado Stewart Osborn, quien a la vez propuso invitar a un bajista amigo suyo llamado Roger Newell a tocar. Juntos formaron lo que sería “Rainbow Ffolly” iniciando su andadura de la mano de un mánager llamado John Sparrowhawk (Juan Gabilán para los amigos) poco después lanzaban al mercado su primer single que incluía el tema “Drive my car” (nada que ver con el de Los Beatles), a este sencillo sucedería en 1968 un elaborado y excelente álbum titulado “Sallies Forth”, compuesto con material grabado en los estudios de Malcolm y John Jackson, los hijos del famoso disc-jockey John Jackson. 

Los derechos fueron adquiridos por EMI Parlophon , lo que no garantizó en absoluto su éxito comercial, si no al contrario, el álbum pasó de largo a pesar de su indudable calidad, sin pena ni gloria, fue olvidado con el paso de los años y perdiéndose en la noche de los tiempos.


“Goodbye” es una bonita canción de amor y despedida, donde se aprecia desde el principio el sello Mcartniano y romántico que imprime el vocalista, hasta el punto de que parece ser el propio Paul el que nos estuviese cantando al oído una melodía recién compuesta por él. “Goodbye”está acompañada de unas guitarras acústicas intachables con cierto aire de Bolero. Preciosa y romántica. Increíblemente desconocida.

“Sun sing” excelente pieza que nos hace viajar en una atmósferade psicodélia muy elaborada y de una calidad muy alta. El tema más ácido y auténtico de los que componen el disco. Un claro ejemplo del talento e inventiva de los Rainbow Ffolly.


“Come or gone” es un tema con un ritmo muy pegadizo y me recuerda mucho al estilo Rhythm & blues de los primeros “Pretty Things” lo he querido añadir para que veáis el magistral contraste que hace con el resto de los temas del álbum.

Código: #1017

Contraluz - Americanos (1973)

‘’Contraluz’’ inicio su historia en Buenos Aires al comienzo de los 70s, la banda estaba formada por Carlos Barrios en guitarra, Nestor Barrios en batería, Gerry Barchielli en voz, Alejandro Barsi en flauta traversa y voz y diego Prochnik en bajo…

Fueron considerados como los ‘’Jethro Tull argentinos’’ debido al uso de la flauta traversa al estilo ‘’Anderson’’ (asi como ‘’Ñu’’ fue considerado el Jethro Tull de España o ‘’Nuevo Mexico’’ el Jethro Tull mexicano). Una de las características del grupo eran las letras con un alto contenido político y musicalmente usaban armonias pesadas pareciendo un hard rock elaborado…

En 1973 graban su único disco, ‘’Americanos’’; cuyo despliegue musical del disco es impecable, excelentes bases rítmicas un tanto jazzeras de la mano del bajista Diego Prochnik y del dúctil baterista Nástor Barrio, que mezclan constantemente sutilezas con poderosos riffs de una manera unica... lo cual le da un sonido muy agradable a las canciones. La formacion folklorica de la banda no se refleja con ornamentaciones musicales o debido a la incorporación de instrumentos típicos, sino mas bien en la composición y hasta en la poética de las mismas letras que parecieran estar influenciadas por historias de pueblos humildes con contacto aborigen... (como en ''Indios Sin Prision'' o ''Sin Trabajo'' dos de los temas mas destacados del disco...)


Otro punto importante del discos es la constante implementación de la flauta transversa ejecutada por Alejandro Barsi que hizo que la banda tuviera que soportar el mote de imitadores de Jethro Tull, lo cual es totalmente injusto porque las raíces profundas de esta banda están estrechamente relacionadas con esta tierra y además porque la banda se desarrolló en la Argentina de los años 70s... con todo lo que eso conlleva política, social y culturalmente... 

‘’Contraluz’’ no llego a ser una banda popular pero en el circuito musical underground estaban muy bien reconocidos, sus show tenían una dinámica muy impactante.

Finalmente tras 25 años la banda se reunió nuevamente. En septiembre del 2000 editó un nuevo CD denominado ‘’El Pasaje’’, que tiene una estructura de rock sinfónico y en el 2003, y de forma también independiente, editaron ‘’Ramos Generales’’, presentado en el Teatro La Máscara, de Capital.

Código: #1018

Amon Düül - Psychedelic Underground (1969)

Amon Düül era el nombre con el que se denominaba a una comuna artística, muy politizada (de izquierda), formada en Munich, en 1967. Once adultos y dos niños que se reunieron para hacer todo tipo de expresiones musicales. Solían llevar a cabo happenings basados en improvisaciones libres que podían durar horas en las cuales cualquier miembro de la banda y del público (incluso aunque no fuera músico) podía unirse a ellos para tocar…

Antes de publicar su primer disco, por razones contractuales (y hasta ideológicas) la banda se separa quedando dividida en dos, los desertores formarían ‘’ Amon Düül II’’…una versión más convencional, musicalizada y comercial de Amon Düül… Los miembros que quedaron, seguirían como Amon Düül y con la misma idea musical libre…

En 1969 publicarían su primer álbum, "Psychedelic Underground"… y si buscaban un auténtico sonido psicodélico underground… pues aquí lo tienen…

Prácticamente todos los discos de Amon Düül vienen de una misma serie de grabaciones realizadas a finales de los 60s ( finales de 1968 o principios de 1969), las cuales de hecho no se grababan en estudio, por lo cual la calidad de sonido es muy pobre, tanto es así... que suena como un bootleg. Aunque tal vez esto sea lo que le dé parte de la gracia que posee la grabación, las cuerdas parecieran filtradas atreves de un charco de ácido… o tal vez las mismas cintas fueron mojadas en esas aguas, cual radiografía recién lavada. Dicho nivel de calidad sonora le da un trasfondo más desestructurado, informal, liberador… así como también oscuro y caótico.


A eso sumarle que al surgir de sesiones experimentales… nada tiene sentido, o tal vez lo tiene por completo pero nosotros no lo podemos percibir; los ‘’temas’’ (por asi decirlo) son sesiones alocadas altamente volátiles y libres. 

Lo primero que se escucha es un tema de más de 15 minutos basado en un ritmo de batería tribal muy repetitivo sobre el que van improvisando hasta que, hacia el final, directamente se les va la cabeza del todo y comienzan a gritar sonidos incoherentes como si estuvieran poseídos. Si uno sobrevive a eso… el resto irá bien, todo el álbum sigue esos mismos derroteros a grandes rasgos, con algunas descompaginaciones y mezclas de distintos sonidos y grabaciones, lo que denota algunos retoques en estudio. A veces se insinúa alguna melodía como en "Im Garten Sandosa", con ese aire oriental, pero no se crean que Amon Düül van a hacer algo tan vulgar como componer una canción, en su lugar repiten la melodía continuamente mientras otros músicos se dedican a hacer cosas raras por encima. Si hay que ponerle una etiqueta… sería la de krautrock, psicodelia y sonido experimental… 

Al principio cuesta un poco asimilar el disco, lo escuche porque… el nombre del disco, la tapa y proviniendo de tal banda ya lo hace un disco más irresistible, luego depende de uno seguir en el o no. Esta bueno para desestructurarse, para salirse de estructuras y sonidos convencionales y comenzar a abrirse a nuevas posibilidades… (creo que si estás leyendo esto o si te interesa en si la psicodelia, por alguna razón estas acá y ese hecho ya te hace alguien con gustos alternativos, aun así… este disco sigue siendo toda una prueba…)

No es un disco fácil pero tampoco es un disco malo, es un trabajo realmente extraordinario, con un potencial psicodélico enorme, con mucho valor histórico, que nace desde el mismo corazón del krautrock … y provoca a flor de piel varias sensaciones familiares difícilmente descriptibles … (…como suelo pensar, esas sensaciones que hasta a mi olfato le parecen familiares…, pero que a la vez, no se pueden describir con ninguna palabra conocida…)

Código: #1019

26 abr. 2013

Annexus Quam - Osmose (1970)

Annexus Quam fue un ensamble germano que exploro al kraut rock por su lado mas jazzero y groovy y genero un sonido, aunque influenciado, bastante personal. La banda esta armada por el flautista Harald WEDGE, el saxofonista Ove VOLQUARTZ, el teclista (que toca algo de clarinete en algún momento) Werner HOSTERMANN y dos guitarristas un de ello (Nans KAEMPER) asume también ocasionalmente la responsabilidad del trombón. 

Este disco, de 1970, se ramifica por distintos espacios sin salirse nunca de una atmósfera un tanto oscura que insinúa el sonido... y por la cual confluyen a la par los distintos músicos, en los que se destaca la participación de una flauta, un clarinete y un saxofón; aunque a la vez ninguno de ellos se destaca por sobre el resto por lo que el ensamble completo dirige las sesiones instrumentales de las cuales se nutren las pistas. La psicodelia también esta presente en la atmósfera generada por la banda, en distintos efectos propiamente dichos y otros efectos que sazonan el sonido de algunos instrumentos... 

Este disco consta de cuatro pista en las que se escuchan sesiones jazzeras y ritmos funkys, aunque a la vez las pistas se dividen cambiando el espectro musical y generando un sonido distinto al del comienzo... por lo cual podríamos decir que el disco esta subdividido en mas partes; ''Osmose I’' marca el inicio del disco... que nace sin un ritmo definido, en un ambiente pesado y sombrío guiado por intrumentos de viento, ''Osmose II’' surge inmediatamente y fluye con mucha mas intensidad... aunque tambien es un tanto difuso, con su base funky y su persistencia que culmina mas rapido que el primer tema.


''Osmose III'' ya es una pieza de diez minutos en la que la banda se explaya con mucha mas libertad, comienza con un tiempo lento en el que despliegan bases de blues lideradas principalmente por la guitarra, que hasta pareciera darle un toque garagero por su sonido mismo y la relación que tiene con la base rítmica; hasta que a los cinco minutos cambia la base rotundamente y gira hacia un lado un poco mas abierto a la experimentación y la busqueda... y va aumentando su nivel global de energía de forma sostenida y razonablemente sutil, siempre dentro de ese aire en la bases de blues. 

La cuarta y última parte, ‘Osmosis’ ocupaba todo el lado B del vinilo, cerrando el disco. En esa sesión la banda se explaya por su lado jazzero el que parece darle mas comodidad a la exploración; la pieza comienza con una introducción en piano que parece incitar a los demas musicos y les da pie, desde la sutileza, a que se unan, el bajo marca constante el ritmo y la bateria parece guiar ritmicamente la sesión; el sonido va evolucionando... los distintos instrumentos comienzan a bajar su intensidad y a aderezar el plato principal que empieza a ser definitivamente de la batería misma, que adquiere cierta libertad y la culmina rápidamente en un solo disperso entre las sutilezas melodicas... de saxo y guitarra. 

Los últimos 2 minutos y medio de... surgen como un ambiente aleatorio e irreal que culminan en esa dirección, entre el absurdo de distintos sonidos experimentales...Un disco cautivador dentro de lo que es el kraut rock poco conocido, y una joya a degustar para los amantes del rock experimental y de sesión, sazonado de jazz y una psicodelia un tanto oscura y peculiar...

Cod: #1184

Crucis - Crucis (1975)

Esta agrupación tuvo origen en agosto de 1974 y ya para octubre lograban llenar teatros. La consagración tan rápida de esta banda de rock sinfónico fue un caso atípico en la música nacional. Ya con Gonzalo Farrugia en batería comenzaron una serie de presentaciones en teatros y pubs repletos, a tal punto que Charly García (en pleno apogeo de Sui Generis) concurrió al Teatro Astral para comprobar la performance de la banda. Quedó tan impresionado que él mismo se ofreció para producir artísticamente el primer disco, "Crucis" (1976).

Dos funciones exitosas en el Teatro Coliseo y otra en el Luna Park los catapultaron al tope de las encuestas de popularidad, detrás de Sui Generis.

Muy en los comienzos Crucis fue un quinteto producido y manejado por el mítico Jorge Alvarez (fundador del sello Mandioca) pero pronto el bajista José Luis Fernández se alejaría para unirse a 'La Máquina de Hacer Pájaros', el grupo que tenía Charly García por aquel entonces. Muchos piensan que el alejamiento de Fernández fue a cambio de la producción de su primer LP por el propio Charly García; quién concurrió en persona al teatro donde Crucis daba sus shows y quedó tan impresionado que se ofreció a producirles su primer álbum llamado "Crucis" de 1976.


Este primer álbum presenta siete canciones de un gran virtuosismo instrumental y trabajo de voces que no está tan logrado. Se editó también un simple "Todo Tiempo Posible/ Irónico Ser" (RCA Víctor 31A-2657). El mismo Charly García estuvo muy involucrado en las sesiones de grabación de ese primer álbum.

Cronologicamente creo que entre 1975 y 1978 en la Argentina se logro el tope de creatividad musical, tanto en calidad como cantidad de bandas. Crucis fue durante un par de años un verdadero fenomeno, encabezados por el guitarrista Pino Marrone, Gustavo Montesano en bajo y voz, Anibal Kerpel en teclados y Gonzalo Farrugia en bateria. 

Con algunos cambios en su formacion grabaron dos discos, ambos circularon timidamente en nuestro pais. Estos vinilos eran fetiches de los coleccionistas y algunos programas vanguardistas de radio en varias ocasiones los programaban. Obviamente en Argentina tuvieron un gran exito y siempre estan presentes en las menciones que se hacen de las mejores bandas de ese pais. Se les ubica claramente como una banda sinfonica y siempre que se les menciona se habla de Yes o Camel, para mi es Crucis, un grupo tremendamente autentico y con un sonido único.

Cod: #1056

21 abr. 2013

Serú Girán - Bicicleta (1980)

Serú Girán fue el nombre del grupo que Charly García armó en 1977, después de La Máquina de Hacer Pájaros. Al igual que Sui Géneris, logró incorporar un público nuevo y masivo al rock nacional, gracias a canciones que hoy son verdaderos clásicos. Si bien desde el presente puede verse como un ''supergrupo'' con David Lebón, Pedro Aznar, Oscar Moro, los comienzos de Serú fueron muy difíciles y la banda fue muy resistida al público que quería seguir escuchando temas de Sui Géneris y que no toleraba ciertas actitudes.

Tras las peleas en La Máquina de Hacer Pájaros, Charly García tomó la determinación de dejar la banda y viajar a Brasil con David Lebón, su amigo desde la época de Sui Generis. Con la plata recaudada en el Festival del Amor (Luna Park, 11/11/1977) alquilaron una casa por tres meses en Buzios, al norte de Río de Janeiro. Por no tener dinero suficiente para pagar el impuesto, todos los equipos que llevaban quedaron decomisados en la aduana.

A los dos meses Charly regresa a Buenos Aires para arreglar contrato con Oscar Lopez y Billy Bond. Una noche, en un pub donde se presentaba Pastoral, Charly quedó fascinado con la habilidad de Aznar en el bajo. Esperó a que terminara el show y fue a buscarlo a los camarines. No fue necesaria mucha charla para que Pedro aceptara viajar con él a Brasil e incorporarse al grupo en gestación. ''Cuando lo ví a Pero pelar el bajo, se me cayó la mandíbula hasta la rodilla. Pensé: este pibe es muy bueno, es casi mejor que yo'', recuerda en tono de broma David. (Clarín, 03/05/1992).


Bicicleta, su tercer disco, el que llevó al grupo a la popularidad masiva, fue lanzado en 1980. Ese año fue clave en la consagración de Serú Girán. Viajaron a Brasil para participar en el San Pablo Jazz Festival, hicieron dos históricos recitales junto a Spinetta Jade, editaron Bicicleta bajo un sello propio (SG Discos) lo presentaron en Obras y dieron un recital gratuito en La Rural ante más de 60.000 personas el 30 de Diciembre.

La lista de canciones de Bicicleta incluye metáforas políticas de ''Canción de alicia en el país'', ''Mientras miro las nuevas olas'', y los hits ''Encuentro con el diablo'' y ''Cuánto tiempo más llevará''. Un álbum histórico hito en la carrera de Charly García y obra fundamental del rock en Argentina. 

Cod: #1144

Materia Gris - OhPerra Vida De Beto (1972)

"Materia Gris" fue una banda argentina formada en 1970. En un principio su música se vio influenciada por la primera etapa "Beatle" pero esto cambio rápidamente. Tras dos años de presentaciones, elaboran su propia música, a la cual la llevan por caminos más sofisticados, dentro de ambientes progresivo, y siempre dentro del ámbito under.

En 1972 lanzan su primer álbum, "Oh, perra vida de Beto", dándole vida a una de las primeras ópera rock argentinas, algunos dicen que se trata de la primera ópera rock, teniendo en cuenta de que ‘La Biblia’ de Vox Dei no sería una ópera rock sino un álbum conceptual; otros dicen que se trata de la segunda ópera rock, lo cierto es que es realmente una obra sorprendente que refleja la luminaria compositiva de estos músicos con un potencial enorme; una de las primeras ópera rock argentina, con un nivel a la altura de las circunstancias.

No es para menos la calidad del álbum si tenemos en cuenta que el grupo fue prácticamente un semillero de grandes otros grupos, la formación consistía en Carlos Riganti en batería, quien en 1975 formaría el grupo progresivo ‘ALAS’, Omar Constanzo en bajo quien en 1977 formaría ‘Naranja Mecánica’, además de Edgardo Rapetti y Julio Presas en guitarra. El trabajo también cuenta con la colaboración de Litto Nebbia y Bernardo Baraj.


En este trabajo ‘Materia Gris’ despliega un sonido progresivo realmente complejo, dentro del campo del rock, aparición de algo de psicodelia, toques de jazz rock y excelentes arreglos que se entremezclan y unen con las distintas estrofas que a lo largo de las piezas van surgiendo. Una fusión realmente esmerada, con un sonido oscuro, que va variando entre distintas intensidades y complejidades.

La dinámica que toman es formidable, avanzan constantemente y sin el menos esfuerzo se detienen donde quieren, así las piezas fluyen y desde un principio con un sonido formidable. La mescla primaria nace siempre desde un hard rock algo pesado, con buenos riffs y una buena dureza, pero la calidad de audio hace que ciertas cualidades del sonido queden algo suavizadas, de lo contrario tal vez diríamos que sea trata de un progresivo duro.

Un sonido sorprendente para un debut, que fue ampliamente alabado por la crítica, aunque desgraciadamente casi indiferente para las disqueras. Luego de este lanzamiento el grupo retorna a sus presentaciones por los distintos escenarios porteños y comienza a dar forma a su segundo trabajo que se llamaría "Pandemonium", disco que finalmente no llegarían a editar. En la actualidad el vinilo de "Oh, perra vida de Beto" es objeto de culto por coleccionistas de todo el mundo. 

Cod: #1043

19 abr. 2013

Toad - Toad (1971)

TOAD fue una banda suiza de hard rock, con bases bluseras, que recuerda mucho a bandas como CREAM, BLUE CHEER, HENDRIX y ZEPPELIN. Era suiza porque el bajista alemán Werner Froehlich, el baterista italiano Cosimo Lampis y el virtuoso guitarrista italiano Vittorio Vergeat (de 17 años ex guitarrista original de HAWKWIND) se conocen allí, y deciden reunirse en estre proyecto…

Editan un single instrumental ("Stay") en 1970… con el cual adquieren cierta notoriedad en la escena sueca; luego incorporan al cantante Benj Jäger (suizo), con el que lanzan su primer disco "TOAD" (1971)… trabajo que marcaría tendencia en el movimiento hard rock de ese país. Posteriormente editan "B.U.F.O" (1970 - editado en 1971 luego del primero).

El disco que aquí les presentamos, el homónimo ‘’Toad’’, es una obra maestra de hard rock bien duro y poderoso. Un gran trabajo de hard rock, con toques heavy psych, stoner, blues rock y talvez alguna herencia psych y alguna pretensión prog, plagado de vigorosos riffs ejecutados con una intensidad muy atractiva y una performance excelente de los músicos… que hace de cada tema sea atrapante, en especial para los amantes del sonido duro.


Por momentos se escuchan algunas composiciones acústicas delicadas en guitarras…  como por ejemplo en ‘’ The One I Mean ‘’ netamente acústico, o ‘’ Life Goes On’’, que es el tema más largo y jugado del disco, que combina riffs pesados y pasajes eléctricos con algunos pasajes acústicos más delicados que contrastas con el sonido, y un gran trabajo de voces; el resto del tiempo es un rock bien duro… al cual la banda sabe imprimirle su originalidad. El virtuosismo del guitarrista hace mucho más atrapante los temas; blues, excursiones instrumentales pesadas… y rabiosos solos para constituir el sonido esta aplanadora de rock.

Posteriormente la banda volvería a quedar como trío con la salida de Benj Jäger, tiempo en el que editan "TOMORROW BLUE" (1972), "OPEN FIRE (Live in Basel)" (1972) y finalmente "DREAMS" (1974), repartiéndose las voces entre los tres. En 1975 la banda se separaría definitivamente, dejando en su corta trayectoria muy buenos discos.

Cod: #1258

17 abr. 2013

Arzachel - Arzachel (1969)

''Arzachel'' es una banda emblemática británica... que prácticamente paso desapercibida en su momento y recién ahora a obtenido algo de notoriedad por coleccionistas y debido a lo que produjeron los musico en los años futuros: un super grupo formado por los jovenes Steve Hillage junto a tres miembros de Egg... Dave Stewart, Clive Brooks y Mont Campbell, los cuales aprovechan el exito de la musica psicodelica y se montan este efimero proyecto y hasta bizarro por momentos. Por motivos contractuales (Egg estaba fichada por Decca Records y los musicos no estaban autorizados a grabar para otra disquera) todos los musicos aparecieron bajo seudonimos... y hasta el nombre de la banda es un seudonimo.

Este excelente álbum fue grabado en 1969 de un jam, en un solo dia..., una zapada sublime en el que la banda despliega en buena gama de su potencial y capacidad. Las canciones son muy agradables, los primero tres temas... pese a que tiene algunos sonidos psicodelicos intensos... en general son tranquilos, corren mas por un costado pop psicodelico plagado de teclados que le dan aun mas suavidad al sonido... junto a esmerados arreglos de voces, pop-rock psicodelico sazonado con un efecto de eco (por esta en una cueva) profundo en el cual revotan las zapadas del teclado y la guitarra... que de apoco comienzan a dejar de entrever lo que viene mas adelantes.


Los últimos tres temas, también psicodelicos, dejan mas una sensacion prog en la garganta... , aunque también dejan la sensación de que están influenciados por el rock y blues de los 60s; primero el potente blues ''Leg'' que comienza muy sutil hasta que se desmadra en una locura hard altamente explosiva. 

Lo siguiente son los ultimos dos temas que nacen mas de la zapada propiamente dicha, de la experimentación despreocupada e improvisada, sostienen mas un sonido prog temprano... en dos grabaciones de 10 min. y de 16 min. consecutivamente, en donde la guitarra de Hillage toma el mando y predomina fervientemente en sesiones y principalmente los pasajes instrumentales en medio de cada tema. ''Clean Innocent Fun'' es un hard blues/rock con arreglos de riff muy sutiles y voces también tipicamente influenciadas por el blues de los 60, contiene en el medio un jam tipico de sesion... con buenas zapadas y cambios de ritmo y bases a medida que va evolucionando la sesión. 

La otra joya del disco es ''Metempsychosis'', comienza con un sonido calcado del floyd de Saucerful Of Secrets... con una sesion de efectos producidos estrictamente por los instrumentos... tranquilos/freneticos, rasguños de guitarra tipicos a los que hacia Gilmour, teclados tambien tranquilos y pesados tipicos a los de Wright... aunque esta sesion cuenta con los solos extraordinarios de un genio que estaba naciendo y que ya demostraba su capacidad; el tema pasa por un momento tranquilo con teclados y voces imnoticas... hasta volver a la frenetismo salvaje del comienzo.

Código: #1015

13 abr. 2013

Between - And The Waters Opened (1976)

’’Between’’ es una banda alemana nacida en 1970, ideada por el teórico musical y experimentalista Peter Michael Hamel, quien tras reunir una amplia gama de músicos internacionales, crea la banda cual crisol musical y cultural.… y con esta misma, crea un sonido innovador, totalmente experiemntal e innedito para la época.

En 1973, a través de Music Factory, lanzan su segundo disco, el que aqui les presentamos… ‘’And The Waters Opened’’, que seria uno de los primero trabajos dentro del sonido etnico, fusion y new age. El grupo sin dudas tenia influencias kraut, entre las cuales se podrían destacar bandas como Popol Vuh, Can y Tangerine Dream, tambien adquirio sonidos heredados del hippismo y la psicodelia de los sesentas; aunque tomarían más los aspectos experimentales, desarrollando un sonido innovador y experimental, expresado en sesiones improvisadas y ambientes vibracionales enriquecidas con muchísimos efectos electrónicos, de teclados y guitarras que funcionan como conductores en las atmosferas muy bellas, por momentos oscuras… misticas, que retratan…


Las composiciones cambian totalmente de estilo dependiendo de quién compone cada tema..., así es que en cada pista nos encontraremos con un viaje distinto al anterior, pasando por distintos motivos y matices, intensidades y efectos, sesiones de tambores, instrumentales étnicos estilo hindú, sesiones de efectos… guitarras acústicas…, etc.


Para grabar el disco se reduce el número de componentes a Black, Détrée, Eliscu y Hamel más la colaboración esporádica de Walter Bachauer a la electrónica y Duru Omson, flauta de bambú, percusiones y voces.

Sin dudas un trabajo innovador bastante adelantado para su época… por la gran cantidad de estilos y matices que fusiona, netamente exotio, espiritual, una obra psicodleicas grandiosa para degustar y viajar… y si tenemos un poco de hierva a mano, mucho mejor…

El disco ha sido reeditado varias veces en lp y en cd se publicó por primera vez por el sello luxemburgués Germanofon en 1994 y la edición que aquí presentamos de 2005 , que pertenece a la editora alemana Intuition Records, y que cuenta con el añadido de tres temas inéditos grabados en 1976 (temas 1, 8 y 9).

Código: #1014

12 abr. 2013

Exmagma - Goldball (1974)


Exmagma son un trío alemán experimental jazz-rock y krautrock banda que editó dos álbumes en la década de 1970. La banda fue formada en Stuttgart, Alemania, por Andy Goldner, guitarras, bajo, saxo y voz, Thomas Balluff, teclados, trompeta, flauta, voz, y el baterista de jazz Braceful Fred, ex miembro de Et Cetera. 

Los dos primeros álbumes Exmagma Goldball y fueron puestos en libertad en 1973 y 1974 respectivamente, mientras que Exmagma 3 de 1975 fue puesto en libertad en 2006. La banda fue incluida en la lista Enfermera con herida (Nurse with Wound) en inglés.


Este disco es medio loco, para los seguidores del Krautrock y Jazz Fusion este disco es genial. Empezando por Marylin F. Kennedy, una canción bastante movida, una buena canción para empezar un disco como este. Luego le sigue Da da, es bastante conocida, es una pieza muy buena empezando lentamente con una introducción bastante jazzera, una canción que dura 03:36 minutos, con poca duración, una genial canción instrumental.

En una de las canciones más jazzeras que tiene el disco es Dance Of The Crabs, se nota muy bien la influencia del jazz que tienen estos maestros.

Código: #1013

11 abr. 2013

Goldenrod - Goldenrod (1969)

No encontré mucha data sobre ''Goldenrod'', parece ser una banda norteamericana de rock acido/psicodelico de entre mediados y/o fines de los 60 que estuvo en proyectos donde fueron teloneros o tocaron con Elvis Presley y The Doors entre otros. Estaba integrada por Ben Benay en Guitarra, Jerry Scheff en Bajo y Toxey French en Batería.

Este álbum homónimo fue grabado en Hollywood en el año 1969, presenta un sonido de rock acido y duro con matices de blues y psicodelia, pasajes oscuros, experimentación e improvisación. Consta de cuatro extensas pistas instrumentales de sesión donde la banda juega a experimentar en parte... con un poco de rock oscuro y buenas zapadas ácidas guiadas por una guitarra que es la protagonista estelar de las sesiones, y por otra parte experimentan con sonidos improvisados de percusión y solos de batería, flautas y otros sonidos extraños y oscuros que generan una atmósfera bastante fatalista y tal vez un tanto bizarra pero definitivamente atrapante; al final todos estos condimentos juntos terminan insinuando cierta incidencia kraut en el sonido... 


Cada tema es especial e imperdible, imposible dejar nada de lado; tal vez la formación de la banda limite un poco el sonido... que no consta de voces sino sesiones instrumentales electricas, aunque por otro lado no debemos desestimar el trabajo aquí realizado que es realmente muy centrado, muy bien elaborado y el toque especial que le da la experimentación e improvisación. El disco fue re-editado en alemania en el 2002 por Prosecco Studios.

cod: #1199

9 abr. 2013

Asoka - Asoka (1971)

Asoka fue una banda sueca formada en 1967 por algunos miembros provenientes de la disuelta ‘’Taste Of Blues’’. La nueva formación estaba integrada por Robban Larsson en guitarra, Erixcon Patrick en voz y bongoes, Claes Ericsson en piano/órgano, Kent ‘’Tjobbe’’ Bengtson en bajo y Alf ‘’Lucas’’ Bengtson en batería… los cuales redirecionan su estilo hacia un lado más duro…

En 1971, tras un período corto pero intenso de giras y grabaciones, lanzan su álbum debut, un entusiasta trabajo de heavy psych/hard rock muy bien ornamentado, ya que contiene una tremenda mezcla de ritmos que van desde prog, blues, psicodelia, jazz… y hasta algo como funk latino, boogaloo, aproximándose a sonidos cual Santana … con solos melódicos y bases percucivas muy características del estilo. Dicha mezcla da como resultado un sonido muy personal, pesado, eficiente, efusivo, amplio en las búsquedas y variado en las estructuras, bastante crudo… repleto de riffs poderosos, efusivas voces, zapadas instrumentales y guitarras fuzz.


Esta edición cuenta con varios temas bonus, provenientes de outtakes y grabaciones tempranas de la banda, que dejan de entre ver el estilo que tenían, mas blusero y melosos, aunque siempre efusivo y crudo, y el trabajo que realizaron al final, mucho mas centrado, maduro y un tanto mas edurecido…

Tras el lanzamiento del álbum… la banda se disolvería. Tras la disolución de la banda, Claes Ericsson y Larsson Robban grabarían mas tarde dos álbumes con el grupo de jazz-rock Lotus .

En 1990 se re edita el disco… al cual se le suman varios outtakes y grabaciones, y en el 2005 se re edita el álbum en versión digi pac. En el 2004 la banda se reagrupa y vuelven a formar la banda y en el 2007 editan su segundo disco, ‘’36 years later’’.

Código: #1012

8 abr. 2013

Carl Palmer en el ND Ateneo, Buenos Aires, Argentina - 06/04/2013 (Concierto)

Con motivo de su gira internacional “TWIST OF THE WRIST TOUR 2013” y bajo la etiqueta ‘’EMERSON, LAKE AND PALMER Legacy’’, el mundialmente conocido baterista Carl Palmer (ex Emerson, Lake And Palmer y ASIA) se presentó con su banda en el teatro ND ateneo, en Buenos Aires, el 6 de Abril de 2013, como parte de su agenda internacional, por la cual visitara Sudamérica, Japón, el Caribe, Estados Unidos, Canadá y Europa…

Con un formato power trio, (más que ‘’power trio’’ diría que es un ‘’atomic prog trio’’) la banda liderada por el legendario baterista desplego un alucinante show de dos horas que combinó música con proyecciones de video… en una experiencia inolvidable, en la cual interpretaron varios temas entre los cuales se encontraban clásicos de ELP como Knife Edge, Tarkus y Pictures At An Exhibition, un cover de ‘’ Stairway To Heaven’’ hecho por el bajista, y otros varios temas propios de la banda…

Al famoso batero lo acompañan, el virtuoso joven guitarrista Paul Bielatowicz y otro excepcional músico, Simon Fitzpatrick, en el bajo, quienes interpretan clásicos emblemáticos del rock progresivo con una naturalidad increíble y un despliegue técnico asombroso que sobrepasa cualquier expectativa. El espectáculo es netamente instrumental, tomando la guitarra, por momentos, el lugar de la voz. 

El espectáculo visual, proyectado detrás de la banda misma, no se centro demasiado y tal vez no se sincronizo con el motivo de la música, pero en este caso pasa totalmente desapercibido debido a la calidad musical que se despliega…

Tuve la fortuna de poder presenciar el show, uno de los dos que realizaron en la Argentina, aquí les dejamos algunas fotos de lo que fue la presentación...



Y aquí algunos videos de lo que fue la noche:

Carl Palmer's ELP Legacy - Hoedown



Carl Palmer's ELP Legacy - Pictures At An Exhibition



7 abr. 2013

Status Quo - Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo (1968)


Status Quo es una banda de hard rock o rock psicodélico (como en este disco) formada en el año 1962. Antes de ser conocidos por ''status quo'' esta banda tenía el nombre ''the spectres''. 

Status Quo ha sido una de las bandas británicas de mayor éxito comercial. Surgieron a finales de la década de los sesenta. Aunque los Status Quo nacieron como un grupo de beat y psicodelia, finalmente desembocaron en una banda de boogie desenfadado, con ritmos procedentes de clásicos del rock y del blues. 

En 1967 los Spectres se rebautizaron como los Status Quo y se pasan a la psicodelia. Tras publicar algunos trabajos con resultados dispares, en 1970 los Status Quo se redefinen. Mudan las ropas psicodélicas por los más habituales tejanos y se convierten en una banda de rock y boogie, con un espectacular sonido de guitarra.


Con este disco, Status Quo comienza su carrera como banda psicodélica, y despues de los 69' su sonido comienza a parecerse más al blues rock y al hard rock que a la psicodélia.
Este disco se conoce por la muy famosa canción ''Pictures of Matchstick Men'' la cuál tiene un poderoso y pegadizo riff. 

Unas de las canciones que más me gustan de este disco es ''Ice In The Sun'', que también es muy pegadiza. Technicolour Dreams, otra canción que tiene un riff bastante similar a las demás canciones, también es una de las canciones que más llaman mi atención, son esas canciones que suelen quedarte en tu cabeza y cantarlas por un tiempo.

Lo que me gusta de este disco es aparte de que está inspirado en toda la época, ya en los 60' mucha psicodélia, las guitarras sucias, las voces, los riffs, este disco es genial si te gusta la psicodelia tirando a garage rock o garage psych. Esta banda está formada por Francis Rossi guitarra y voz, Alan Lancaster bajo, Rick Parfitt guitarra y voz, John Coghlan batería y Andy Bown, teclados.

Código: #1011

3 abr. 2013

Donovan - Sunshine Superman (1966)

Donovan es un músico, poeta, y cantautor escocés nacido el 10 de mayo de 1946.
A principios tenía un estilo medio Bob Dylan, pero a principios de los '66, su sonido cambió rotundamente tirándose más al sonido psicodélico, como en este disco en el que vamos a hablar ahora.

Este disco es el primer indicio de que Donovan había dejado por lo menos atrás su sonido folk original, para darle un espacio al sonido folk psicodelico, o psicodelia en sí. 
Primero ya viendo la tapa, se nota que es un trabajo bastante hecho ya con la idea de que iba a ser un disco con ''la psicodelia pura'' de Donnie en ese entonces.

Como siempre, o por lo menos conmigo, trato de imaginarme el contenido de la música de un disco cuando miro a la tapa, puedo pensar que un disco es de tal estilo viendo la tapa, no se si las tapas funcionan de esa manera pero eso me ayuda bastante. Si analizamos la tapa de este disco, con mi perspectiva, puedo decir que tiene este disco no va a ser un disco tan folk como los anteriores de Donovan, aunque este disco tira más para el folk psicodelico, la verdadera psicodelia pura, va a venir dentro de dos discos más, que se va a llamar A Gift From A Flower To a Garden, pero ese ya es otro tema.


Volviendo a la tapa, ya con los colores y todo eso se puede decir que es un disco ''psicodelico'' o no? Siempre está la expectativa de ver la tapa de un disco y juzgarlo, a veces las expectativas son correctas y otras a veces no pero siempre hay una idea en la cuál si el disco es colorido, o tiene esos dibujos psicodelicos y locos, puede ser que ese disco sea así.

Ahora en el disco, para empezar tenemos ''sunshine superman'' una linda canción, siempre, algunos discos, no todos, los nombres de los álbumes suelen tener el mismo título de la canción, o la canción el mismo nombre del disco, o del artista.

Una de las canciones que más me gustan de ese álbum es ''the trip'' esa canción ya por el título es una canción medio lisergica y bien psicodelica, es muuuy pegadiza y es bastante alegre.

Cód: #1010

Xhol Caravan - Electrip (1969)

Xhol Caravan, también llamados XhoI, es una de las bandas pioneras de la fusión entre rock y jazz en Alemania, considerados como uno de los padres del Krautrock. La banda nace en Wiesbaden en 1967, animados por el éxito de la música soul en Estados Unidos, dos vocalistas negros norteamericanos, James Rhodes y Ronnie Swinson y el baterista blanco, pero también norteamericano, Gilbert Van Wyck III (apodado “Skip”), se unen a los alemanes Tim Belbe (saxo tenor),Hansi Fischer (saxo soprano) y Klaus Briest (bajo), formando Soul Caravan (el nombre fue idea de James Rhodes).

Tocando clásicos del soul, algunos temas propios y algunas versiones standard de jazz, realizan muchos conciertos en clubs frecuentados por soldados americanos. En una de estas actuaciones, el guitarrista Werner Funk se les une como espontaneo mientras interpretaban el “Take Five” de Dave Brubeck y se queda con ellos como miembro de la banda. Con esta formación firman con CBS, publicando en 1968 un single y el LP “Get In High”. Poco después, Ronnie Swinson deja la formación, ya que es obligado a regresar a USA, y entra el teclista “Öcki” Von Brevern

Para el verano de 1969, la banda, tras grabar un disco en vivo, ya había encontrado su sonido, influenciados por el jazz y soul, crean una amalgama entre estos y la psicodelia… creando un sonido emblema para el krautrock, aunque James Rhodes se marcha al no estar de acuerdo con el cambio de estilo. Por su parte, el guitarrista Werner Funk también decide abandonar el grupo, aunque antes participó, de forma casi anecdótica, en la grabación del siguiente disco de la banda.


Casi totalmente instrumental, ‘’Electrip’’ es el único trabajo en estudio que la banda publicaría bajo el nombre de ''Xhol Caravan'' y que vio la luz a finales de 1969. Es un disco de jazz rock, soul y psicodelia, con tendencias e influencias bien marcadas como por ejemplo… las investigaciones sonoras de genios como Miles Davis y Frank Zappa….; influencias que recuerdan también mucho a sonidos de Soft Machine, pero a la vez con un sonido único, muy agradable y personal… que marcaria tendencia en la escena musical de la época, este disco en especial es uno de los primeros trabajos kraut.

En si consta de piezas, la mayoría instrumentales, marcada influencia de soul en las bases de bajo y formato jazz standard en la concepción de los temas, que se plantan la mayoría como sesiones improvisadas… lideradas por saxos electrificados y un órgano como elementos principales. El sonido tiene una intensidad especial pero a la vez fluye tranquilamente, la psicodelia nace desde las raíces… y va tomando más intensidad a medida que se adentran las sesiones, plagadas de efectos de sonidos electrónicos, delirios instrumentales y voces de otros planetas que nos acercan a todo un viaje electrónico realmente.

En 1970 se cambian el nombre a Xhol para distinguirse de los británicosCaravan. Luego editan su tercer disco hau-RUK (1971), que fue seguido por unálbum en vivo que les sirvió como despedida en el momento justo de la ebullición del movimiento que ellos, con su joya bautizada Electrip, habían ayudado a crear.

Código: #1009

2 abr. 2013

Walrus - Walrus (1970)

‘’ Walrus ‘’ fue una banda inglesa fundada en 1969 por el bajista Steve Hawthorne. Por la gran cantidad de miembros con los que contaba la banda, sufrio varios cambios en su formación, sin embargo es una tendencia muy característico para los grupos de este tipo.

Realizaban giras a las afueras de Londres, cuando son vistos por miembros del sello ‘’Decca’’ quienes les propones grabar, por lo que ese mismo año entra al estudio de grabación. Para diciembre de ese año ya tenían el material listo, que contó con el liderazgo creativo del bajista Steve Hawthorn y la producción de David Hitchcock , aunque por algunos problemas técnicos no lo pudieron lanzar sino hasta un año mas tarde. La banda estaba formada por por nueve miembros: Steve Hawthorn en bajo, Scates John en guitarra rítmica, Nod Gabb en batería, Barry Parfitt en órgano y piano, Noel Greenaway en voz, Don Richards en trompeta, Roy Voce en tenor sax, Bill Hoad en saxos y clarinete y Roger Harrison en batería, cencerro.



Es asi que en Noviembre de 1970, lanzan su primer y único disco, el homónimo ‘’ Walrus ‘’, que combina rock progresivo, blues y jazz en una obra de alto vuelo, con toques heavy, rythm, psych, buenos riffs eléctricos... que por momentos recuerdan al mismísimo Atomic Rooster, y una gran participación de saxos y trompetas… que recuerdan mucho al sonido de Mogul Trash

Los temas son muy dinámicos y potentes … llevados a cabo por una impecable performance de los músicos y del cantante; muy buenas piezas que varían entre sesiones de jazz, rythm y heavy rocks bien potentes… aunque suavizados un poco por los instrumentos de viento…

El albun no gozo de éxito comercial, por lo que un segundo disco nunca llegó a realizarse. Después de numerosos intentos de romper con los problemas de financiamiento, y a pesar de las brillantes actuaciones en vivo, en 1972 , la banda se separa.

Código: #1008
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